As duas são vitimas de uma sociedade desgastada, e não conseguem desenvolver, ou oferecer resistência ao mundo que as circunda. Os dois filmes são premiadíssimos, méritos da obra "existencialista" de Clarice Lispector e direção de Suzana Amaral, no caso de A hora da estrela, e Lars Von Trier com Björk em dançando no escuro.

Curiosamente, as duas historias possuem um desfecho parecido, na hora da morte as duas alcançam o que queriam, de um modo triste e injusto.

Selma consegue pagar o tratamento do filho, que ficaria cego sem a operação, Macabéa alcança a certeza de que tudo dará certo, pela primeira vez nada vida é bem tratada e conhece a esperança.

Dançando no escuro mistura sonho e realidade em um mesmo contexto, Selma só consegue se “soltar” e mostrar sua eloqüência existencial quando dança, cada vez mais cega e imaginativa em seus devaneios. Macabéa se infla com um novo namorado, impressiona-se com as notícias da radio-relógio e adora um pouco de tudo que não entende.

E levam as duas na conversa os filmes inteiros...

Os finais são de chorar. O desespero de Selma e a redenção, também cega, mas poética, de Macabéa, elevam as duas personagens a quase santas. Injustiçadas e sôfregas.

“et, que j’ai vue Genevieve, j'ai su que…..”

”när jag sen fick syn på Genevieve, förstod jag….”

(Roland förstår plötsligt vem han alltid väntat på.)

På bilden ovan är det dock Guy och Genevieve

K. är sedan tidigt i morse på fjällvandring förlupen, och A. sover gott efter en sen och för oss föräldrar spänd kväll på Liseberg. Själv kände jag mig därför vemodig nog att se den över-sliskiga franska 60-talsmusikalen ”Les parapluies de Cherbourg” (1964)

Den handlar om romantiken mellan snygge Gauloises-rökande Guy, blyga Madeleine, tango-fagre Roland och vackert bleka Genevieve (Catherine Deneuve) mot fonden av alla tidstypiska Diordräkter, sliten väggputs i grälla kulörter i typiska franska stadsbilder.

Musikaliskt är det en kul blandning av stökig jazz, vackra och mjuka melodier och nästan operamässiga modulationer. Vid lämpliga tillfällen bryter huvudtemat om den lidande kärleken fram, och mot alla drömmar och löften om evig trogen äktenskaplig kärlek bryts verklighetens försmådda män och kvinnor i framtvingade snedsprång och ”fransk” omoral.

”Mamma, Jag är gravid”,

”Men vad har du gjort?”

”Lugn mamma, samma sak som alla andra!”

Såväl musikaliskt som dramaturgiskt bryts en mängd kontraster mot varandra, som gör berättelsen levande, framåtriktad, och engagerande mellan leende och tårar, om man kan stå ut med romantiskt sorgliga avsked till sång på franska med sentimentala stråkar förstås. http://www.youtube.com/watch?v=nNwkjyDwzTE.

Ju mer man ser den desto mer provokativ blir den ständigt sjungna dialogen med sina små moralkritiska stick, respektive sens-moralen om att bara följa sitt hjärta dit det driver, samtidigt som man inte ser någon annan utväg.

Trots alla invecklade hopp mellan relationer och brustna drömmar slutar den egentligen lyckligt. Men samtidigt, även om den slutliga (?) kärleken lurar bakom det hörn man dagligen passerar, men sällan ser, kan i alla fall inte jag låta bli att bli rörd över hur berättelsen ”kunnat” sluta: Vilken kärlek var (är) egentligen ”den sanna”? Vilket hörn är vilket bland dem jag passerar?

Självklart slutar den som kokboken för opera och musikaler föreskriver: Med en kör, fast på sitt eget franska sätt… http://www.youtube.com/watch?v=7ObVG9o2xWI, för den som vågar slutet före hela filmen.

”On meurt d’amour qu’en cinema”

”Dör av kärlek, gör man som på film”

(Genevieves mamma vill trösta sin dotter)

men ibland blir det FÖR sliskigt: http://www.youtube.com/watch?v=Cb5iVFq7qlQ

]]> http://lovesucksmovie.wordpress.com/?p=224 Mon, 21 Jul 2008 17:21:39 +0000 ingrid jungermann http://lovesucksmovie.wordpress.com/?p=224

Tony Scott's first film, "The Hunger," starring Catherine Deneuve, David Bowie and Susan Sarandon, got our wheels turning about our own vampire film. "The Hunger" was panned when it first came out but became a cult classic. If you get a chance to listen to the filmmaker commentary, it's an inspiring learning experience. To pay homage to the film, we named one of our characters Dr. Sarah Roberts, the role portrayed by Susan Sarandon in Scott's film.

Also, there are a couple lines of dialogue in our movie that serve as an inside joke for those of you who are fans of "The Hunger." If and when you see the film, let us know if you catch it.

