As raízes da Arte Moderna estão no Impressionismo.  

Em 1874, um grupo de jovens insatisfeitos com a pintura acadêmica, se reunia para procurar descobrir novos caminhos para a arte.

Como a fotografia estava muito na moda, eles fizeram a primeira exposição no atelier de um fotógrafo.  Todos foram ver a exposição e ficaram impressionados. Os críticos diziam que não era uma pintura e, sim, a impressão de um quadro. 

Esse novo estilo artístico, foi combatida pelo público francês, durante 30 anos. Os franceses não souberam dar valor a essa arte na época, hoje chamada de Impressionismo, apesar de seus defensores serem considerados as pessoas mais cultas da Europa.

O Impressionismo é definido como tentativa inédita de captar a realidade da luz.  

Para os impressionistas, a natureza não é um material de reflexão, é fonte imediata de sensações. O Impressionismo é inovador, não só da pintura ao ar livre, mas também no seu método de trabalho. 

Os impressionistas vão pintar a impressão primeira, o efêmero, o fugaz, aquilo que não volta mais. 

Como a industrialização se impunha na época, tudo que era feito à mão era desvalorizado. Com a produção rápida, surge o inacabado do rápido, a competição e o descartável. É o começo da idade moderna do Homem.       

As obras impressionistas são consideradas em aberto, pelo fato de se ficar na dúvida sobre o que foi pintado. O impressionista jamais fará uma reprodução servil da natureza - vai sempre sugerir.

A luminosidade tem um papel decisivo dentro desse estilo.

Os impressionistas diziam que sua pintura era o triunfo do espírito de análise da forma.

No conteúdo, eles só pintavam a beleza. Na forma, eles eram quase que cientistas.

No aprimoramento técnico, em todos os setores do desenvolvimento industrial, reinava o desejo do novo, de substituir tudo por coisas novas e industrializadas.
          Imperava a máquina fotográfica, logo seguida da versão portátil.
          Passou-se a fotografar tudo ao ar livre.
         Diante disso, o artista teve que repensar seu momento para mudar sua arte.

Claude Oscar Monet, começou como ilustrador e caricaturista, atividades em que alcançou certa fama, quando ainda era praticamente adolescente.

Aos poucos, foi abandonando as tonalidades escuras e tenebrosas de suas primeiras obras e adotou uma paleta de cores frias e, ao mesmo tempo, transparentes.  Deu início também aos seus quadros de contornos quase inexistentes, em que a forma é dada pela reprodução do efeito solar sobre os objetos e suas cores – a expressão pictórica do Impressionismo.

http://www.historiadaarte.com.br/impressionismo.html

Que conta a história deste importante movimento acompanhada por belas ilustrações.

Apreciemos também esta música que marca o início da Primavera e tem muito a ver com as imagens usadas pelo impressionismo:

http://br.youtube.com/watch?v=Y4qW8iBHFM0

E para terminar vamos achar uma pintura impressionista nos inspirarmos apra criarmos nossa própria arte no computador. Indicamos usar o programa TuxPaint.

Você pode também editar uma foto, simulando o efeito "impressionista". Uma dica é usar esta ferramenta online:

http://fotoflexer.com/

La Mostra sulle tecniche impressioniste di Monet, Renoir e Van Gogh si terrà fino al 28 settembre 2008 a Palazzo Strozzi a Firenze.

Le 60 opere provenienti da innominabili quanto prestigiose collezioni tedesche e musei internazionali offrono una vasta panoramica sulle tecniche pittoriche usate dagli Impressionisti e dai Post-Impressionisti.

La mostra è iniziata a Luglio e ne avranno parlato già tutti. Sinceramente, me ne ero completamente dimenticata! A luglio si può dire che non ho aperto il blog... e in piena estate andare a giro per Firenze, in quella cappa di caldo continentale ed oppressivo, non è che mi facesse molta voglia! Ora che ha rinfrescato ci sto facendo un bel pensierino, ma mancano solo 2 week-end al termine :x

La mostra sugli Impressionisti è aperta tutti i giorni dalle 9 alle 20, il giovedì fino alle 23.

