Uma legião de fãs do ator Selton Mello, 35, lotou o Teatro Municipal de Paulínia (1.350 lugares), na noite da última sexta, para conferir "Feliz Natal", sua estréia como diretor de longas.

"As pessoas não me conhecem, na verdade. Conhecem meus personagens", diz Mello. Por isso ele pediu à platéia: "Tentem esquecer o que apresentei nesses anos todos como ator. Estou nascendo hoje".

O nascimento do cineasta Selton Mello foi coroado, no sábado, com o troféu de melhor diretor. "Feliz Natal" disputou o 1º Festival Paulínia de Cinema com outros seis longas de ficção.

Na sexta, 30 pessoas da equipe que realizou "Feliz Natal" (com R$ 2,4 milhões de orçamento) subiram ao palco com Mello, para apresentar o filme. Entre elas, o diretor destacou a atriz Darlene Glória (de "Toda Nudez Será Castigada").

"Minha Gena Rowlands, minha Bette Davis, minha musa, voltando ao lugar de onde nunca devia ter saído --o centro de uma tela de cinema. Darlene Glória é a alma do meu filme."

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No ano seguinte, em 2005, a jovem participa do divertido Tudo Em Família, e do tenso Vôo Noturno. Então, depois de tê-los assistido, o meu pensamento já havia se modificado (principalmente depois de ter assistido Vôo Noturno). E a Rachel já havia subido - positivamente - no meu conceito, pois estava cada vez mais linda, e talentosa.

Esta semana, perguntaram-em se eu já havia assistido ao filme Diário de uma Paixão (The Notebook), e eu respondi que não, não havia assistido. Na verdade, nem sabia que a Rachel tinha feito esse filme. E devido as muitas recomendações, decidi assisti-lo. E agora, mais do que nunca, a Rachel sobe no meu conceito.  Eu já gostava dela, e agora gosto ainda mais!

Em Diário de uma Paixão, ela está incrível (não consigo nem acreditar que ela fez este filme depois de Garota Veneno e Meninas Malvadas, que devo reconhecer, não são comédias ruins, mas são o tipo de filme que não leva atriz alguma pra frente ¬¬), e prova que ela é muito mais do que apenas um rostinho bonito (prova disso são justamente os seus filmes seguintes).

Vejam a cena a seguir (que ela divide com o ator Ryan Gosling), e tirem as suas próprias conclusões! E se decidirem por assistir ao filme, garanto que não se arrependerão.

Numa clínica geriátrica, Duke, um dos internos que relativamente está bem, lê para uma interna (com um quadro mais grave) a história de Allie Hamilton (Rachel McAdams) e Noah Calhoun (Ryan Gosling), dois jovens enamorados que em 1940 se conheceram num parque de diversões. Eles foram separados pelos pais dela, que nunca aprovaram o namoro, pois Noah era um trabalhador braçal e oriundo de uma família sem recursos financeiros. Para evitar qualquer aproximação, os pais de Alie a mandam para longe. Por um ano Noah escreveu para Allie todos os dias mas não obteve resposta, pois a mãe (Joan Allen) dela interceptava as cartas de Noah para a filha. Crendo que Allie não estava mais interessada nele, Noah escreveu uma carta de despedida e tentou se conformar. Alie esperava notícias de Noah, mas após 7 anos desistiu de esperar ao conhecer um charmoso oficial, Lon Hammond Jr. (James Marsden), que serviu na 2ª Grande Guerra (assim como Noah) e pertencia a uma família muito rica. Ele pede a mão de Allie, que aceita, mas o destino a faria se reencontrar com Noah. Como seu amor por ele ainda existia e era recíproco, ela precisa escolher entre o noivo e seu primeiro amor.

[ A 1ª briga entre Allie e Noah ]

| Ficha Técnica |

Título Original: The Notebook
Gênero: Romance
Tempo de Duração: 121 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 2004
Site Oficial: www.thenotebookmovie.com
Estúdio: New Line Cinema / Gran Via / Avery Pix
Distribuição: New Line Cinema / Warner Bros.
Direção: Nick Cassavetes
Roteiro: Jeremy Leven, baseado em livro de Nicholas Sparks
Produção: Lynn Harris e Mark Johnson
Música: Aaron Zigman
Fotografia: Robert Fraisse
Desenho de Produção: Sarah Knowles
Direção de Arte: Scott Rittenour
Figurino: Karyn Wagner
Edição: Alan Heim
Efeitos Especiais: Custom Film Effects / Bob Shelley's Special Effects International Inc.

 | Elenco |

James Garner (Noah Calhoun)
Gena Rowlands (Allie Hamilton)
Rachel McAdams (Allie Hamilton - jovem)
Ryan Gosling (Noah Calhoun - jovem)
Joan Allen (Mãe de Allie)
Heather Wahlquist (Sara Tuffington)
Elizabeth Bond (Secretária)
Jamie Brown (Martha Shaw)
Nancy De Mayo (Mary Allen Calhoun)
Jennifer Echols (Enfermeira Irene)
Sylvia Jefferies (Rosemary)
Eve Kagan (Ellen)
Meredith Zealy (Maggie Calhoun)
James Marsden (Lon Hammond Jr.)
Sam Shepard

Por enquanto é só, mais semana que vem tem mais!