Estrenada en Zaragoza, en 1964, en el cine Coso

En 1963 se ha producido ya la diáspora de la "nouvelle vague"; los lazos comunes de los Godard, Malle, Truffaut, Varda, Rivette, Chabrol, Rohmer... se refirieron al punto de origen nunca a sus trayectorias. Demy en algo conectaba con sus correligionarios, pero ese algo era nada cuatro años más tarde. “Los paraguas de Cherburgo” debe más al denostado cine francés de antes de la guerra de Argelia que al nacido con la V República. Estos paraguas protegían contra la lluvia del realismo a un mundo poético y algo cursi, cercano a aquel naturalismo poético de los años 40 que convivía en armonía con el existencialismo. “Les parapluies…”, hereda antes a Cocteau que a Becker, y mucho más a René Clair que a Jean Renoir. Y, por supuesto, ninguna relación con Godard (alabado sea Nantes). Demy elige la escala musical para narrar “Los paraguas…”, pero ¡más difícil todavía!, en cuanto a cineasta reduce todas las posibilidades de esa escala a una sola nota (lírica y romántica, bien sur). Casi enfermizamente sentimental deviene esa nota a la que somete a todas las distorsiones de que es capaz, para encontar una unidad de estilo que no le abandona hasta la última imagen. “Los paraguas…” del desaroollo lineal acabado, que unos verán como la apoteosis del mal gusto -el kitsch a lo Milan Kundera (1)- y otros calificarán de sublime.

Desgraciadamente para Demy, estos últimos lanzaron sus alegres elogios muy cerca del día del estreno (en Francia, claro). Y el sombrío tiempo parece haber agriado el azucar y desteñido el hermoso cabello de Catherine Deneuve. Pero como la historia del cine cabalga a lomos de “vagues” más o menos nuevas, nadie podrá impedir que los colegas de su autor –que utilizaron las películas de las que eran directores como arma disuasoria frente a los auténticos antecesores de “Los paraguas”– vean de nuevo ante sí aquellos viejos films invalidados por su cháchara (ja, ja, eso pensaban ellos), resucitados, no milagrosamente, por una apreciación del cine siempre oculta tras la exposición brillante de la moda. Y siempre dispuesta a resurgir con una carga de virtudes y defectos que, mezclados ambos, forma parte de un patrimonio artístico tan insumergible como la Molly Brown del folklore americano (2).

Los sonetos de “Los paraguas de Cherburgo” son de una sencillez de cuento de hadas. Parece que la única historia que Demy se sabe, a nivel de su mundo creativo, constituye “Lola”; y la intensifica en aquello que juzga la médula de su creación. Retratarla sí; pero que cumpla satisfactoriamente para el fin propuesto: agotar la inspiración del supuesto artista. Se podrá argumentar que escaso bagaje era ese para quien busca el calificativo de autor, pero el mundo de Cherburgo es el Macondo de Demy. Fuera de él la vida se desarrolla difícilmente. Solo en él los personajes viven, la historia fluye y las melodías devienen clásicas. Es el mundo de Peter Ibbetson, el Shangri-La de la provincia francesa. Fuera está la guerra, el dolor y el olvido al país del pan y la miel, donde llegó Jacques Demy tras escarbar entre todas las historias y personajes de “Lola”, para hallar aquellos que fueran capaces de materializar sus sueños adolescentes.

Que la película sea cantada no hace sino añadir un elemento accesorio a algo que ya aparecía previamente determinado en la concepción del film. Y, de alguna manera, las melodías de Legrand, escasas para una audición de hora y media, no hacen más que añadir nuevas limitaciones a una obra nacida tras un proceso depurador que trajo como resultado un desarrollo en un nivel monocorde y de por sí limitado: como para que el juego sentimental apareciese con mayor fuerza, si cabe, y no existiese infiltración alguna de la realidad que impidiese la intensidad lírica pretendida por el director.

Cine vulnerable, como todo aquel que procede de lo más profundo de un ¿artista? que, sin por ello dejar de serlo, se ve incapaz de complejizar la obra al nivel requerido por la demanda, acostumbrada a unos temas y a una gramática en las antípodas de este “petit poéte” sincero, provinciano. Sin más vuelo que el remonte de la torre de la catedral de Nantes (3).

Deliciosa flor de estufa que, aún algo marchitada por los años, no ha perdido del todo su gozosa fragancia.

Luis Betrán Colás
El ojo del diablo

1. En su magnífica novela “La insoportable levedad del ser”, Milan Kundera se permite una digresión sobre lo “kitsch” realmente memorable.
2. Los cineastas anatematizados por la “nouvelle vague” y su revista “cultural” -los famosísimos Cahiers du Cinema, en mi discutidisima opinión la más nefasta y, desgraciadamente, tambien influyente de las publicaciones especializadas– fueron Julien Divivier, Claude Autant-Lara, René Clair, Ives Allegret, Marcel Carné y un no corto etc.
3. Nantes es la ciudad en la que nació Jacques Demy y en la que se vive en el film. La esposa del directot, la notable Agnés Varda, compuso un sentido homenaje a Demy (fallecido en 1.990) en “Jacquot de Nantes”, excelente y emotiva película de una viuda sin consuelo posible.