Per informazioni telefonate allo 055 2645155, oppure cliccate www.palazzostrozzi.info o www.impressionismofirenze.it.

Per prenotare i bliglietti: Sigma CSC, telefono 055 2469600, Fax 055 244145, prenotazioni@cscsigma.it.

tags: Impressionismo, dipingere la luce

La Pie - Claude Monet (1840-1926)

Dia e noite

Bate, bate                                                  Bate, bate

Pancadas de afeição

Bate, bate              Bate, bate

Bate também na aflição

Bate, bate, Bate, bate, Bate, bate, Bate, bate

Bate sem notícias

Piu.

S i m j a n    N e r d u r f f

O limite da tela corta a canoa e a figura feminina que segura o remo.  O ponto de vista do observador, mesmo que ele esteja centralizado em relação à pintura, não poderá ser central à canoa e às figuras femininas. A pintura, nesse sentido, se assemelha à uma fotografia que registra um segundo da existência, congelando uma ação.

Algo semelhante ocorre na obra de Degas. O título do quadro é "Quatro bailarinas em cena". Se entendermos os limites do quadro como a cena, apenas três bailarinas estão "em cena". A quarta, vestindo azul, escapa de nossa visão.  A bailarina ao fundo, à direita, tem o braço para o alto, mas ele não está nítido, se misturando com o fundo. A falta de definição do quadro e a "fuga" das figuras pode também ser relacionada à técnica fotográfica, que, ao congelar o movimento,  registra uma imagem "borrada", que acentua sua percepção.

Que conclusão podemos tirar? Com a fotografia - uma inovação tecnológica com implicações sociais - o artista perdia o privilégio de retratista do mundo. Pode-se entender que ele perdia sua posição social, que o colocava num ponto de vista privilegiado, central, organizador do mundo. Os dois quadros nos levam a crer que o fato não impedia os jovens artistas do fim do século XIX e início do século XX de continuar trabalhando. Sua visão não era canônica, ideal, porém isso não era problema. Encontram-se novos motivos para pintar. Os limites da visão do pintor e do observador (implícito) revelam a consciência da existência de um mundo maior do que aquele dentro dos limites do quadro.

Para ler mais sobre isso: Schapiro, Meyer. Mondrian, a dimensão humana da pintura abstrata. São Paulo: Cosac & Naify, 2001.

Links:

Coleção do MASP (Museu de Arte de São Paulo)

CRIS BARROS IMPRIME SEU VERÃO 2009

Se por impressão entende-se a marca que deixamos em alguma coisa, por impressionismo entendemos o movimento de se imprimir este sinal, esta marca.

Para um estilista, literalmente, sua marca é sua impressão. Mais do que a roupa, também as lojas, os clientes, o estilo de vida e a atitude do criador respondem pela totalidade de sua grife. Talvez daí se explique o sucesso da marca Cris Barros e a adequação do tema escolhido para inspirar seu verão 2009 – o Impressionismo.

Remetendo à leveza e à fluidez das tardes ao ar livre (cena típica do Movimento Impressionista nas artes), Cris abusa dos babados, da modelagem solta que redesenha o corpo em movimento e das transparências. Em busca de uma mulher delgada, a estilista afirma seu desejo – o de sua mulher andar e a roupa ir atrás.

No verão 2009 de Cris Barros é a mulher a protagonista da história, sendo a roupa sua fiel seguidora. Cores pastéis, manchadas e bucólicas estampam os florais e tingem cambraias de seda, musselines, rendas e tricolines. O sarouel, escolha e não aposta, aparece em tecidos finos e reafirma a busca por movimento e naturalidade da coleção. Os acessórios em forma de bichos como aranha, joaninha e sapo parecem ter escalado o corpo desta mulher que, como uma típica personagem de um quadro impressionista, estende-se delicadamente sobre um jardim. A trilha rock n' roll e as linhas de São Paulo vistas do inacabado espaço de eventos no 3º andar do Shopping Cidade Jardim são escolhas da estilista para trazer a realidade da cidade ao seu romântico verão.

