Den olyckliga och uttråkade hemmafrun Evelyn (Kathy Bates) lär känna en tant på sjukhuset. Ninny (Jessica Tandy), som tanten heter, berättar historier om personer hon växte upp med i en liten by i Alabama i början av 1900-talet. Efter varje möte med Ninny känner sig Evelyn starkare inombords och börjar ifrågasätta sin vardag och sin roll som kvinna och fru. Hon blir Towanda - rebellen!

Huvudpersonerna i Ninnys berättelse är kvinnorna Idgie Threadgoode (Mary Stuart Masterson) och Ruth Jamison (Mary-Louise Parker) och deras kärlek och attraktion till varandra genomsyrar hela filmen, trots att regissören försökt tona ned det till bara vänskap. De lever som ett äkta par, de jobbar tillsammans och de blir svartsjuka på andra personer. Utöver detta är blickarna helt sexgenomdränkta, och Parker berättar i en artikel att det egentligen bara var hon och den andra Mary som kämpade för att tydliggöra Idgie och Ruths kärleksrelation. Och i öppet lesbiska Fanny Flaggs roman (som den här filmen är baserad på) råder det inga tvivel om att de unga kvinnorna var älskare.

Bortsett från den obligatoriska censuren så är filmen så jävla kanonbra och berör alla! Den som säger att den bara är till för tjejer ska ha spö!

/Johnny

Talvez es una de esas películas que no aportaron al cine mayor gloria, ni a su género, el de la Ciencia Ficción (aunque puede ser incluida en otros: drama, comedia…), pero es de esas que se te quedaron en el recuerdo, de entre las muchas que proliferaron en la década de los 80s.

Ron Howard, (rodando actualmente “Ángeles y Demonios”), que un año antes había estrenado una comedia de gran éxito, títulada “Splash”, con Tom Hanks y Daryl Hannah, fue el encargado de su dirección, en 1985.

La historia nos presentaba a unos ancianos alejados de la vida activa, recluidos en una residencia para la tercera edad. Sus perfiles, bien definidos, van del desconfiado cascarrabias, al hombre tranquilo y razonador, al hipocondríaco de toda la vida, a la mujer aparentemente débil, pero que sabe controlar las situaciones… Son un abanico de seres que se han encontrado con un montón de años encima, pero que siguen siendo ellos mismos, aún con sus achaques y sus fuerzas mermadas.

Uno de ellos descubre una piscina en una casa abandonada cercana a la residencia, y ese hecho abre al grupo una nueva perspectiva para sus vidas. El agua de esa piscina les devuelve la vitalidad de la juventud.

Hilvanado todo esto, con un argumento de ficción, y la inclusión de elementos extraterrestres, sus protagonistas, sin lugar a dudas, fueron los que engancharon al espectador de todas las edades. Daba igual que tuvieras diez, treinta, que cincuenta años: esos ancianos sobre los que giraba el film, te recordaban a tus entrañables abuelos.

Les daban vida veteranos actores, cuyos rostros más jóvenes recordábamos haber visto en películas “antiguas”, la mayoría de ellos, siempre en papeles secundarios.

Don Ameche (Oscar al mejor actor secundario por su papel en esta película), Wilford Brimley, Hume Cronyn (el único superviviente del grupo; en la actualidad cuenta con noventa y un años) Jack Gilford, Maureen Stapleton, y Jessica Tandy (la guapa madre de Rod Taylor en “Los pájaros", de Alfred Hitchcock), nos presentaron a unos personajes con los que no podías dejar de encariñarte.

El reparto se completaba con Steve Guttenberg (actor prolífico por aquel entonces), Brian Dennehy (siempre llenando la pantalla, y no sólo por su físico, en el papel de extraterrestre), y Tahnee Welch, hija de la sex simbol Raquel Welch.

El humor de algunas escenas, y las situaciones dramáticas que se entremezclan en la trama, la convierten en una vital y al mismo tiempo sentimental historia, que acompañada por una excelente banda sonora a cargo de James Horner (“Titanic” -1997), y unos efectos visuales muy notables (recibió un Oscar por ellos), componen una película que puede verse ahora, con el mismo agrado que en aquel 1985.

Tuvo una secuela en el año 1988, dirigida por Daniel Petrie (padre), pero bastante menos afortunada. Fue como casi siempre, intentar sacar más jugo a una historia de éxito.

Disfrutad del trailer.  En el podréis ver algo más de lo que yo he contado.

Swanson  

A sucker for nostalgia, I think the waterworks flowed freely for a long, long, time. Of course, its endeared me to great actresses like Geraldine page, Betty Davis ,Jessica Tandy and Joan Plowright... her Mrs. Palfrey At The Claremont floored me... I felt such a realness in these women performances. I'm left after watching such fine actresses... wondering what it was that they drew upon to get the 'it' in acting ... 