Instantâneos de ilustres moradores se entrelaçando com anônimos numa Paris que não dorme. Nos convidando a conhecê-los!?? Gente que vive, trabalha, passeia. Com amor ou por um amor. Numa Paris que por ora uma metróple, noutras, a poucos passos surge como uma bucólica vila.

Gente que vivem uma paixão. Que sonha com um amor. Um amor que pode de repente cair aos seus pés. Ou por um que partiu para sempre. Um que fica esperando pela hora do reencontro - aquele olhar perdido da baby-sitter enquanto acalentava o bebê da patroa, arrepiou! Como também o tremor das mãos da para-médica, segurando os cafés.

Nessa Paris que alucina até na visão de um casaco vermelho. Vermelho do sangue que corre nas veias. Ou mesmo como uma doce canção. Uma Paris multi-colorida. Quer seja durante o dia, quer seja à noite, ela pulsa em tons ora vibrantes, ora melancólicos, mas que reflete a luz do coração dessa gente. O episódio com os vampiros me fizeram lembrar dos livros da Anne Rice.

Onde os sentimentos, os medos, os anseios, as tristezas... ressurgem liberando a todos para um novo amanhecer. Para brindar o amor a vida. E como diz a canção "dançar com a música". Pois a vida continua. Amei o filme! Nota: 10.

Por: Valéria Miguez.

Diário de uma Paixão (The Notebook). 2004. EUA. Direção: Nick Cassavetes. Elenco: Ryan Gosling, Rachel McAdams, James Gardner, Gena Rowlands, James Marsden, San Shepard, David Thornton, Joan Allen. Gênero: Drama, Romance. Duração: 115 minutos.

Após assistir esse filme fiquei com vontade de deixar uma impressão, mas mais por uma escolha que a protagonista fez - escolher entre dois amores - do que por toda a história. O filme conta uma história de amor (O título em português já evidencia isso.)! Como tantas outras. Traz até um contexto previsível, mas que não desmerece a quem se propõe assisti-lo. O diferencial nessa escolha foi que em ambos, um lado dela se completaria. Daí, ficando na escolha o peso de qual deles seria para ficarem juntos para sempre.

Quem nos conta essa história é um senhor. Ao ler, pacientemente, para uma senhora internada numa Clínica, por conta de estar com Alzheimer. Ela fica encantada, ouvindo, perguntando... Ele, segue as páginas daquele Diário. São 50 anos de história contidas naquelas páginas. Quer compartilhar com aquela mulher, essas memórias...

Aqueles que não gostam desse gênero de filme nem deve assisti-lo. Para quem gosta, além das lindas paisagens - uma logo ao iniciar o filme é deslumbrante: um solitário remador e um nascente - aliado a uma belíssima trilha sonora (Clássicos; Jazz...), terá uma boa companhia nas duas horas de filme.

É um filme citado em fóruns tipo: Filmes que te fazem chorar. Confesso que sou chorona; choro em filmes da Disney (Bambi; Dumbo...). Já chorei em muitos filmes onde retratam uma história de amor. Porém nesse não.

A escolha! Para mim, ela fez a escolha certa. Há uma frase que ele diz a ela nessa hora, que traduz isso. Melhor, que a traz para o real em um relacionamento a dois . Mesmo a história começando em 1940, é nessa decisão que a torna atemporal. Nessa hora, lembrei daquele "Ok!" dito pelo personagem do Jim Carrey no finalzinho do filme "Brilho eterno de uma mente sem lembranças" (Eternal sunshine of the spotless mind). É o amor, a relação sendo construída no dia-a-dia.

Enfim, não é um filme marcante. O classificaria como um bom sessão-da-tarde. Nota: 08.

Por: Valéria Miguez.

Still, there’s a twist to it all and you can see it coming a mile away. But it doesn’t matter. This film is designed for maximum lacrimation. It’s best not to fight it.

The cast is stellar, with all kinds of little gems of performances from the supporting cast, from the easy rural elegance of Sam Shepard, the heartbroken charm of James Marsden, and the poignant regret of Joan Allen. It’s an idealized world, where everyone has good intentions, of a pre-Civil Rights South where black folks and white folks play banjo on the porch together, and a blue-collar single parent makes his son recite Walt Whitman to cure him of stuttering.

Rachel McAdams shines in the starring role. But James Garner and Gena Rowlands steal the show as the couple in their twilight years, as Rowlands’ character deals with Alzheimer’s and Garner’s character patiently tries to remind her of their love.

Usually a Hollywood love story ends with a couple at the beginning of a relationship. Rarely does it reflect on the well-worn love story from the perspective of a shared life-long love.

PARIS JE T'AIME is a compendium film of shorts directed by various international film industry luminaries, on a theme made explicit by the title. If I describe it as a mixed bag, I won't really be saying anything at all -- these things are ALWAYS mixed.

For some reason they're generally kind of nice though, even if the weak segments outnumber the good. You have the pleasure of knowing that however bad the current bit is, something if not better, at least DIFFERENT will be along soon.