I am really embarrassed my blogging has been so spotty and sketchy lately. But let's get on with three weeks of saved up links!

That I love the Onion A.V. Club is no secret. But it's easy sometimes to miss the gems hidden in the blog. Like this treatise, by the great Nathan Rabin, on Matthew McConaughey and the Perils of Male Beauty. It is, in internet terms, ridiculously old, but it's worth a read. And speaking of McConaughey (who one of my study mates absolutely adores), I would be remiss if I didn't link to the Family Guy clip in which Stewie tries to tell Matthew McConaughey he sucks ("a lot of effort for nothing"), but it seems to have been taken down everywhere. You can listen to it here though.

Anyway, who says we should only read new things, and reviews of new movies? The new releases, especially in the summer, pass so quickly. I'd post about Hancock or Kung Fu Panda, and I still might, but it feels like the discussion's already over, and I'll get "so" late to The Dark Knight (seeing it on Thursday, if all goes well) and Wall-E (released here on the 30th) that joining the fray at that point seems rather pointless. In the process, much good writing is all too quickly forgotten. For instance, in a review of Elvis Mitchell's new interview show for TCM, I found a link to his Pirates of the Caribbean review. And even so many years after, it's absolutely worth reading.

Then, because there was a William Holden retrospective somewhere, there's two great pieces about him. The second one is from the moving image source, which is a true treasury for the movie lover. They go for quality rather than quantity, and it pays off, like with this wonderful piece about Catherine Deneuve, Belle de Siècle.

I haven't been much of a writer at all lately, let alone a critic. But that doesn't mean I don't take MovieZeal's 10 tips to become a better movie critic (pt. 2 is here) to heart. Most of them (probably even all of them) are easier said then done, but then, if it was easy, it wouldn't be fun. Right? One thing, in any case, that seems essential to me for any critic to be interesting is to dare to go against the grain every once in a while. Which is why I admire Larry's defense of Woody Allen's "later, pretty-good ones". Read it before it's gone: Larry doesn't believe in archiving.

Speaking of getting there before it's gone: today's the last day to watch Dr. Horrible's Sing-Along Blog. I'm willing to pay for it if it's ever released on DVD, but until then, enjoy Dr. Hammer's antics and Dr. Horrible's sad songs one more time here.

Finally: some odds and ends. How Pauline Kael might have had a hand in paving the way for Will Smith's movies. Hollywood's Hero Deficit. And how cinematic sex changed from Don't Look Now to Puffball.

As for the viewing tip of the week, I should think it's obvious by now.

These are not the Hammer

Captain Hammer

The Hunger, directed by Tony Scott, 1983. Provocative. Erotic. David Bowie. Heartbreaking. In this scene, from a video clip found on an iPod lost on a Chicago subway, Susan Sarandon's Sarah, lover of Catherine Deneuve's Miriam, is a newly minted immortal vampire suffering from withdrawal as she refuses to kill for her survival. Sarah's former boyfriend picks the wrong time to try and bring her home. After this moment, he is not seen again.

Love me less, but love me a long time.

- Ismael Benoliel, Les Chansons d'amour

Hey, you got girlfriend Vietnam? Me so horny. Me love you long time.

- Da Nang Hooker, Full Metal Jacket

Louis Garrel & Grégoire Leprince-Ringuet - As-tu déjà aimé ?

[audio http://www.fileden.com/files/2008/6/20/1967807/08.%20As-tu%20d%C3%A9j%C3%A0%20aim%C3%A9%20.mp3]

For those of you who appreciate French music for its catchy pop melodies and inherent foreignness, Christopher Honoré's Love Songs (Les Chansons d'amour) might be the perfect film to start off a romantic evening that involves wine tasting and a fondue pot, you know, with all the calculated trimmings of a themed event. The only catch: turn off the monitor and leave the stereo on. The soundtrack, the foreground, the rest is mere background, the illusion of cosmopolitan sophistication is enough to satiate the Starbucks compilation palate. It's better leaving one's belief system in the French "tradition of quality" intact rather than shattering it through Honore's icy milieu of stock characters and tourist locales, not to mention, a preposterous suggestion that damaged grief brings about latent homosexuality, or perhaps mourning demands the "outing" of other bodies and orientations to hold on tight and fuck the pain away, or again, Ismael, the all-inclusive male figure was always a bisexual. Any of these scenarios could have been the case, but who gives a damn when the film squanders its chances to piece together the narrative threads in exchange for impromptu dalliances and nonsensical coincidences. The lyrics would've made Shakira cringe and laugh in agony..."Four pubes in the shower." At least in the heyday of French musicals, Demy was injecting frisky charm and dramatic irony into the Hollywood formula, and Godard broke down those same inane templates to form iconic sequences that are still the epitome of cool (See below). Honoré himself, a dedicated fan of that zeitgeist, took a more serious approach, then realizing his hip meter falling, he followed some needless detours and ended up somewhere between Paris and the land of lost convictions.