Come September, I'll be headed back to visit my hometown, although I was just there last year for painful reasons...this time I visit for a continuation of sorts. I'll walk the dusty, country roads along the mississippi flatlands where I grew up. I'll revisit my parents/brother/sister final resting place and scout out a few long lost friends as well. A particular young man I once loved and who made me smile comes to mind...I become pensive when I think how we grew apart... as the years passed... we became separated by miles ...sought different lives...

When I return home this time, I plan to stop in to visit friends. family. Say hello/goodbye to old lives and never  forgotten lost loves...

Na maioria dos filmes de suspense/terror, normalmente os personagens principais se vêem acuados por uma força extremamente amedrontadora e intimidadora (seja ela um assassino em série, um espírito maligno, um ser de outro planteta) que seria, até certo ponto, impossível de doma–lá. Mas se, por um acaso, esses personagens fossem atacados por criaturas que, até onde alcança o nosso conhecimento, não nos fariam nenhum mal?? De certa forma, é o que Hitch aborda em “Os Pássaros”, filme que sucedeu o grande sucesso de crítica e público “Psicose” (e, provavelmente, o seu filme mais conhecido).

Nesse filme, temos a pacata cidade de Bodega Bay, na Califórnia, vive momentos de terror quando milhares de pássaros se instalam na localidade e começam a atacar as pessoas. Um enredo simples, talvez até difícil de se imaginar sendo desenvolvido durante as duas horas de filme. Mas Hitch consegue desenvolvê–lo com maestria, além de conseguir causar uma tensão poucas vezes vista em um filme.

Logo nos créditos iniciais, já temos uma boa idéia do que será o filme: não há trilha sonora (como, aliás, em todo o filme). apenas os créditos mostrando os dados usuais do filme (nome, diretor, roteirista, atores), com imagens de pássaros voando descontroladamente (além de ruídos feitos por eles). Isso cria, antes mesmo do filme começar, uma sensação de que o filme será diferente de outros dirigidos por ele (isso será explicado mais adiante).

Se os créditos iniciais cumprem o esperado (preparar o telespectador para o clima de tensão), o primeiro ato do mesmo serve justamente para quebrar essa sensação. O que vemos é um típico início de uma comédia romântica, com os ingredientes típicos de um filme de Hitchcock: a loira estonteante – no caso, Melaine Daniels (“Tippi” Hendren, em sua estréia no cinema); o “homem comum”, eternizado em seus filmes por Cary Grant e James Stewart (no caso, Mitch Brenner, aqui interpretado por Rod Taylor); o típico humor característico dos seus filmes; a trama amorosa entre os dois personagens principais. Entretanto, através de certos detalhes inseridos na trama (como, por exemplo, a revoada de pássaros observada por Melaine pouco antes de entrar na loja de pássaros), Hitch nos mostra que algo de estranho está por acontecer.

Nesse primeiro ato, temos o encontro entre Melaine e Mitch Brenner (que acontece de forma inusitada) na loja de pássaros. À princípio, Melaine não se interessa por Mitch (especialmente por ele ter judiado dela). Mas, logo depois, ela se vê bastante intrigada em relação àquele homem, e decide, por conta própria, presenteá-lo dois periquitos (que ele pedira na loja de pássaros para dar de presente a sua irmã). Como ele não se encontrava presente em sua residência, Melaine decide ir até Bodega Bay, a fim de concretizar sua pequena ”vingança”.

Aliás, nesse trajeto percorrido por ela (primeiro de carro e depois de barco), vemos a maestria da direção de Hitch: toda a cena é conduzida sem diálogos ou trilhas, apenas com imagens. Mas a beleza dessa cena não advém apenas de um retorno ao cinema mudo: Hitch, como grande manipulador, mantém o estado de tensão constante, à medida de Melaine se aproxima da casa de Mitch. A partir do motor do barco ligado, a câmera mostra, alternadamente, a visão de Melanie da casa de Mitch do outro lado da baía e um plano objetivo em que se vê o barco vindo de frente e a vastidão do mar e do céu ao fundo. Essa alternância de planos e a longa duração da sequência, que mostra todo o percurso de Melanie, sugere ao espectador que algo de extraordinário está na iminência de acontecer. O suspense é garantido até o final da seqüência, quanto Melanie faz o caminho de volta de barco (com Mitch a seguindo de carro pela costa): o ataque inexplicável de uma gaivota à Melanie.

Aqui, cabe explicar o por quê desse filme ter um tom um tanto quanto diferente de outros de Hitchcock: Aqui não há um assassino, e sim uma série de acontecimentos que, ao final, não serão resolvidos! Isso mesmo, não espere que Hitchcock mastigue para você toda a filosofia existente dentro de Os Pássaros. Há um constante tom sobrenatural, e isso ajudou bastante a não haver essa necessidade para o filme. Isso pode ser considerando um ato de coragem por parte de Hitch, pois não podemos esquecer que esse filme sucede “Psicose”, talvez o grande sucesso dele. O filme que seguiria seu grande clássico teria de ser bom o bastante para agradar aos fãs, sedentos por uma nova história que fosse tão boa quanto a anterior.