I sort-of enjoyed the typically pointless Coen bros episode with Steve Buscemi committing the fatal error of establishing eye contact in the Tuileries, the Alfonso Cuaron long-take exercise with an extravagantly shambling Nick Nolte, the Gus Van Sant meet-cute (is acceptable to simply recycle romcom cliches only with gay characters? Anyhow it was very nicely directed), the Nobuhiro Suwa yarn with Willem Dafoe as a phantom cowboy in the Place de la Victoires, the usual sort-of aimless but inexplicably compelling Olivier Assayas, and the Richard LaGravanese, which like many of the films was content to rely ENTIRELY on star power rather than actual ideas, but knew how to use its stars (and Fanny Ardant speaking English is a SENSATION! Bob Hoskins speaking French is...weird, but sweet, somehow).

The above segments passed the time, but seemed woefully unambitious if you stopped to think about it. If the filmmakers had had to write, shoot and edit them inside a week, I would have said they'd done a decent job within the restrictions. But I can't really justify anybody spending any greater amount of time on such lightweight pieces.

I've enjoyed Vincenzo Natali's features CUBE and CYPHER, but his piece was kind of embarrassing. I mean, he achieved a look that was distinct from all the other films (nobody else quite did this) but unfortunately it was a heavily CGI paintbox look, and after the establishing shots he somehow forgot to actually feature Paris.

Isabel Coixet actually achieves something impressive and moving in her section, which suddenly stands out from the preceding episodes as result. It also brings real imagination to its storytelling, as opposed to the mannerisms of Tom Tykwer. That guy's getting to be like a bad Wim Wenders for the MTV generation.

Depardieu's co-directed bit irked the hell out of me. It was nice seeing Ben Gazzara and Gena Rowlands again, but REALLY: filming two people sat at a restaurant table is one of the simpler tasks a director can have, as far as mise en scene goes, unless they choose to make it complicated. Depardieu and his stooge manage to cross the line for no reason almost immediately, and thereafter randomly alternate shot sizes, creating a meaningless jumble of shots that distract from the generally fine performances. What's irritating is that somebody with no directorial sense whatever has been handed a chance to show off his lack of ability in front of a wide audience, when the job could have been given to a talented short filmmaker or an experienced pro.

Christopher Doyle put together some nice visuals for his episode but forgot to come up with a coherent idea.

I was fairly charmed by the Sylvain Chomet mime story, which I thought bode fairly well for his Tati project: Chomet can do live action, it seems. I was curious as to whether he'd seen my clown movie, though, since he lives just outside Edinburgh. Not that he's stolen ANYTHING, mind you, but the idea of clowns/mimes as a persecuted minority is a tad close. If I had anything to do with inspiring him I'd be very happy.

Oliver Schmitz, like Coixet, got some emotional involvement into his story, and it was pretty cleverly constructed. I thought it spelled everything out too carefully at the end, instead of trusting the audience, though.

I loved the Alexander Payne, which makes me feel part of the great mass of humanity since everybody else does too. It manages a real JOURNEY, where the flat, horribly-accented narration of the frowsy middle-aged American tourist, in flat schoolgirl French, suddenly stops being a distanciation device and becomes tremendously affecting.

Several episodes were not really interesting enough to even mention.

But I'm still FURIOUS about episode 2, Gurinder Chadha's Quais des Seine. Partly it's because Chadha's flying the flag for Britain here, so I would've liked to see something inspirational. Mainly it's because her piece manages to encapsulate about half of what I hate about modern British film. Admittedly, she isn't out to give the audience a hard time for no reason, or rub our noses in gritty realism as "a cheap holiday in other people's misery" (to use Johnny Lydon's phrase), but her piece is the very embodiment of the new Tradition of Quality, Social Realism Lite. Visually uninspired to migraine-inducing levels, banal, preachy, inane, actively uninterested in exploring nuance or complexity or ambiguity or shading, this "film" sets out to teach the ignorant masses that (a) boys shouldn't shout abuse at girls because it isn't endearing, and (b) Muslims are people too. That's it. Both messages are prettily illustrated and then spelled out in dialogue form in case we missed it. And while I agree with both statements, neither strikes me as worth dramatising, for reasons that should be perfectly obvious.

The overall effect is to suggest that British filmmakers are stuck somewhere in the era of Cecil Hepworth, presenting pat homilies and shunning the cinematic in favour of the photogenic. When you compare this piece to what's being done in practically every other country in the world, it is SHAMEFUL. Chadha had the chance to connect to the great works of British cinema, or Indian cinema, or French cinema. What she's achieved might just serve to pass the time between highlights on an episode of Eastenders.

Phooey!

BUT! Coming soon, I will have some good news about British cinema...

You are a good girl, Gloria, but not for me.

Gena Rowlands está incrível - pra variar - e o filme, imagino, é um dos mais "palatáveis" do Cassavetes (digo que imagino porque na verdade assisti poucos). Para quem não sabe, Gena foi casada com Cassavetes durante muito tempo, e os dois acabaram fazendo vários filmes - John como diretor e ela como atriz, às vezes ele também como ator. Cassavetes é considerado tipo "pai" do cinema independente americano.
E sabe o que ela disse dele?
 "As an artist I love him. As a husband I hate him.''

VISH.

Ela teve três filhinhos: Nick Cassavetes (você deve conhecê-lo por causa de um clipe do Justin Timberlake que ele dirigiu, What goes around comes around - e ele também foi diretor de Alpha Dog), Alexandra Cassavetes (que está em Alpha Dog e também dirige algumas coisas) e Zoe Cassavetes (dirigiu Broken English, filme com Parker Posey - será que esse longa vai estrear no Brasil algum dia? Tenho vontade de ver).
Do mesmo jeito que o pai, os filhos sempre encaixam a família em alguma coisa que estão fazendo - principalmente a mãe.