Assim como a própria Cris, a impressão de sua marca é um verão de elegância transparente e natural, sem esforço ou revoluções, contrapontos ou aspirações. Descomplicado e lânguido.

(Assista ao desfile no player acima e veja também nossa transmissão do backstage, clicando aqui).

...

ADORO COBRIR DESFILES!

:-)

Sono quella che sono
sono fatta così
se ho voglia di ridere
rido come una matta
amo colui che m'ama
non è colpa mia
se non è sempre quello
per cui faccio follie
sono quella che sono
sono fatta così
che volete ancora da me

Sono fatta per piacere
non c'è niente da fare
troppo alti i miei tacchi
troppo arcuate le reni
troppo sodi i miei seni
troppo truccati gli occhi
e poi
che ve ne importa a voi
sono fatta così
chi mi vuole son qui

Che cosa ve ne importa
del mio proprio passato
certo qualcuno ho amato
e qualcuno ha amato me
come i giovani che s'amano
sanno semplicemente amare
amare amare...
Che vale interrogarmi
sono qui per piacervi
e niente può cambiarmi.

Palazzo Strozzi Firenze

Impressionismo: dipingere la luce.
Le tecniche nascoste di Monet, Renoir e Van Gogh
Mostra > 28 September 2008






Una grande mostra, dedicata ai capolavori dei maestri impressionisti, che svela i segreti e le tecniche “nascoste” di alcuni tra i più celebri dipinti del mondo.

Impressionismo: dipingere la luce. Le tecniche nascoste di Monet, Renoir e Van Gogh, si terrà a Palazzo Strozzi dall’11 luglio al 28 settembre 2008 e vedrà esposte oltre sessanta opere, tra cui capolavori di Manet, Monet, Renoir, Van Gogh, Gauguin, Caillebotte, provenienti dal Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud di Colonia.

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Jean Renoir che cuce - 1900
Olio su tela ; 55,4 x 46,5 cm
Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia

La mostra non si limita a presentare al pubblico straordinari dipinti raramente esposti fuori dal territorio tedesco, ma invita il visitatore ad ammirare le opere impressioniste non solo come capolavori, ma quali straordinari esempi di una tecnica pittorica rivoluzionaria. Alcune innovazioni, tra cui l’introduzione dei tubetti di colore, permisero per la prima volta agli artisti di trasferirsi all’aria aperta e di dipingere con una libertà senza precedenti. Non solo, anche le nuove teorie scientifiche sul colore stimolarono i pittori ad analizzare attentamente gli effetti di luce e ombra e a riportarli sulla tela.

La mostra offre la possibilità di osservare le tele impressioniste analizzandone le tracce lasciate da pennelli, matite e spatole, per meglio comprendere come lavorassero gli artisti e come abbiano creato le loro opere. I capolavori di questi pittori sono spesso enigmatici e le opinioni espresse da critici e studiosi non sempre corrispondono a quanto riscontrabile nelle opere stesse. Gli esperti si avvalgono di lenti di ingrandimento, raggi x, riflettografie infrarosse e di altre tecniche sempre più sofisticate, per trovare una risposta a queste domande, ma spesso i risultati delle ricerche non sono definitivi. Impressionismo: dipingere la luce espone alcuni dipinti sui quali non si è ancora fatta chiarezza e invita il pubblico a esprimere la propria opinione e a raccogliere gli indizi presenti nella mostra; costituisce, quindi, la prima esposizione che propone al visitatore di calarsi nei panni dei curatori e degli esperti, partecipando al loro lavoro di ricerca. Il percorso culmina nella scoperta che un dipinto appartenente alla collezione del Wallraf-Richartz-Museum, a lungo ritenuto un Monet, è in realtà un falso coevo!