A partir dessa cena, temos o início do segundo ato: depois do ataque deliberado do pássaro à Melanie, somos apresentados aos outros personagens residentes de Bodega Bay: a irmã de Mitch, Cathy Brenner (Verônica Cartwright, aqui com 13 anos de idade); a mãe de Mitch (interpretada por Jessica Tandy), além da professora de Cathy e ex–namorada de Mitch Annie Hayworth (interpretada por Suzanne Pleshette), que hospeda Melanie durante a sua estadia e Bodega Bay. Ao mesmo tempo, Hitch, ainda nos preparando para o “prato principal”, nos mostra maiores indícios de que algo estranho está acontecendo naquela cidade: pássaros que não param de migrar; galinhas que se recusam a comer a ração; pombos voando deliberadamente em direção a porta, entre outros. Todos esses fatos culminando no que determina, na minha opinião, o fim do segundo ato: O ataque dos pássaros à festa de aniversário de Cathy. Tudo isso conduzido com a maestria de Hitch na direção.

A partir desse ataque, temos o terceiro ato: cada vez mais ataques acontecem na cidade. Aqui, cabe ressaltar a qualidade técnica do filme: poucos filmes são tecnicamente perfeitos como esse. A edição primorosa, o trabalho primoroso de maquiagem (especialmente nas pessoas vitimadas pelos pássaros), a equipe de efeitos especiais (que fez um dos trabalhos de pintura em matte e chroma key mais primorosos do cinema), todos fizeram um trabalho perfeito. Uma cena que evidencia isso é o ataque dos pássaros ao posto de gasolina, especialmente na cena em que Melanie está presa na cabine telefônica. Essa cena mostra outro aspecto técnico bastante apurado do filme: o fato da diversa sobreposição de películas para criar três camadas na tela. A primeira película tinha Melanie dentro da cabine telefônica, com alguns pássaros atingindo o vidro para ficar real; a segunda camada era alguns pássaros animados que ficavam passando de um lado para o outro em tom ofensivo; e a terceira camada era simplesmente uma pintura! Isso mesmo, usaram uma pintura de fundo e ela ficou simplesmente PERFEITA, irreconhecível, parece até cenário de verdade. Filmado uma película de cada vez, juntaram as três na edição e montaram a aterrorizante cena.

A direção de Hitch não fica atrás e mostra um dos trabalhos mais primorosos aqui, com perfeito domínio da câmera e do efeito que esta irá causar no telespectador. Um exemplo clássico disso é a cena do ataque dos pássaros ao colégio de Cathy: Enquanto Melanie espera no banco do lado de fora do colégio, vemos a câmera acompanhar o vôo de um corvo; em seguida, a câmera foca Melanie e, ao fundo, vemos três pássaros pousados em um cercado; a câmera volta a focar o vôo do pássaro anterior, cortando em seguida para o rosto de Melanie, até que o pássaro pousa no cercado; quando vemos o cercado, temos dezenas de pássaros pousados nele, como se estivessem prontos para o ataque. Essa é uma das cenas mais aterrorizantes do filme para mim, e que mostra o controle absoluto de Hitch na direção a fim de causar a tensão constante ao telespectador. Tensão essa que percorre todo o restante do filme, seja pelos ataques repentinos dos pássaros, que invadem a casa de Mitch Brenner; ou pelo silêncio ensurdecedor que precede (e sucede) o ataque dos pássaros, não dando nenhum momento para o telespectador “decansar”.

Aqui vale ressaltar um dos elementos fundamentais geradores da atmosfera de tensão que recobre quase todo o desenrolar do filme: a falta de explicação do súbito comportamento agressivo dos pássaros de Bodega Bay. O que dá margem, inclusive, à uma sequência deliciosamente cômica, quando vários do habitantes da região discutem sobre o problema dos pássaros em um bar, com destaque para o contraste entre a ornitóloga cética e o bêbado apocalíptico. O absurdo do comportamento dos pássaros que, inexplicável e violentamente, agridem as pessoas às enxurradas e de modo intermitente, acaba por aumentar a angústia do espectador, que não sabe o que esperar para a cena seguinte. Aí é que Hitchcock brinca com nossas expectativas, nos surpreendendo com um violento ataque ou com uma, não menos estranha, quietação momentânea dos pássaros.