Uma das melhores obras do casal: Nick Cassavetes. Ôh, lá em casa.

& + 1 detalhe
Figurino de Gena Rowlands em Gloria? Emanuel Ungaro, baby. Eu gosto particularmente do vestido estampado que ela usa quando vai falar com Tanzini. Azul escuro com pequenas estampas e a gola amarela, ele é um vestido envelope bem fino. Mas na verdade gosto de todas as roupas que ela usa durante o longa - a saia com plissados nas laterais é linda, por exemplo.

Gloria usa uns conjuntos com saia e casaco, tipo tailleur, mas mais esportivos

„When I was seventeen I could do anything.
It was so easy... My emotions were so close to the surface.
I am finding harder and harder to stay in touch...“
(Gena Rowlands in Opening Night by John Casavetes)

„Your greatest creation
is the life you lead“
(Tarnation, a film by Jonathan Caouette)

Both Casavettes film and Caouette´s documentary deal with performance as a way to handle one´s own feelings and life experience. Jonathan Caouette says that film saved his life, since it was the way he found to reorganize his toughts and experiences and make some sense out of his childhood and teenage years. He started to document his own life at the age of 11. Film has helped him to deal with traumatic events, such as witnessing his mother being raped as a yound boy. His complete self-exposure through the medium film is for him something of a necessity, a survival strategy. He plays with facts from his biography, addressing his mother´s mental clinic history and his own sexuality at the same time.

This exposure finds a parallel in Myrtle´s process to understand and deal with her character in John Casavettes´ film. Myrtle Gordon (Gena Rowlands) is a talented middle aged stage actress, playing Virginia, a middle aged woman. As an actor surrounded by other actors, the difference between real emotion and performance becomes blurred for Myrtle. She starts to dillusion under the pressure of playing a role on stage that forces her to come in terms with her own age. She is also off balance due to the death of a fan that had come to see her on opening night and ends up run over by a car in front of the theater. Myrtle builds a phantasy around this second seventeen-year-old woman, who becomes her double throughout the entire film.

Myrtle´s struggle is about finding a creative way to play her character Virginia, dettaching herself from the age constraint. And so she subjects herself to a process of research which is also a process of self agression and destruction, which goes from alcohol consumption, to allucinations and self-injure. Myrtle will finally be able to coupe with the role at the end of the film. On the opening night in New York, though she arrives at the theater falling-down drunk, she proceeds to work her way through the opening-night performance. Gradually sobering up, she gains control of herself by the final scene of the play and finds a creative solution, by forcing her stage partner to improvise and discuss openly former emotional problems between the two, in face of an audience.

Both film and documentary deal with theatricality, with playing a role, with the fluidity of identity as a performative process. This concern with performing, strongly relates to an on-going blurring between reality and fiction, and how we crescently make use of the medium film in order to both objectify our lives and dettach ourselves from it, and build fictions around ourselves and the world around us. And this is why, Jonathan Caouette says: „Your greatest creation is the life you lead“. And because reality and truth are no longer nowhere to be found Myrtle states that she finds it harder and harder to stay in touch with her own emotions, probably because they are trapped inside mediality - a topic that has been extensively explored, also by Lynch´s last film, „Inland Empire“.

Talking to me, S. came up with this image: walking with your hands and a french baguette in between your legs. I knew immediately that a great image was born to stay, for it speaks of all the things and options that lay in between a simple black and white, a yes and a no, all the various laugthers and ironies as alternatives to escape control.

In his 1974 film „A Woman Under the Influence“, John Cassavetes brilliantly writes and directs Mabel´s story - interpreted by his own wife in real life -, and how her madness polarizes everyone around her. She is a force of nature.
Curiously, one never comes to a conclusion as to which influence Mabel is under, if alcohol, drugs, her family, her husband, society in general... in the end of the movie the question remains as open as in the beginning, together with the impression that we´ve only witness an excerpt of their on-going long story. And such story is made of routine, trust and love.

Their unconventional marriage and family life is the center of the plot. We are introduced into their core and we get to see how the outside world interferes and changes their codes everytime. This is a story of two people, that though disfunctional to the outside world, manage to get along together. It is about how they are strangely saving each other on an every day basis. The curtain of their bedroom literally functions as a stage curtain, which is opened and closed as guests come and go and situations change and tension explodes.

Mabel is a fascinating character, challenging conventional representations of madness in cinema. She is coached by her husband to act in a certain socializing, understable way while in the presence of guests. In these moments, she tries to control her emotions and ticks in a way which is sort of aceptable for others. And this is when she says: „It´s working!“. She is aware that in order to live one has to act according to already established social rules. The problem is she hasn´t lost her capacity to play, on the contrary to most grownups. Except, she finds no way to balance it. And so her eccentricity escalates, leaving her husband with no choice but to committ her to a mental institution for several months.

When Mabel finally returns, she’s a mere shadow of the woman she used to be. Gone are her chattiness, her warmth and naivety — and basically her personality. Nick, in his own typical inarticulate, brutish manner, tries to get his wife to return to the way she used to be. He keeps inciting her to „be herself“, to go back and do her assorted ticks, be spontaneous once again.