A signpost towards gay pride? Or a memorial of Timberlake before "4 Minutes"?

Enjoy the songs and think only of Anna Karina!

Louis Garrel, Ludivine Sagnier, & Clothilde Hesme - Je n'aime que toi

[audio http://www.fileden.com/files/2008/6/20/1967807/04.%20Je%20n%27aime%20que%20toi.mp3]

Chiara Mastrioanni - Au parc

[audio http://www.fileden.com/files/2008/6/20/1967807/12.%20Au%20parc.mp3]

This is how you make a musical, pedantic lyrics aside.

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Catherine Deneuve interpreta a una joven y fría esposa de un aséptico médico. La chica tiene sueños y visiones donde es atada y humillada. Las relaciones que mantiene con su esposo son tan tórridas como un congelador. La curiosidad y el morbo la llevan a un prostíbulo donde, con el nombre de Belle de jour, empezará a descubrir un mundo que le traerá -¡qué cosas!- la felicidad conyugal.
Una de las más aclamadas películas de Luis Buñuel.
Pese a ser sumamente escandalosa, no esperéis ver nada atrevido (para nuestros tiempos) aunque si lo fue en 1967, cuando se estrenó.
http://www.filmaffinity.com/es/film601862.html

Viaţa poate fi trăit în ritm de dans, spunea la un moment dat Fred Astaire. O ilustrare fericită a acestei maxime este oferită de regizorul danez Lars von Trier in Dancer in the Dark (2000). Realizat la intersecţia dintre film, dramă şi musical, filmul lui von Trier impresionează de la primul cadru prin insolitul imaginii, mişcarea camerei efectuată aparent de un amator şi construcţia epică a naraţiunii.

Selma (Bjork) este o lucrătoare de origine cehă pasionată de comediile muzicale. Confruntată cu iminenta pierdere a vederii, Selma încearcă să economisească suficienţi de mulţi bani pentru o operaţie menită să -l salveze pe fiul ei de la aceeaşi problemă. Acest ideal devine singurul motiv pentru care ea trăieşte şi atunci când Bill (David Morse), cel care îi închiriase rulota unde trăia, îi fură economiile pentru a putea să -şi plătească datoriile de la bancă inevitabilul se produce. Bill este omorât, Selma este condamnată la moarte nu înainte de a plăti operaţia pentru fiul ei.

Kathy (Catherine Deneuve), prietena Selmei reuşeşte să plătească cu banii operaţiei un avocat mai bun care îi promite Selmei rejudecarea procesului şi implicit o pedeapsă mai blândă, propunere refuzată însă de personajul principal. În clipa morţii, Selma primeşte perechea de ochelari a lui Gene, semn că operaţia avesese loc şi că sacrificiul ei nu fusese zadarnic. Finalul este cutremurător şi incitant în acelaşi timp: atunci când trapa spânzurătorii se deschide şi victima moare, o cortină mov este trasă de către poliţişti pentru a marca finalul unei vieţi în pas de step, dar şi un sacrificiu care nu a fost zadarnic.

Două idei se desprind din ţesătura densă de semnificaţii a regizorului. Prima este aceea că viaţa poate fi trăită într-o dimensiune personală. Pentru Selma evadarea din cenuşiul vieţii cotidiene înseamnă refugiul în dansul şi muzica din filmele muzicale pe care le vizionase. La fel ca în Dogville sau Manderlay, reapare tema sacrificiului pentru ceilalţi. Acesta reprezintă o provocare pentru privitor reflectând o enormă disponibilitate artistică a cineastului suedez. În faţa sacrificiului şi a pasiunii pentru muzică şi dans, orbirea şi întunericul devin neputincioase.

Realizat în tonuri cenuşii, cu personaje prea puţin scoase în relief, cu o imagine filmată parcă de camera personală a unui amator, Dancer in the Dark este mai puţin un film sau o poveste cinematografică şi mai mult o combinaţie de idei adresate în mod direct privitorului. Pe coloana sonoră a lui Bjork filmul lui Lars von Trier îndeamnă în acelaşi timp la visare şi la reflecţie.

Garanto que este filme já é meu Roman Polanski preferido. Catherine Deneuve também já é minha bela estranha preferida depois desta empreitada. Nos tempos de ditaduras da beleza impostas principalmente para as mulheres pela mídia e de vulgarização do sexo, a bela Carole sente repugnância pelos bofes que surgem em sua vida e vive em pânico diante a presença deles. Ótimo filme pra se fazer uma leitura com base no discurso feminista. Horror psicológico mais virado ainda que O bebê de Rosemary. Desde a abertura com créditos e olhão da protagonista nos desafiando você já fica impressionado. Perfeição!

First up: The Hunger (Tony Scott, 1983)

The pitchable element: a lesbian sex scene featuring one of his favorite actresses, Catherine Deneuve.