Outro ponto importantíssimo a ressaltar é a trilha sonora. Ou, melhor dizendo a ausência dela. Hitch, a fim de criar uma tensão cada vez mais constante, optou por usar apenas efeitos sonoros, além de se utilizar de ruídos (feitos a partir de enormes sintetizadores), especialmente de pássaros. Isso ajudou a criar um clima de tensão constante, que uma trilha sonora não conseguiria dar. Bernard Herrmann, grande colaborador de Hitch nas trilhas sonoras, foi classificado como consultor sonoro desse filme.

Por fim, temos a cereja que faltava para dar o toque final a esse filme: o “final”. Na verdade, não é um final clássico, visto que o filme acaba de forma bastante abrupta, o que com certeza incomodou grande parte do público (e que ainda incomoda muita gente). Após a angustiante fuga dos protagonistas a casa de Mitch, em meio a um sem–número de pássaros, em direção à ponte de São Franscisco, o filme é interrompido, sem a tradicional à época “The End”. O que pode parecer sem sentido param muitas pessoas, para Hitch (e todos aqueles que compartilham da sua visão) é apenas a fria constatação do cenário apocalíptico que os pássaros causaram àquela cidade e aos seus habitantes. Ao determinar essa escolha, Hitch “deixa no ar” se eles realmente conseguiram fugir dos pássaros ou não, levando o telespectador a pensar nisso depois do “fim” do filme, obrigando–o a carregar essa tensão para a saída do cinema. Esse foi mais um toque de mestre de Hitchcock.

“Os Pássaros” pode não ser a obra mais famosa de Hitch (ou mesmo a mais venerada), mas ela pode ser considerada uma das mais emblemáticas de sua vasta carreira. A sensação que se têm depois de assistir essa obra–prima é que, mesmo 48 anos depois, com todos os avanços tecnológicos surgidos desde então, poucos diretores teriam o detalhismo e o perfeccionismo necessário para executar tal façanha, além de coragem suficiente de fazer tantas escolhas que, a princípio, soariam equivocadas. E essas qualidades são dadas a poucos gênios cinematográficos. Hitch tinha isso e muito mais, fato que pode ser comprovado em suas seis décadas de carreira e quase o mesmo número de filmes. Era um dos poucos que sabia criar o suspense como ninguém, mesmo que esse suspense venha de criaturas que nunca imaginaríamos!

4/4

Adney Silva

"A História terá de registrar que a maior tragédia deste período de transição social não foram as palavras ácidas e as ações violentas das pessoas más, mas o assombroso silêncio e a indiferença das pessoas boas." (Martin Luther King. 1929/1968 )

Rever esse filme após um longo tempo, além do prazer, me levou a outros vôos. A lances do passado, como também a alguns bem mais recentes. Por conta da amizade entre os dois tão diferentes personagens: Miss Daisy (Jessica Tandy) e Hoke (Morgan Freeman); falo sobre isso depois. Mas também foco sobre outro aspecto desse filme e que tem a ver com a citação inicial.

A história do filme é contemporânea a Martin Luther King. Logo há o enfoque do preconceito no geral. Porque além da tal diferença entre os dois personagens, um negro e uma branca, há também sobre religiões e até os que a própria sociedade acabam mascarando. São pequenas atitudes, falas, que incorporadas na rotina diária dá a entender a pessoa de que não é preconceituosa. Por vezes é preciso que outra pessoa o leve a notar e o que o faça repensar.

Há um outro enfoque também, o de que por razões comerciais, o de que para não apenas não perder clientela, mas também para obter futuros clientes, a pessoa prefira se omitir. Indo de um extremo ao outro, o filme mesmo contando a história numa data específica, ele infelizmente tornou-se atemporal. Digo que infelizmente porque até o preconceito disfarçado ainda existe. E não me refiro a trocas de certos termos por outros politicamente corretos. Nada encobrirá o fato de se achar superior a outra pessoa.

No filme há passagens que dependendo de quem fala como de quem ouve, poderia passar incólume. De um jeito bem-humorado e sem fincar raízes. Mas por outro lado, há quem as professem sempre, e mais, as liberam numa situação extremadas, cheias de ódio. Sendo esse o lado ruim em perpetuar certos preconceitos. Exemplificando com uma fala do Hoke com o filho de Miss Daisy (Dan Aykroyd) na entrevista para o cargo de motorista para sua mãe: "Gosto de trabalhar pra judeus. Eu sei que tem quem diz que vocês exploram e enganam a gente... mas que ninguém venha dizer isso perto de mim."

Quem tem conhecimento do Holocausto, sabe a extensão disso. Mesmo nos dias de hoje onde há uma gama maior de informações do que na época do filme, pensamentos assim ainda são proferidos e pejorativamente.