Cassavetes is an amazing director and screen writer. But some of the film´s brilliancy has to do directly with Gena Rowlands´magnetic performance and the psychological complexity of her character. Many of the scenes were born of the improvisation work between the actors, always under the spell of Rowland´s compelling performance and personality.

Jim Jarmusch - Night on Earth (1991)

Es de noche y las calles solitarias no parecen augurar buen negocio para los ambulantes, sean estos estáticos como un mercader o móviles como un taxista, quienes sin opción de transacción estarían mejor en su lugar de descanso. Son precisamente estos últimos, los taxistas, quienes son 'cogidos' por Jarmusch para elaborar su quinto film, el más pretencioso en lo que a producción se refiere de su filmografía.

Night on Earth retrata a individuos resididos en Los Ángeles, New York, Paris, Roma y Helsinki que en una noche cualquiera viven una experiencia peculiar a bordo de un taxi, ya sean estos los conductores o pasajeros. Individuos distantes tanto en lugar de procedencia y residencia como en características físicas: un marimacho, una ansiosa representante de casting, un emigrante alemán en los suburbios gringos, unos cuñados conflictivos, un africano déspota en París, una ciega perfecta perceptora de su entorno, un excéntrico en busca de redención, un sacerdote medicado y un deprimido padre frustrado son los contadores de este episódico film al típico estilo narratológico de Jarmusch, demostrado ya en sus anteriores trabajos, específicamente en Mistery train.

Las primeras tomas del filme muestran -junto a los créditos iniciales de presentación en un encuadre animado- a la Tierra con zoom in ligeramente giratorio, para luego en un globo terráqueo, con travelín in de izquierda a derecha (de amplio a ceñido), ubicar en el mapa las geografías contextuales de las acciones a acaecerse: de Asia -ausente ambiental en las historias- hasta Los Ángeles -lugar del primer episodio...La única toma repetitiva de toda la película es la de los relojes indicando los diversos horarios en las ciudades ambientadoras del relato. Toma capturada por 5 cámaras distintas -cada una delegada a un reloj determinado- en un mismo tiempo real, dando así la impresión de paralelismo exacto entre los actos contados secuencialmente.

1.Son las 7:07 pm en los Ángeles, y Corky (Winona Ryder) lleva en su taxi a unos músicos ebrios cuyo destino es el aeropuerto de la ciudad, ahí encontraría a su próximo cliente, Victoria (Gena Rowlands), representante de casting cazadora de talentos jóvenes. Ella ve en Corky lo necesario para ser una estrella de Hollywood, pero la tosca taxista rehúsa la oferta, pues siente identidad y afecto con su trabajo actual de taxista.

Jarmusch filma en ese capítulo su escena más convencional de toda su filmografía hasta ese entonces, pues combina los manidos discursos morales además de la estructuración caricaturesca del personaje de Ryder llevado al límite de la verosimilitud y antipatía. 'Los Ángeles' es explícito en su mensaje e intención: "No siempre el que tiene más tiene todo". Lema implícito esbozado en su desarrollo pos existencial de los pobres que son felices. Estribillo de final feliz para un remake futurista de Los ricos también lloran.

2. 10:07 pm en New York... Yo-Yo (Gian Carlo Esposito), un vago afroamericano, es omitido por cada taxi que transita frente a su nariz. Es desaliñado e incomodamente expresivo, lo cual estorba a su objetivo inmediato de regresar a casa rápidamente en auto. Ruidoso e inesperado un auto estaciona frente a él, su conductor sonriente lo invita a subir y éste acepta gustoso. Se trata de Helmut (Armin Mueller-Stahl), un payaso alemán recién llegado a América, quien a pesar de ser eventualmente taxista no sabe conducir. Yo- Yo impotente alterna labores con Helmut con la condición de pagar el servicio de taxi, así el alemán sea sólo testigo inoperativo en el trayecto... Sola por las calles transita Angela (Rosie Perez), cuñada de Yo-Yo, la cual es introducida al auto inmediatamente por su eufórico pariente con el fin regresar a casa junto a ella. Situación iniciadora de una secuencia de agravios verbales entre ambos causantes de humor para Helmut, quien a pesar de ser payaso ve en ellos motivos para soreir. Tras el accidentado viaje, Yo-Yo y Angela llegan a casa, y Helmut continúa con su trayecto nocturno, en el cual percibe caos y desorientación en su entorno actual.

Así como Bob en Down by law, Helmut es el extranjero simpático y ajeno de los malestares vecinos. Sus percepciones están concebidas con la misma inteción: la mirada encantada de un mundo 'superior' como el estadounidense a comparación del que dejó atrás. Bob nunca prestó atención a su entorno caótico, sino que encontró armonía lejos de éste, en cambio Helmut, en su aparición final comprende la parafernalia transtornada en la que ahora está inmerso... Hilarante crítica de la irrisoria sociedad estadounidense, que rehuye a la autocrítca, pero que abraza el prejuicio complaciente.