The length: 93 minutes

The verdict: What a strange film this is! It's a horror film of sorts, but without, really, any horrific moments. It's a vampire film, but the word "vampire" is never uttered, and almost none of the clichés are used: there are no fangs, no crufixes, they can be seen in mirrors and on photographs, and the sun is not a danger.

Somehow, directors love to defile Deneuve's impeccable, almost untouchable beauty. Here, too: her impossible, perfect coif comes undone, her face is stained with blood, and in the end... In the end, the movie just rehashes a trope old as the greeks: eternal life is nothing without eternal youth, and not being able to die is probably more horrific a thought than having, irrevocably, to do so.

Tony Scott's clearly chosen style over substance from the beginning, but is that really such a bad thing? I wasn't quite captivated by the story, but I was arrested by so many shots. It's too bad David Bowie is hidden in aging make-up for most of his (already limited) screen time. My father was less enthusiastic than me (although he had to grant the lesbian scene was good), but I'm glad I finally saw this cult classic.

Then: A Fistful of Dynamite aka. Duck, you Sucker (Sergio Leone, 1971)

The pitchable element: it's a Leone Spaghetti Western

The length: 157 minutes, quite a bit above the cut-off, but I proposed cutting it in two if we felt like it, and we ended up watching the whole thing.

The verdict: This is clearly a messier film than The Good, the Bad, and the Ugly and Once Upon a Time in the West, and unlike those two it could easily -and without loss - have been shorter. It's also the most unever in tone: at some points it's almost a slapstick comedy, but the revolution stuff in it is quite grim. James Coburn, whose Irish accent kind of comes and goes, turns out to have the perfect Leone face: deep crevices and grime can't quite disguise his charisma, and his eyes look good in close-up. Rod Steiger is 'the Ugly' to this hero: a thief and a murderer, but not one without a heart, or without insight: his speech on revolutions is great.

There are no real iconic scenes or shots here, nothing coming close to the level of the two films I mentioned, but for what it is - a B-movie with some political intent - it's actually pretty good. It drags in spots, but there are enough scenes (the first twenty minutes, the bridge ambush, etc) to make it worthwhile.

The rest of my selection? Tune in later to find out.

Titulo em portugues: DINHEIRO SUJO

english title: DIRTY MONEY

com:

Alain Delon

Catherine Deneuve

Richard Crenna

1972.

referencia para diversos filmes do tarantino.  fotografia absurda.  muito maneiro.

La 61ª edición del Festival Internacional de Cine de Cannes celebrada del 14 al 25 de mayo y cuyo jurado estuvo presidido por el actor y director estadounidense Sean Penn, ha deparado el siguiente palmarés:

Premios de la Competición Oficial

-Palma de Oro: “Entre les murs” (2008) de Laurent Cantet / Francia

La película de Cantet (al que recordamos por “El empleo del tiempo”, 2001) narra la historia de un curso escolar teniendo como escenario un problemático instituto de París. Los protagonistas son unos jóvenes estudiantes y su profesor de lengua que, además, realiza las funciones de tutor.

La cinta se basa en la novela homónima de François Bégaudeau, ex-profesor que cuenta sus experiencias como docente. Señalar que el propio Bégaudeau interpreta al profesor antes mencionado.

Cabe destacar que esta película rompe con la sequía del cine francés por lo que a Cannes se refiere, puesto que hacía 21 años que el país galo no se alzaba con la Palma de Oro.

-Gran Premio del Jurado: “Gomorra” (2008) de Matteo Garrone / Italia

Garrone adapta el best seller homónimo de Roberto Saviano (que tuvo que “esconderse” tras el éxito de la novela) en el que se describían las guerras entre los clanes mafiosos de Nápoles.

- Premio del 61º Festival de Cannes (ex aequo) para:

-Catherine Deneuve por “Un conte de Noël” (2008) de Arnaud Desplechin / Francia

José padece una extraña enfermedad genética por lo que requiere de un transplante de médula. Como su hermana no es compatible, sus padres deciden engendrar un tercer hijo para intentar salvar la vida de José.

-Clint Eastwood por “The Exchange” (2008) / USA

La película se basa en hechos reales acaecidos en la década de los años 20 y que recrea el extraño caso de una mujer (Angelina Jolie) cuyo hijo desaparece. Cinco meses después el niño es encontrado por la policía, sin embargo la mujer jura y perjura que no es su hijo lo que la lleva a ser encerrada en un manicomio.

-Mejor director: Nuri Bilge Ceylan por “Three Monkeys” (2008) / Turquía

El interesante director y actor turco responsable de títulos como “Lejano” (2002) o “Los climas” (2006) elabora el retrato de una familia en la que la mentira domina sus vidas. Siguiendo la fábula de “los tres monos”, los miembros de dicha familia han optado por no hablar, ver ni oír en un intento desesperado por mantenerse unidos.

-Mejor actriz: Sandra Coveloni por “Linha de passe” (2008) de Walter Salles / Brasil

Cuatro hermanos de padres diferentes intentan abrirse camino en la ciudad de Sao Paulo. Reginaldo busca a su padre, Dario sueña con ser futbolista, Dinho se refugia en la religión y Denis trabaja como mensajero con su moto. A todos ellos hay que unir a Cleusa (Sandra Coveloni), la madre, que está esperando su quinto hijo.