Ainda no enfoque do preconceito, e sobre os dois outros lances que citei, o exemplo foi durante uma mesma cena. Mãe e filho comentando sobre a ida a um jantar para Martin Luther King. Ele declinando o convite por temer retaliações a sua Tecelagem. Como também percebendo uma ligeira mudança na mãe por querer ir. Nesse seu repentino interesse por Luther King. Em ouvir o que ele diz, pessoalmente. Logo na presença de outras pessoas conhecidas. Ela se sente chocada, rebatendo não ser preconceituosa. Mas a postura até então, dava mostras que trazia algo sim. E o que a fez realmente repensar, como também a ter uma nova postura, fora a convivência com o seu motorista.

Agora, entrando no valor de uma amizade. Porque não no mais belo que esse filme traz.

Num fórum sobre filmes que trazem longas amizades; que eu mesma abri após rever o "Nunca Te Vi, Sempre Te Amei" (84 Charing Cross Road), uma colega, Janete, citou esse. Que me fez ficar com vontade de rever. E o fiz. "Conduzindo Miss Daisy" é um belo filme. Voltando a ele...

Ainda na entrevista, o filho de Miss Daisy o avisa que a sua mãe tem pavio-curto. O prevenindo que irá conviver com uma pessoa difícil. Mas para Hoke, isso não seria problema. Pelo seu temperamento extrovertido, pelo seu jeito irreverente de ser, isso não seria nenhum obstáculo. Tanto que com o passar dos dias ele enfim quebrou o gelo, a empáfia dela.

Ele me levou a pensar em mim... Ela, me fez pensar numa amiga de infância que certa vez falou: "Quer me dá o direito de brigar contigo?" Ela tinha um gênio difícil, mas que a mim não intimidava. Nesse lance, eu respondi algo assim: "Dou! Mas pode ser na 2ª feira? Hoje ainda é 6ª feira. Só vamos descer a Serra na 2ª. Aqui não tem tv, nem rádio. Com você emburrada, nós vamos fazer o que? Vamos perder o final de semana." Ela começou a rir, eu também. E a discussão tinha sido por bobagem; eu atendera um pedido da mãe dela e fora até por ganhar mais tempo para aproveitarmos aqueles dias.

Ele ao conquistar a amizade dessa senhora, me fez pensar em algo que costumo dizer: de que não procuro por amigos na saída de uma linha de montagem. As diferenças de opiniões, de pensamentos também são interessantes. Agora, o que incomoda é quando temos que pisar-em-ovos nesse convívio, quando há intimidação, quando ficamos tolhidos em sermos nós mesmos. Mais até, quando estampam num outdoor algo do tipo - já deveria me conhecer. Aí, é hora de parar e repensar nessa via de mão única...

Esse jeito de pensar, de agir, demonstra sapiência. Ele, em nenhum momento a fez mudar sua postura. O fato de aceitar a soberba dela, não era apenas pela relação empregado e patroa. Era porque aquilo era problema dela; e não dele. Ao contestar, quase numa desobediência, o fez por conta de algo fisiológico: queria urinar. Lances assim é que são relevantes. Catequisar não mantém uma amizade verdadeira. Nem muito menos a intolerância. Miss Daisy mudou, e para melhor. Dando valor aquela amizade, ao grande e eterno amigo. E eu não segurei as lágrimas, no final e um pouco antes.

Enfim, um filme que vale muita a pena rever, sempre. Ah! Eu procurei no Youtube a música tema, de Hans Zimmer. Nesse Trailler terão um refresco de memória. Dou nota máxima em tudo.

Por: Valéria Miguez.

Conduzindo Miss Daisy (Driving Miss Daisy). 1989. EUA. Direção: Bruce Beresford. Elenco: Morgan Freeman, Jessica Tandy, Dan Aykroyd. Gênero: Comédia, Drama. Duração: 99 minutos.

Daca Razboiul din Vietnam nu ar fi existat, acum am fi fost lipsiti de filme precum "Apocalypse Now", "Platoon", "Full Metal Jacket" sau chiar "Forrest Gump". "Good Morning , Vietnam" este un film care nu poate fi ratat. Aici vom vedea o alta fata a razboiului, una comica, fapt care i se datoreaza in mare parte interpretarii dezinvolte a lui Robin Williams in primul sau rol de Oscar. Acesta il joaca pe Adrian Cronauer, un DJ chemat in Vietnam pentru a le ridica moralul soldatilor prin emisiunile sale extrem de comice. Pe tot parcursul filmului avem impresia ca Williams se afla pe o scena, la unul dintre spectacolele sale de comedie. Regizorul Barry Levinson, cunoscut pentru "Rain Man" si "Avalon", nu cade in capcana de a-l lasa pe Robin Williams sa faca glume si sa acapareze filmul. Umorul are rolul de a ne introduce mai usor in atmosfera sumbra a razboiului, pana vom ajunge la celebra scena in care pe fundalul sonor creat de melodia lui Louis Armstrong, "What a wonderful world", vedem imagini cu paduri incediate cu napalm si vietnamezi nevinovati ucisi de americani. Acest film chiar merita vazut pentru umorul desavarsit (sunt cateva glume de-a dreptul de neuitat), vocile pe care le imita Robin Williams si pentru glumele proaste ale sergentului Hauk, care sunt atat de proaste incat sunt amuzante.