Paul Cézanne (1839-1906)

Paesaggio a Aix-en-Provence - 1879 ca
Olio su tela ; 46,2 x 55,3 cm
Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia

Claude Monet (1840-1926)

La Senna ad Asnièrs - 1873
Olio su tela ; 54,2x72,5 cm
Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia

Maximilien Luce (1858-1941)

Saint-Tropez 1892
Olio su cartone ; 26 x 39,8 cm
Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia

I dipinti impressionisti non sono solo capolavori, ma anche dei puzzle. La mostra invita il pubblico a riflettere su tre domande fondamentali relative a ogni singola opera:

- è stata realizzata in maniera veramente spontanea? L’obiettivo di molti impressionisti era cogliere l’impressione di un preciso istante e tradurla sulla tela in modo del tutto spontaneo, ma non sappiamo quanto questi pittori fossero davvero istintivi. Questa sezione della mostra presenta i risultati degli studi in materia: disegni oggi invisibili perché coperti da strati di colore, schizzi realizzati a scopo di studio e altre meticolose preparazioni, dimostrano come, dietro a un’apparente spontaneità, artisti come Gauguin, Van Gogh o Caillebotte lavorassero in modo metodico.

La riflettografia infrarossa eseguita sul Ponte di Clichy di Van Gogh, rivela ad esempio un dettagliato disegno preparatorio e linee di costruzione prospettica.

- è stata dipinta veramente all’aria aperta? Questa domanda riferita al luogo di creazione dei dipinti, ha trovato una risposta, per esempio, nel rinvenimento di granelli di sabbia mescolati ai colori del Mare a Saint-Palais di Armand Guillaumin e nella scoperta di polline di pioppo in Biancheria stesa ad asciugare sulla riva della Senna di Gustave Caillebotte. Questi dati dimostrano che i due quadri furono effettivamente dipinti en plein air.

Vincent van Gogh (1853-1890)

Ponte di Clichy - 1887
Olio su tela ; 55 x 46,3 cm
Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia

Paul Signac (1863-1935)

Il porto di Concarneau - 1933
Olio su tela ; 53 x 73,5 cm
Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Colonia

- è veramente compiuta? Tra le critiche iniziali che investirono le opere impressioniste vi era quella della loro apparente incompletezza. Lo stile rapido, la frequente assenza della firma e della vernice finale, contrastavano con le consuetudini del tempo e rappresentavano un problema per critici, collezionisti, mercanti e addirittura per gli artisti stessi. La cornice divenne l’elemento che denotava la completezza del quadro, poiché molti pittori reputavano che la sua forma e il suo colore dovessero armonizzarsi con il dipinto, esaltandolo. Camille Pissarro, per esempio, era un sostenitore della semplice cornice bianca, come quella ricostruita per Frutteto a Pontoise, tramonto. Oggi, purtroppo, sono molto rari i quadri impressionisti che conservano ancora la cornice originale.

L’ultima domanda che la mostra pone al visitatore è: “Come vediamo oggi i dipinti degli impressionisti?”. Tutte le opere cambiano nel tempo, sia per effetto di un naturale processo di invecchiamento, sia a causa di interventi, ritocchi e restauri. Gli studi condotti dimostrano come le alterazioni della tela, della preparazione o degli strati cromatici, influiscano sull’aspetto complessivo dell’opera. In Fattoria a Bazincourt di Pissarro, ad esempio, sono state individuate aggiunte apportate da mani estranee allo scopo di “migliorare” il dipinto. Allo stesso modo, le moderne tecnologie possono smascherare falsi realizzati quando gli artisti erano ancora in vita, segno della loro crescente fama, o confermare l’incerta attribuzione di un dipinto a un artista famoso. Ne è un esempio, nell’ambito della mostra, il dibattito sull’assegnazione del Ritratto di una giovane donna, proposto come opera di Edouard Manet