Walter Salles es conocido por ser el director de la premiadísima “Estación Central de Brasil (1998), “Diarios de motocicleta” (2004) o “Dark Water” (2005).

-Mejor actor: Benicio Del Toro por “Che” (2008) de Steven Soderbergh / USA

No fue ninguna sorpresa la concesión de este premio a Del Toro por su convincente recreación de la figura de Ernesto “Che” Guevara.

Soderbergh que ha realizado, entre otras, películas como “Kafka” (1991), “Erin Brockovich” (2000), “Traffic” (2000), “Ocean’s Eleven” (2001) y sus posteriores secuelas, “Solaris” (2002), la injustamente olvidada “Bubble” (2005) o “El buen alemán” (2006), firma este biopic que ha utilizado como material los propios diarios del mítico guerrillero.

-Premio del Jurado: “Il Divo” (2008) de Paolo Sorrentino / Italia

Sorrentino muestra una visión demoledora de la figura de Giulio Andreotti, el que fuera presidente del Consejo de Ministros de Italia en tres ocasiones, líder de la Democracia Cristiana y al que se juzgó por corrupción en la década de los 90.

-Mejor Guión: Jean-Pierre y Luc Dardenne por “Le silence de Lorna” (2008) / Bélgica

Esta vez no pudo ser y los hermanos Dardenne no se alzaron con su tercera Palma de Oro (ya la obtuvieron en 1999 por la magnífica “Rosetta” y en 2005 por “El niño”), aunque no se marcharon de vacío siendo premiados por una historia (basada en hechos reales) que nos cuenta la vida de una inmigrante albanesa que se casa con un drogadicto, al que no ama, para conseguir un pasaporte de la Unión Europea.

Cámara de Oro y Cortometrajes

-Cámara de Oro a la mejor ópera prima. “Hunger” (2008) de Steve McQueen / Gran Bretaña

En 1981 Bobby Sands y otros activistas del IRA iniciaron una huelga de hambre en la Prisión de Maze (Irlanda del Norte) para reclamar, entre otros, el derecho a no llevar uniforme carcelario, a no trabajar en la cárcel, a relacionarse libremente con otros prisioneros, a organizar su propio tiempo libre o a recibir una visita y una carta por semana. La protesta se saldó con la muerte de varios presos políticos incluida la del propio Sands.

Esta historia, que ya recreó Terry George en “En el nombre del hijo” (1996), sirve de base argumental para “Hunger”. Esta vez el protagonista es Raymon Lohan, un vigilante que será testigo de la mencionada protesta.

-Palma de Oro al mejor cortometraje: “Megatron” (2008) de Marian Crisan / Rumanía

“Megatron” relata el deseo de un niño que, en su octavo cumpleaños, quiere ver a su padre al precio que sea.

Premios oficiales de Un Certain Régard (Una cierta mirada)

Esta sección, presidida este año por el director alemán de ascendencia turca Fatih Akin (responsable de títulos como “Contra la pared”, 2004 o “Al otro lado”, 2008), nació con el objetivo de promocionar a todas aquellas películas innovadoras, originales y diferentes (habitualmente óperas primas) cuyas peculiares características dificultan su acceso al mercado cinematográfico. Es por ello que el premio principal de esta sección facilita a la cinta ganadora su distribución en las salas francesas.

-Gran Premio: “Tulpan” (2008) de Sergey Dvortsevoy / Kazajistán

Dvortsevoy narra, a través de bellísimas imágenes de su país, la historia de un joven que para convertirse en pastor nómada deberá conquistar el amor de Tulpan.

-Premio del Jurado: “Tokyo Sonata” (2008) de Kiyoshi Kurosawa / Japón

Kawaga ha sido despedido de su trabajo, pero ocultará este hecho a su familia provocando una crisis cuyas consecuencias serán impredecibles.

Curiosamente el argumento de la película de Kurosawa (nada que ver con el genio Akira Kurosawa) nos recuerda a “El empleo del tiempo” (2001) del ganador de la Palma de Oro de este año Laurent Cantet.

-Premio Coup de Coeur (Flechazo): “Wolke 9” (2008) de Andreas Dresen / Alemania

Después de más de 30 años de matrimonio con Werner, Inge se enamora de Kart, un hombre de 76 años con el que volverá a sentir la pasión (con escenas de sexo más que explícitas) de la juventud. Todo se complicará cuando Inge decida confesar su infidelidad a Werner.

-Premio K.O.: “Tyson” (2008) de James Toback / USA

Fatih Akin decidió crear expresamente el premio “K.O.” para galardonar este documental sobre la vida del famoso y controvertido púgil.