Driving Miss Daisy (1989)

De data aceasta avem o comedie de o cu totul alta factura decat "Good Morning, Vietnam", o comedie subtila, cu puternice accente dramatice, care reuseste sa emotioneze prin puritatea povestii si prin cele doua jocuri actoricesti pe care le ofera Morgan Freeman si Jessica Tandy, care prin acest rol a devenit cea mai batrana castigatoare de Oscar (avea 81 de ani). Filmul incepe cu intriga, fara introducerea personajelor, fara sa ne facem o idee asupra insusirilor doamnei Daisy. Intr-o dimineata ia masina din garaj, o porneste in tromba in gardul vecinilor. Fiul ei (jucat de Dan Aycroyd) decide ca a ajuns la varsta la care nu poate conduce o masina, asa ca ii angajeaza un sofer de culoare (suntem in anii '50), pe batranul Hoke (Freeman). Ma opresc aici cu sinopsisul, pentru ca trebuie sa vedeti si voi filmul. Pot spune cu usurinta ca aceasta este una dintre cele mai frumoase povesti de prietenie pe care le-a dat cea de-a saptea arta. Gesturi, taceri, priviri reprezinta dialoguri vaste in aceasta pelicula care si-a meritat cu prisosinta Oscarul pentru cel mai bun film.

Daisy all'inizio degli anni '50, è una signora ultraottantenne della borghesia ebrea di Atlanta, Georgia. Pur essendo di vecchia educazione ha invece uno spirito molto indipendente, è liberale e precorre i tempi dell'integrazione razziale negli Stati Uniti. Tra le altre cose le piace ancora guidare ma, purtroppo, i riflessi non sono più quelli di un tempo e, suo malgrado, deve sottostare al desiderio del premuroso figlio Booley di assegnarle un autista, il quale è interpretato da un finto-invecchiato Morgan Freeman. 
All'inizio sarà dura entrare nel cuore della simpatica ed arzilla donnina ma poi il buonsenso e l'amicizia prevarrano mentre gli anni passano ed il film ci mostra lo scorrere del tempo segnato dall'epoca in cui iniziava la lotta di Marthin Luther King tutto attraverso - soprattutto ma non solo - il continuo rinnovarsi del parco macchine guidate da Hoke.

Il film è davvero dolce è sempre supportato da uno spirito malandrino impersonato con arguzia ed humour da Jessica Tandy e dal sempre bravissimo Morgan Freeman. In parte anche Dan "Blues Brothers" Aykroyd nei panni del gentile Booley. Fa specie vederlo 8-9 anni dopo Elwood Blues così ingrassato (di solito veniva indicato come quello alto e magro del mitico duo, l'altro ovviamente è il "cicciottello pazzo" compianto John "Jake" Belushi).

Il ritmo di questa pellicola è lieve e l'atmosfera degli anni '50 e '60 e resa davvero molto bene.
Un film da rivedere per divertirsi e riflettere.

Voto: 7.5
Ciao, J

119 Minutes

 ” I thought you knew! I want to go through life jumping into fountains naked, good night!” -Melanie Daniels

Synopsis

Melanie Daniels is a spoiled and bored socialite, used to getting her way.  In a pet shop, she by chance meets the handsome Mitch Brenner who facetiously pretends to believe she is an employee and engages in a flirting match.  Mitch doesn’t buy the lovebirds he was seeking to purchase for his younger sisters birthday and heads home.  Melanie, who is used to playing games buys the birds and takes them to Bodega Bay, a small coastal town.  Once Melanie arrives she is attacked by a passing seagull.  Soon it becomes obvious it wasn’t a random incident and something has gone very wrong with the birds in Bodega Bay.

My Review

The Birds may not be Alfred Hitchcock’s greatest film, but it still easily makes it in the top five.  One common parallel I’ve noticed throughout the years is Hitchcock’s attraction to magnificent blond bombshells and then putting them through hell.  Grace Kelly, Tippi Hendrin, Janet Leigh, Doris Day, Julie Andrews, Kim Novak, and Ingrid Bergman.  For time unchecked, Alfred Hitchcock put us through the ringer watching some of the most beautiful and vivacious women in Hollywood stumble their way through films that exude feelings of terror, shock, but mostly fear.  The greatest gift Hitchcock left us with was zeroing in on the fears of mankind and exploiting them through bone chilling entertainment.