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Links

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Alcuni punti fermi

• Keith Haring e Basquiat. Non sopporto la loro arte. Nonostante siano i padri fondatori del movimento dei writers - gente molto più coerente - appena hanno potuto hanno abbandonato muri, treni e metropolitane in favore di tele, litografie e gadget. Appena dei glabri uomini di marketing hanno fiutato l'affare, sono passati dalla strada ai salotti buoni della società americana. Da antagonisti di questa ne sono diventati i rappresentati di significati, hanno trasformato l'arte in un prodotto di consumo. La pop art aveva solo teorizzato questo processo, i graffitari invece l'hanno attuato in tutti i punti. Manet al confronto è stato molto più trasgressivo.
• Marco Travaglio. La trave e la pagliuzza. Ne ho le palle piene di leggere commenti e considerazioni circa/attorno/sul personaggio da oggetto da completi sconosciuti, che autoqualificatisi opinionisti improvvisati urlano dal proprio pulpito 'poretti n'hanno capito manco 'er cazzo' come se loro avessero già tutte le risposte che - coincidenza - non condividono mai col proprio interlocutore. Sproloquiano su fatti e misfatti da precari qual sono, criticano le altrui competenze mentre redigono il proprio curriculum vitae in modo impeccabile con la speranza che qualche azienda se li fili perchè c'hanno ma un sacco d'esperienza, un sacco di attestati e dottorati, un sacco di collaborazioni e sperano che qualcuno se li caghi per i propri meriti, per la propria credibilità e professionalità. Beh 'annatevene a farvi fottere' urlo da sotto al loro pulpito autogestito. Curriculum per curriculum l'inesperto Travaglio ha appena due Lauree prese col vecchio ordinamento, due titoli all'acqua di rose: Storia e Lettere Moderne; in più s'è limitato a pubblicare solo una trentina di libri e come esperienze lavorative niente di eccezionale, ha lavorato solo con Montanelli, Biagi, Colombo, Santoro e scrive in due/tre quotidiani tra cui quello a maggior tiratura, la Repubblica. Ma questi sono dettagli. Tutta roba che non significa niente per questa gente con tutte le risposte. Gente che quando va dal un dottore cerca 'quello bravo', quello che c'ha 'esperienza', quello che ha lavorato 'con tizio e caio' e non si accontentano d'un macellaro qualsiasi. Ma solo perchè c'è di mezzo la loro salute, col giornalismo invece è differente, non si guarda più il curriculum, non si guardano più le competenze. C'è solo di mezzo l'informazione. E perchè c'hanno già le risposte. Loro.
• Il Fighetto. Una specie in continua evoluzione. La caratteristica principale di questo gruppo di persone è l'umiltà e la coerenza. Sanno di essere fighetti, pagano fior di quattrini per vestirsi trasandati (più di quanto pagherebbero normalmente) per non farlo sembrare ma purtroppo non basta. Il particolare figo viene sempre fuori: viaggiano in BMW con l'Iphone attaccato all'orecchio e quasi ogni sera sono di fronte ad un piatto di sake maki (tra gli altri). Però la BMW è vecchia e deve andare dal meccanico, si lamentano dell'Iphone che è un 'cellulare come gli altri' e il giapponese ogni sera? Sono soliti mangiare carne cruda, hanno avuto un passato da vegetariani e ora hanno problemi alla colicisti, devono andarci sotto prescrizione medica. Tanto paga papà perchè loro sono impegnati con l'università. Il bello di questo teatrino è quando additi la loro fighettitudine loro si scandalizzano e fanno un passo indietro 'mannò! che dici! ma quando mai!' Sto all'università pubblica sai'. -_-' Manco fosse un delitto avere un conto in banca prospero. Sarebbe meno spocchioso se facessero un'outing pubblico, giusto per palesare l'ovvietà mostrata dalla robba che posseggono, ma non ci riescono proprio, la vivono proprio male questa situazione nella loro reggia di cristalli. Forse se li chiamavi stronzi si offendevano di meno. Forse c'è un'altra verità che mi sfugge, sono dei tirchi ammuffiti che non hanno manco la forza di offrirti un caffè. Stronzi.

[caption id="attachment_330" align="alignnone" width="450" caption="impressione di monet"][/caption]

]]> http://olivrodosseresimaginarios.wordpress.com/?p=143 Sat, 26 Jul 2008 01:40:06 +0000 australopiteka http://olivrodosseresimaginarios.pt-br.wordpress.com/2008/07/26/143/ Vincent Van Gogh

O que não diminui em nada a grande figura que foi esse francês e o papel que cumpriu na história da arte: ele tomou a dianteira da batalha que se tornou o mundo das artes quando essas idéias ganharam o gosto de vários outros pintores contemporâneos e que, por isso, se tornaram os principais de seu tempo.