3. Un marfileño (Isaach De Bankolé) lleva en su taxi a un par de déspotas y xenófobos cameruneses en París a las 4:07 am. El de Costa de Marfil no está dispuesto a soportar tantas insolencias por parte de sus clientes, a los cuales echa en una desolada calle aparentemente peligrosa. El taxista aún enojado por aquel incidente - y porque no le pagaron- hace caso al llamado de una joven ciega (Béatrice Dalle), quien resulta tener mayor percepción de su entorno que cualquier ciego promedio. La mujer es susceptible a la subestimación, está segura de poder realizar cualquier actividad normal ya que la ceguera no le representa mayor problema. Siente el sexo, los colores, las imágenes; su aprehensión de la vida es sensorial a su máximo punto -según ella. Aclaración que provoca escepticismo en el africano, quien somete a retos de visión a su pasajera, la cual atina en las respuestas. Fin del camino. La ciega llega a su destino y el taxista asombrado y conmovido acepta la fidelidad de la sensorialidad conjunta exenta de visión como guía confiable.

Melifluidad no-conmovedora del virtuosismo de la ciega en batalla con la vida sin imagen. Jarmusch es excepcional con los ritmos contemplativos atrapantes, en que los parlamentos lucen su lozanía y vivacidad además de su inteligencia para la fluidez verbal. Virtud innegable en el autor indie. El problema de 'París' no radica en el ritmo narrativo o interpretativo, mucho menos en el desarraigo de las características siempre presentes en el cine de Jarmusch -lo que ya es invariable- sino en la intención y elaboración de los intérpretes. Como en 'Los Ángeles' se comete el mismo desliz: de la caricatura sabelotodo y orgullosa, que desdeña a quien no la comprende en su realidad vivencial. La caricatura de la mujer ciega parece capaz de todo, lo que provoca hartazgo en el devenir de las acciones, ya que la invidente es una superdotada sensiblera pasadora de cualquier obstáculo. Es un álter ego lastimero de autoayuda.

4. A toda velocidad como si de un rally se tratara el conductor del taxi (Roberto Benigni) narra su hazaña de gran corredor. Pasea por su ciudad (Roma a las 4:07 am) e ironiza sobre cualquier elemento que le inspire a eso. Está aburrido y no tiene cliente a quien complacer. A la distancia se manifiesta un usuario para su servicio: un reverendo que destina al Vaticano. El taxista es sumamente extrovertido y liberal -es asiduo cliente sexual de travestis, además de ser adepto de otras tendencias no comunes- pero reconoce sus errores libertinos, los cuales quiere confesar aprovechando la presencia del reverendo en su taxi. Sin apuro ni permiso suelta su cantaleta pecaminosa ante el sacerdote, quien en el transcurrir de las declaraciones sufre un paro cardiaco mortal. El conductor en sus 'confesiones' emitió su fijación sexual desaforada hacia los seres vivos de cualquier especie (calabazas, ovejas y cuñadas) con una soltura y naturalidad digna de una demencia congnitiva superlativamente hilarante, lo que provocó el colapso de la resistencia susceptible del pacato individuo.Benigni en su monólogo confesante raya la genialidad cómica con una performance impecable en los aspectos expresivos tanto vocales como gestuales. Jarmusch por medio del italiano satiriza al conservadurismo decimonónico de la iglesia, quebrantable con simples expresiones faltos de pudor. El momento más logrado de Night on earth, y el más cómico que haya filmado Jim hasta ese momento.

5. Mika (Matti Pellonpää) aburrido y alicaído merodea en su taxi por Helsinki (Finlandia) a las 5:07 am. De pronto, recibe el aviso de que alguien requiere sus servicios; los clientes son tres tipos que ha duras penas se pueden mantener en pie. Están tristes porque su amigo Aki (quien duerme en el auto) pasa por momentos difíciles, pues ya no tiene trabajo ni auto además que su esposa quiere divorciarse y su hija de 16 años está embarazada. Un melodrama lindante con tragedia. Sus dos amigos narran los hechos a Maki, quien no se inmuta demasiado por las desventuras de su cliente, pues él cree que pudo haber sido peor. Los amigos de Aki sienten esto como una ofensa por parte del chofer, quien luego les cuenta sus desdichas más lacrimógenas. El hijo de Maki al poco tiempo de nacer muere por parto prematuro. Los sujetos, convencidos de que el taxista sufre más que su amigo, pierden interés en el estado anímico de Aki y lo abandonan a merced del conductor. Como si no hubiera sucedido nada, Maki cobra por el servicio prestado y se retira dejando al deprimido Aki tirado en la nieve que cubre el suelo de su vecindario.

Jarmusch con ironía fabrica un melodrama sufriente de emociones verbales conmovedoras. Los amigos de Aki vociferan la lamentable situación de este último, mientras que Maki sintiéndose retado por la desdicha inferior de su cliente comenta su desgracia con un timing envidiable para cualquier narrador de historias. Jarmusch intencionalmente embarra la escena de sufrimiento en aumento progresivo, y apela con nueva forma a su teoría existencial de disminuir el efecto impactante, y efímero, de la novedad con otra más sobresaliente. Las impresiones novedosas llamativas duran lo que tarda una nueva en aparecer, así lo mostró en Permanent vacation, pero en un aspecto más sicológico, cuando Willie, Eddie y Eva dejan su ciudad para buscar un paraíso fuera de la monotonía de sus quehaceres, decepción fue para ellos no encontrar ninguna mejora. Sus expectativas se fueron con la realidad tangible desilucionadora. O en Down by law cuando Jack, Zack y Bob anhelan su salida de prisión, pero al lograr ese objetivo se internan en un pantano tan opresor como la carcel misma; también en Mistery train se da indicios de esa idiosincrasia ejecutiva del autor en la ocasión que Mitzuko y Jun buscan un reino en Memphis, la tierra de Elvis, aunque en realidad se encuentren con un contexto similar a su natal Yokohama. Y así se podrían citar más ejemplos en la filmografía del estadounidense, pues una de sus características principales en la generación intelectual de sus ideas es partir de esa premisa desilucionadora y reveladora. En este caso, el de 'Helsinki', es más implícito y más confuso para identificar, pues los capítulos antecesores al desenlace estuvieron conformados para otro objetivo en el mensaje.