What’s most compelling about The Birds is there is never any real rhyme or reason for the strange and irrational events that begin to take place.  Did really have something to do with Melanie and her lovebirds or was it just some strange phenomenon?  It’s never elaborated on except for some crazy reaction from a scared woman in a diner.  The topic is acknowledged but left an enigma. The fact that there is never any real allusion to the reason behind the mysterious bird attacks or explanation in the end makes the story itself that much more eerie.  Often, our worst fears are irrational, so why not make a movie about fears that make no sense and have essentially no chance of ever happening, except in the darkest parts our minds?

Along with the overpowering feel of helplessness and an eerie sense of fear the actual birds themselves evoke a feeling fear.  The scene where they are sitting on the monkey bars and Melanie and Annie are trying to usher them safely away, you can hear a pin drop, even though the birds aren’t doing anything other than sitting quite still on the bars.  My palms still get clammy and my stomach still turns to knots each time I watch that scene.  Pure Hitchcock genius.

Cast

• Tippi Hendrin as Melanie Daniels
• Rod Taylor as Mitch Brenner
• Jessica Tandy as Lydia Brenner
• Susanne Pleshette as Annie Hayworth
• Veronica Cartright as Cathy Brenner

The beautiful Tippi Hendrin and her stunning glances and overwhelming sense of charisma made this movie feel like it was alive.  She gave the rest of the cast something to feed off of and really enhanced everyone else’s performances as well.  When the first seagull swoops down and slashes her forehead, her facial expression is priceless.  The best acting scene in the movie is the moment she and Jessica Tandy share together when discussing Mitch.  The two very strong and smart women really connect and make it an incredibly memorable scene.  The handsome Rod Taylor easily passes as the object of both Melanie and Annie’s affection, and his infectious little sister played by Veronica Cartright is more than easy to fall in love with.

Ratings and Suggestions

It’s a bit frightening to know that a re-make of this film is in the works, even with the brilliance of Naomi Watts playing Melanie, it still seems daunting to take on a film made in such elegance and detail and make it again.  Some pieces of art are better left alone.  The Birds is rated PG-13 but in comparison to today’s PG-13 most kids would be way too desensitized to be afraid of this film.  I wouldn’t bring my four year old to it, but maybe when he turns about ten he’ll mature enough to appreciate the kind of scary this movie exudes.  The Birds is true brilliance and for anyone who loves a good Hitchcock flick.  Four out of Four stars.

Jon Avnet's first theatrical release as a director was 1991's Fried Green Tomatoes, a gentle drama based on the novel "Fried Green Tomatoes at the Whistle Stop Cafe". When Avnet's film was released in the United Kingdom, it was released under the full title of Fannie Flagg's novel. The film was written by Flagg and Carol Sobieski. It was nominated for Academy Awards for Best Supporting Actress for Jessica Tandy and for Best Writing - Screenplay Based on Another Medium for Fannie Flagg and Carol Sobieski. Fried Green Tomatoes did well at the box office, too, and continues to be a popular favourite among people on DVD and home viewing.

Fried Green Tomatoes follows the life of Evelyn Couch (Kathy Bates). Evelyn is turning a corner in her life and is attempting to improve things at every corner, taking classes to improve her marriage's sexual relationship and trying new things around the home. One day during a visit to the hospital, Evelyn meets an elderly woman named Ninny Threadgoode (Jessica Tandy). Ninny sits with Evelyn and begins to share stories from a now-abandoned town of Whistle Stop, Alabama. The story mostly revolves around the growing relationship between Idgie Threadgoode (Mary Stuart Masterson) and Ruth Jamison (Mary-Louise Parker), two women who ran the Whistle Stop Cafe. As the story unfolds through Ninny's retelling, Evelyn begins to find strength through the characters and makes various improvements in her own life, befriending Ninny along the way.

The film's flashback segments, through the story told by Ninny, represent the foundation of Fried Green Tomatoes as it is through these stories that Evelyn finds strength in her modern time of existence. Idgie and Ruth develop a relationship that, according to the novel, is a lesbian relationship. Avnet's film chooses to underplay this significantly and there are only the slightest of overtones as the the "reality" of their relationship. Whether or not this plays out better or worse on screen is in the eye of the beholder, I guess, but what I didn't know at the time of viewing certainly didn't subtract from what seemed to be an honest and open relationship based on friendship and companionship. To enter into some sort of loving relationship between two women as lesbians on screen would have seemed tacked on, in my opinion.

The real substance of the story, to me, was within Evelyn's narrative as she attempts to catch up with what it means to be a "modern woman" and begins to express herself in various ways. The novel took a decidedly more dark turn on the character of Evelyn, whereas the film choose to portray Bates as more of a feminist hero of sorts as she grew into herself and grew into her Mary Kay. Bates' Evelyn is a gentle spirit with a kind soul, not the suicidal dark individual from Flagg's novel. Both characters surely have their places in the annals of this tale, mind you, but I felt that Bates' portrayal was somewhat more affecting and inviting in terms of providing a film characterization.