-Premio de la Esperanza: “Johnny Mad Dog” (2008) de Jean-Stéphane Sauvaire / Francia

Basada en el libro homónimo de Emmanuel Dongala y en el reportaje fotográfico de Patrick Robert, Sauvaire realiza este docudrama que pretende reflejar la vida de los niños soldados de cualquier país africano. Impresionante historia de drogas, lavados de cerebro, violaciones de unos críos que “juegan” a la guerra sin ser conscientes de lo que es la muerte.

Premios de la Quincena de Realizadores

Organizada por la Société des Réalisateurs de Films, esta sección se encarga de promover a directores noveles y/o a películas “diferentes”.

-Premio Label Europa Cinémas: “Eldorado” (2008) de Bouli Lanners / Bélgica

Premio que concede la cadena de cines Label Europa Cinémas, a la mejor película europea presentada en esta sección.

“Eldorado” narra la historia de Yvan, un comerciante de coches de época que sorprende a un muchacho que intenta robarle. Yvan no denunciará a Elie, sino que llevará al joven de vuelta a casa de sus padres, a modo de road movie, a bordo de su viejo Chevrolet.

-Premio Regards Jeunes: “Eldorado” (2008) de Bouli Lanners / Bélgica

Premio que reconoce la mejor ópera prima o segunda película.

-Premio SACD (Sociedad de autores y compositores dramáticos): “Les Bureaux de Dieu” (2008) de Claire Simon / Francia

Simon situa su película en un centro de Planificación Familiar en el que se dan cita distintas mujeres con distintas historias.

-Premio CICAE (Salas de Arte y Ensayo): “Blind Loves” (2008) de Juraj Lehotsky / Eslovaquia

“Blind Loves” describe, casi a modo de documental, la vida cotidiana de una pareja de ciegos y como uno de ellos crea un mundo paralelo en el que evadirse.

Premios de la Semana de la Crítica

-Gran Premio: “Snijeg” de Aida Begic / Bosnia

Los habitantes de un pequeño pueblo se debaten entre vender sus tierras y emigrar o quedarse en un lugar azotado por la guerrilla y la dureza del campo.

-Premio SACD (Sociedad de autores y compositors dramáticos): “Moscow, Belgium” (2007) de Christophe Van Rompaey / Bélgica

Un leve accidente de tráfico en el aparcamiento de un supermercado es el punto de partida de la historia de amor entre Matty, una madre de tres niños, y Johnny, un conductor de camiones.

-Premio ACID/CCAS (Otorgado por la Asociación de Cine Independiente para su Distribución): “Moscow, Belgium” de Christophe Van Rompaey / Bélgica

La Asociación de Cine Independiente para su Difusión (Association du Cinéma Indépendant pour sa Diffusion, ACID) es una organización creada en 1992 por cineastas que “rechazan la perspectiva de un cine regido por un modelo único, excluyendo progresivamente toda expresión y toda difusión de cinematografías independientes”.

-Premio OFAJ/TV5 MONDE de la Joven Crítica: “La sangre brota” (2008) de Pablo Fendrik / Argentina

Este premio está concedido por estudiantes de secundaria alemanes y franceses y supone la financiación publicitaria del estreno para el distribuidor que compre los derechos de exhibición para Alemania y Francia.

Los protagonistas de “La sangre brota” son una familia compuesta por un taxista, su mujer y sus dos hijos. El mayor de ellos vive en Houston y un día llama a su padre pidiéndole 2.000 dólares con los que poder salir de un apuro, el problema es que sólo dispone de 24 horas para conseguir el dinero.

Premios de la crítica FIPRESCI (Concedidos por la Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica)

-Competición oficial: “Delta” (2008) de Kornél Mundruczó / Hungría

Mundruczó nos introduce en una historia digna del mejor Shakespeare. Un hombre asiste al entierro de su padre después de permanecer desterrado por su madre durante veinte años. Su vuelta le permitirá conocer a su hermana iniciándose así una incestuosa relación amorosa. Tras descrubrir que el padre ha sido asesinado por su madre y su amante, ambos deciden vengarse.

-Un Certain Régard (Una cierta Mirada): “Hunger” (2008) de Steve McQueen / Gran Bretaña

-Quincena de realizadores: “Eldorado” (2008) de Bouli Lanners / Bélgica

Premio del jurado ecuménico

El Jurado Ecuménico del Festival de Cannes premia cada año, desde 1974, los valores humanos y espirituales de una de las películas de la competición. Los miembros de este jurado son siempre profesionales del cine además de "cristianos comprometidos" con la iglesia católica, protestante u ortodoxa, abiertos al diálogo con otras religiones.

“Adoration” de Atom Egoyan / Canadá

El director canadiense de origen armenio que ha dirigido, entre otras, películas como la sensual “Exótica” (1994), la magnífica “El dulce porvenir” (19997), la inquietante “El viaje de Felicia” (1999) o la testimonial “Ararat” (2002), fue galardonado por esta historia que tuvo como leit motiv la noticia real de un terrorista jordano que colocó una bomba en el equipaje de su novia embarazada. A partir de este hecho, Egoyan teje un entramado que protagonizan una profesora de instituto y uno de sus alumnos.