Night on earth difiere de las otras entregas del cineasta, propone más perspectivas de un sólo golpe, propuesta con resultados contraproducentes, pues se configura un film irregular en lo que ha tratamiento de sensaciones se refiere. El arraigo existencial caricaturesco de 'Los Ángeles' dista de la ironía a la mirada extranjera de 'New York'; asimismo 'París' muestra el mismo desequilibrio que 'Los Ángeles' en la proposición de simpatía con el personaje convencional de autoayuda.'Roma' contrasta por su humor negro desbocado y crítico, que se muestra también en 'Helsinki', en mucho menor grado, al disfrazar la sátira con melodrama. Pareciera que Jarmusch desdoblara su personalidad para realizar, con dos idiosincrasias distintas, los capítulos del film, pues la ironía y crítica mordaz de 'New York', 'Roma' y -como dije antes, en mucho menor grado- 'Helsinki' difieren sobremanera de las banales, convencionales e inocentes 'Los ángeles' y 'París'.

Jarmusch considera al taxi como el espacio claustrofóbico perfecto para dilucidar su inquietud en esta entrega, pues el reducido espacio interior del vehículo frustra la libre habilidad motor del individuo a bordo, supeditando todo movimiento a la posibilidad del medio de transporte que conduce. Con eso imprime una paradoja del "movimiento estático", que se insinuó poco en el desarrollo del film, pero que se concretó en el desenlace a través del ánimo alicaído del impotente Mika, quien se moviliza durante toda la noche en el taxi, pero nada puede hacer para cambiar su infortunio.

John Campos Gomez 

Paris J'Taime is postcards from Paris. Ratatouille is the novel. Its story and sense of place is both deep and surprising. Unlike other Pixar movies, this was actually a movie I'd never seen before. I love Pixar and think they have made some of the best movies I've ever seen but the others were all riffs on familiar themes. Toy Story is a buddy movie -- a great buddy movie to be sure -- but still we knew going in that the Woody and Buzz were going to wind up as friends. Finding Nemo is a superb story of love, loss and letting-go, but even so I'd seen its basic idea before (for more of my thoughts about Nemo go here). Ratatouille, the story of a rat who becomes a chef, could easily have been another "fish-out-of-water makes good" movie but it isn't.

(WARNING: Lots of spoilers below)

It never takes the obvious route. It is never hack (which is comedians' name for the easy and cliche). It isn't "HEARTWARMING." Every choice made by the people involved is true to the story and the characters and not just what the audience expects. As a result it gives the audience so much more than mere easy laughs. The big challenge that our hero (voiced by the wonderful Patton Oswalt) overcomes is not will he become a chef, it's how to make peace between being a rat AND being a chef. When his family comes to his aid it's not a big sweeping emotional moment, it's a much more realistic "yeah we're family and this is what family does even when they're angry at each other" moment. In other words: It's a true moment, not a Hollywood one.

One of Ratatouille's greatest strengths is that it never forgets that rats and people eating food are not something that go together. Even when the rats ride to the rescue and run the kitchen, the movie is smart enough to include a stomach-jarring shot of rodents swarming. If this had been made just by Disney Ratatouille would have had an ending where the restaurant is saved, the rat and the human both get the girl and snoooooore. That sort of happens, but not in the predictable way that ruined so many of Disney's later animated movies.

Also it's hard to imagine the later Disney movies including the scene where our hero and his father walk by the exterminator's shop in the Marais whose window is decorated with dead rats in traps. (I've been by that store a number of times, it is quite wonderful.) Pre-Pixar animation at Disney long ago gave up being willing to actually upset the audience. For all that Lion King was willing to show the father's death, it did it without the terror and darkness that makes Pinocchio one of the greatest and scariest movies I've ever seen.

The only complaint I have with the movie has to do with its marketing. Disney/Pixar missed out on the perfect tie-in: A celebration of the wonderful Musée des égouts de Paris, the museum of the sewers of Paris. It is a truly unique place and the only museum in Paris whose gift shop already had plushy rats in stock.

Johnny Cash: The Man, His World, His Music documentary by Robert Elfstrom
I love all things Johnny Cash. I've read several biographies, including one by Rolling Stone magazine which was an amazing photo journey. This documentary was not an all encompassing birth to death, rags to riches epic. It was filmed by British filmmaker Robert Elfstrom in the late 1960's as he traveled with Johnny and June. Johnny was so impressed with Elfstrom's work that he later asked him to produce his film about Jesus Christ, The Gospel Road. This movie is archival footage from live concerts, recording sessions, Johnny's return visit to his hometown, and rare personal moments and reflections. Fantastic!