A lot of times, these sorts of flashbacks-told-by-a-character-in-the-present tales fail as films. Overall, it becomes taxing to watch as the older character telling the story in the present is, surprise surprise, one of the characters from the past. Fried Green Tomatoes suffers this slump in terms of filmmaking, however, by contributing a vibrant character as the listener to the story in Bates' Evelyn. Having Evelyn as a listener to what is, essentially, a story about tolerance among the intolerant back at Whistle Stop, makes the story more vibrant and gives it a sort of practical application about seizing each day and ensuring that the intolerance from the past does not survive. Within this context, Evelyn's intolerance is that of her husband's and that of the battles of weight and ageism that she fights with the world around her. How she survives these battles is a treat to watch, thanks to Bates' performance.

Fried Green Tomatoes works because it deals with stories that most people growing up in different times know how to relate to. It remains as a meditation to times past, to battles won, and to intolerances overcome. With the light-to-obvious lesbian overtones remaining in the film and the reactions to many of the less-inclined townsfolk to the racial issues within the film, it becomes clear that the message here is moving forward through history and not moving back to times of less moral significance. Fried Green Tomatoes presents what is a fairly normative point in this, as several films have conquered these issues with more entertainment value and more poignancy. Yet, it is Kathy Bates' Evelyn taking comfort and gaining power through it all that lifts Fried Green Tomatoes up as a film and makes it an applicable and practical study for all of us today.

7/10

Trailer:

Alfred Hitchcock's The Birds is a horror film classic. Loosely based on the short story of the same name by Daphne du Maurier, The Birds was known for innovating the "revenge of nature" type scenarios in film and used special effects and a unique soundtrack to provide atmospheric terror for its audiences. The Birds differed from many films of its era in that it didn't have a conventional soundtrack, nor did it feature a clear-cut ending. Instead, the film is guided largely by sounds and dialogue and features an ending which provides more questions than answers.

The Birds follows the story of a 1963 version of Paris Hilton, as socialite Melanie Daniels (Tippi Hendren) meets Mitch Brenner (Rod Taylor). She begins to slowly and reluctantly fall for Brenner and winds up heading to his home in the quiet coastal town of Bodega Bay, where Brenner spends his weekends with his mother and incredibly younger sister. As Melanie arrives in Bodega Bay, strange incidents begin to snowball involving the birds of the sleepy town and, eventually, all sorts of feathered hell breaks loose.

The Birds works because it is an absurdist horror tale from Hitchcock. It isn't particularly frightening, with a few exceptions in which the silly looking birds actually did get to me, but more or less bases its notions of terror on the ideas presented and not merely the execution of the ideas. Certainly the sight of all of the birds represented some legitimate fright in 1963 for audiences, but I feel the film ages tremendously well given the overall sense of claustrophobia and inherent terror presented through the idea of the film itself. Even now as I hear a crow cawing outside, I feel a slight chill.

What makes The Birds more special in terms of filmmaking is some of the backstory to the film. Putting Hitchcock's film in the light of context certainly makes the achievement seem even more remarkable, especially given the sacrifices that some of the performers made for the film. Hendren, for example, was told that she would be working with mechanical birds for the brutal and chilling attic scene. As it turned out, live birds were thrown at her by prop people for the shoot of the scene, which lasted for over a week. By the conclusion of the shoot, Hendren was nearly gouged in the eye by a bird and became hysterical. When Cary Grant visited the set one day, he praised Hendren as being "one very brave lady." Watching the scene again given this knowledge adds new depth to her remarkable performance. Hendren's daughter, actress Melanie Griffith, was given a doll by Hitchcock that apparently looked exactly like Hendren. Eerie, huh?

The soundtrack is another element of The Birds that adds to the overall creep factor. Instead of using a typical film soundtrack to drive the action, Hitchcock had Oskar Sala, an early German pioneer of electronic music, create birds sounds on his trautonium (a monophonic electronic musical instrument) and use them to construct the soundtrack. No natural bird sounds were used in the film. Also, there is a very high-pitched soundtrack of electronic noise utilized throughout the film that adds to the general feeling of building tension. Much of the noise is actually inaudible for the most part, merely providing a background to the rising sense of disquiet coming from the film's events.

The Birds works because it relies on buildup to terror more than terror itself. When the birds attack, they attack characters we know and we relate to in some fashion. They attack unrelentingly, too, attacking children and all sorts of people from various walks of life. This legitimate terror is ingrained in the very soul of horror films, as the notion that the action can occur to any "regular person" is the glue that holds the better films of the genre together. With The Birds, Hitchcock has crafted that sort of terror. To temper it with a greater and broader sense of filmmaking, Hitchcock also utilizes various broad strokes of humour and irony to guide the story. This completes the tale with a marvelous edge and closes a wonderful experience. The Birds is coming!

9/10

Trailer: (this trailer is just priceless, watch it!)