Não à toa. Os ideias impressionistas romperam com a tradição acadêmica que já se mantinha no mesmo caminho desde o Trecento Renascentista, abrindo as portas para os movimentos seguintes, do fauvismo a Pollock. Não mais pintava-se de acordo com cânones, regras de representação pré-estabelecidas que se baseavam nos mestres precedentes (claro-escuro, perspectiva matemática, esquematização do espaço): agora, os artistas pintavam o que viam; eram fiéis a seus olhos e a suas impressões pessoais.

Não mais misturavam-se as tintas antes de aplicá-las, mas sim aplicavam-nas puras direto na tela para deixar que os olhos fizessem a composição. As pinceladas deixaram de ser contínuas. Os temas passaram a ser contemporâneos, cotidianos, dedicados aos pequenos prazeres.

A luz e a cor se tornaram o personagem principal: não importa se numa moça, num jardim ou num pôr-do-sol. Monet se valeu dos efeitos da luz natural sobre as paisagens para reproduzir o mesmo tema em variados momentos do dia, na tentativa de registrar o breve e único momento em que aquele espaço se apresentaria com aquelas cores, aquele luminosidade. Assim, mostrou que mesmo o que parece estar parado pode estar mudança contínua, tal qual a própria vida. A sombra não precisa ser necessariamente negra, o tempo é só um instante que passa.

O tema do quadro não precisa estar necessariamente no centro - influência das gravuras japonesas que os artistas dessa época descobriram. Aliás, às vezes o tema não está em uma porção específica do quadro: a pintura toda tem o mesmo valor.

Monet foi um grande experimentador até o fim dos seus dias. Foi inspiração pessoal de Renoir, Degas, Camille Pissarro, Émile Zola, e inpiração artística de centenas. Não apenas sua obra Impressão: nascer do sol deu identidade ao estilo, mas principalmente uma vida intensa, política e artisticamente.

L’aspetto del rapporto tra tecnologia e arte, pur essendo presente in ogni epoca storica, è condizionato dalla relativa lentezza delle innovazioni tecniche che si sono avute nel periodo antico e agli inizi dell’epoca moderna.

Questa problematica inizia ad assumere un evidente rilievo con la rivoluzione industriale. L’800, secolo di transizione, è un periodo in cui l’innovazione tecnologica inizia a entrare in molti aspetti della vita quotidiana dell’emergente classe borghese, e quindi a influenzare anche il modo di fare arte.

Un’invenzione importante, in questo senso, è quella della fotografia: se per secoli l’unico modo di tramandare alla posterità la propria immagine era far realizzare un ritratto da un artista, da questo punto in poi uno strumento tecnologico invade prepotentemente la scena, permettendo di produrre immagini realistiche dapprima in un modo simile a quello pittorico, con lunghi periodi di posa, e successivamente con esposizioni sempre più brevi e risultati sempre più fedeli.

Camere per dagherrotipia

La risposta impressionista a questa vera rivoluzione del mondo dell’immagine, è quella di spostare oltre i termini del discorso, materializzando sulla tela le subitanee sensazioni e il mutevole effetto della luce sulle superfici delle cose.

Monet, alcune delle sue “Cattedrali di Rouen” (1892-94)

Monet, "Il giardino dell'artista a Giverny" (succ. 1883)

La pittura non è più, come è stato per secoli, rappresentazione fedele e mimetica del reale, attuata secondo rigide regole prospettiche e cromatiche, l'artista diventa un tramite che filtra l'immagine che gli appare secondo la sua sensibilità interiore, quindi il risultato non può essere più oggettivo.
L’immanentismo di Monet segna un punto di non-ritorno, nella storia dell’arte moderna: l’oggetto artistico inizia a diventare concettuale, non rappresentando più le cose come sono, ma evocando l’immaginario dell’artefice.

* La trattazione di questo argomento continua qui *