Conversations With God with Henry Czerny
I had this movie in my queue but moved it up after my friend commented on it on his blog. I thought the movie provided a very human portrayal of a man who fell upon hard times and into homelessness and struggled to climb his way back out. I did not buy into the spirituality. It seemed to lack substance and drive book sales or something. Overall, I was glad I watched it.

Take the Lead with Antonio Banderas
Ok, how many movies have there been about courageous teachers who transform the lives of inner city kids? I didn't rent this one, but when I started watching the beginning I had to stay up to watch the whole movie. I'm not a big Antonio Banderas fan, but he did an excellent job of acting in the movie. I guess the whole ballroom dancing thing was a large enough curiosity hook to separate it from the other movies about troubled inner city kids. Definately worth watching!

Proof with Gweneth Paltrow, Anthony Hopkins, & Jake Gyllenhaal
I missed the first few minutes of this one, but it was really good. It's a little similar to A Beautiful Mind but definately stands apart. Gweneth Paltrow was amazing in this movie. Jake Gyllenhaal was ok. Anthony Hopkins' appearances are limited but he's old, heavy, and going crazy in the film, so he provides some depth. He's Paltrow's aging mathematical genius father who is losing his mind. Paltrow's scenes jump back and forth to her time of caring for him and moving forward after he dies. In the process she's wrestling with her own sanity and genius. A very good drama. I recommend it.

Skeleton Key with Kate Hudson and Gena Rowlands
I saw this one over a year ago and just watched it again today. I enjoy movies filmed in or set in Louisiana, especially if they're good. This is a darker movie about old New Orleans and voodoo, and it has some amazing plot twists. It's not a horror film but a great suspense thriller. It's grade A entertainment that will keep you hooked.

Reparto principal:
John Marley ... Richard Forst
Gena Rowlands ... Jeannie Rapp
Lynn Carlin ... Maria Forst
Fred Draper ... Freddie Draper
Seymour Cassel ... Chet
Dorothy Gulliver ... Florence
Joanne Moore Jordan ... Louise Draper
Darlene Conley ... Billy Mae
Val Avery ... Jim McCarthy
Gene Darfler ... Joe Jackson
Elizabeth Deering ... Stella

Fotografía:
Al Ruban
Maurice McEndree
Haskell Wexler

Música original:
Jack Ackerman

Montaje:
Maurice McEndree
Al Ruban
John Cassavetes

Palabras clave:
Adult Situations, Adultery, Alcohol, Austere, award, Biting, Bleak, Crumbling Marriages, Dance Scene, disintegration, Disturbing, Divorce, Drama, extramarital-affair, fear, Handheld Camera, husband, Improvisation, In a Minor Key, Independent Film, Infidelity, Intimate, life-choices, loneliness, love, marriage, Marriage Drama, marriage-problems, Matter-of-Fact, Not For Children, Only Human, problems, production [showbiz], Prostitute, prostitute/prostitution, Psychological Drama, relationship, Stylized, Suburban Dysfunction, suicide, Suicide Attempt, Talky, unhappiness, wife

Titolo originale: Persepolis
Nazione: Francia
Anno: 2007
Genere: Animazione
Durata: 95'
Regia: Vincent Paronnaud, Marjane Satrapi
Cast: Catherine Deneuve, Danielle Darrieux, Simon Abkarian, Gena Rowlands, Chiara Mastroianni, Tilly Mandelbrot
Data di uscita: Cannes 2007 29 Febbraio 2008 (cinema)

Attraverso gli occhi di una bambina di nove anni, la precoce ed estroversa Marjane, il film ci fa vedere come le speranze di un popolo vengano distrutte quando i fondamentalisti prendono il potere, imponendo il velo alle donne e imprigionando migliaia di oppositori. Intelligente e impavida, la piccola Marjane aggira il controllo sociale dei "tutori dell'ordine" scoprendo il punk, gli ABBA e gli Iron Maiden. Ma dopo l'insensata esecuzione di suo zio, e sotto i bombardamenti della guerra Iraq/Iran, la paura diventa una realtà quotidiana con cui fare i conti. Temondo per la sua sicurezza, i genitori decidono di mandarla a studiare in Austria quando compie 14 anni. Marjane si ritrova così da sola con i problemi dell'adolescenza ed i pregiudizi di chi la identifica proprio con quel fondamentalismo religioso e quell'estremismo che l'hanno costretta a fuggire. Col tempo, riesce a farsi accettare e incontra perfino l'amore, ma dopo il liceo si ritrova nuovamente da sola e con una gran nostalgia di casa. Benché questo significhi mettersi il velo e vivere sotto una dittatura, Marjane decide di tornare in Iran per stare con la sua famiglia. Dopo un difficile periodo di adattamento, entra in un Istituto d'arte e poi si sposa, senza mai smettere di denunciare le ipocrisie di cui è testimone. A 24 anni, però, pur sentendosi profondamente iraniana, capisce di non poter più vivere in Iran. E' così che prende la drammatica decisione di lasciare il proprio paese per la Francia - piena di speranze per il proprio futuro, ma segnata in modo indelebile dal proprio passato.

Guarda il trailer del film:

Download:

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