Briony    

The Hollywood Forever cemetery hosts Cinespia every summer. It's an event where you pack a picnic, kick back on the lawn and watch a movie in the cemetery - obscure indie flicks, classics, horror, etc. Last Saturday, they featured "The Hunger" (1983), a Tony Scott (brother to Ridley Scott) movie about vampires.
First off, this movie is very dated. VERY dated. It was so obviously 80's that you could hear snickers all over the lawn as one bad 80's fashion after another appeared before our eyes. Tacky sunglasses, lamè trench coats, shoulder pads the size of Texas...oh and talk about promoting chain-smoking. Geebus.

Anyways, on to the plot...erm, or what passes as a plot. I'm still not quite sure what the movie was about. From what I could understand, there were two vampires, Miriam (Deneuve) and John (Bowie). John starts aging rapidly and seeks the help of Dr. Sarah (Sarandon). Sarah doesn't believe him but when she sees him again after several hours and sees how he has aged, she gets curious and goes looking for him. She encounters Miriam, who seduces her and turns her into a vampire as well. Sarah doesn't take well to it and stabs herself. Miriam's old lovers who she boxed up when they became old come after her and for some reason, Miriam also ages rapidly while her previous companions all turn to dust. Then we see Sarah alive and well and a box presumably with Miriam in it. The end.

"The Hunger" was one of those films that got caught up in trying to be "artsy" and "cutting edge" and ended up failing because it tried too hard. It was slow, confusing, poorly developed, and ended up being outright ridiculous in some parts. Instead of dialogue, Scott tried to use "symbolic" cut scenes in some places to convey mood or meaning. However, all he succeeded in doing was inserting cutaways that seemed silly and random.

With minimal dialogue, the characters weren't really developed. You didn't really care for any of them nor did you know any of them either. The story was also disjointed to the point that some scenes became almost implausible, especially the part where Miriam seduces Sarah during their 2nd meeting. It almost seems like they did that only to allow for the lesbian sex scene so there was some "shock" value to this film. They never explained where Miriam came from other than a flashback to her dressed as an Egyptian queen feeding on presumably her husband. They mention that the vampirism was a result of some sort of blood infection but never brought it up again. They never explained why Miriam's lovers all reached a point of rapid aging. A lot of things were left unanswered but by the end of the movie, you were so lost and over it that you just didn't care.

One personal point of annoyance: for having his name listed 2nd in the credits, Bowie had very little screen time.

As one audience member put it...
*detective in the movie*: "Hello? Hello?"
*audience member*: "My thoughts exactly!"

O sa vedeti. Sa ajungi la 65 de ani, dupa o cariera, oricum, de apreciat, sa faci pe vedeta cerand sa poti sa fumezi peste tot si sa fii, in acelasi timp, militant feminist, luptator pentru drepturile omului si impotriva pedepsei cu moartea e ipocrizie.

Aceeasi ipocrizie care ii face pe liderii europeni sa emita tot felul de legi care incalca drepturile fundamentale ale omului, zicand ca astfel au grija de oameni.

Probabil ca impozitele societatilor de asigurari sunt mai mari decat ale producatorilor de tigari, la fel cum mi se pare evident ca schimbarea masinii la fiecare aparitie a unui nou standard euro aduce mai multi bani, nu mai putina poluare.

Nu trebuie sa fii mai inteligent decat functionarimea franco-germana de la Bruxelles pentru a intelege ca a produce o masina noua la fiecare 2-3 ani polueaza mai mult decat masina cea veche.

La fel cum nu trebuie sa fii mai inteligent decat C.D. pentru a intelege ca fumurile de starleta si premiul pentru intraga cariera se potrivesc ca nuca'n perete.

Podul de flori. Nu sunt fan documentare decat in perioada zen a vietii mele, in care am rabdare de chestii de genul asta. Culmea, filmul lui Thomas Ciulei mi-a placut la nebunie. Poate pentru ca era dimineata. Nu stiu sa scriu despre filme, caci daca as avea idee cum se face asta, probabil as face cronici, nu reportaje. Insa, pot spune ca ceea ce mi-a placut mie extrem de mult au fost cadrele in care focusul era pe o chestie absolut banala, desi in blurul din spate distingeai ceva mai plin de actiune (he, nu-i asa ca oamenii care scriu despre film nu se exprima in halul asta?). Probabil ca o sa ruleze si in cinematografele din Bucuresti si il recomand calduros oamenilor care se duc la film de dragul artei, nu pentru a fi vazuti la mall.

Pe la pranz a urmat o conferinta de presa la care am ras cu o pofta nebuna, asemanatoare cu cea de la Little Miss Sunshine. De ce? Pentru ca pentru a cinspea mia oara am inteles ca regizorii din Romania au mai mult umor decat ziaristii. Bonus: trailere de la TIFF, pe care le gasiti pe you tube.

Preferatul meu este cel al lui Caranfil: http://www.youtube.com/watch?v=xY3VvjVZEFw

Am vazut Boogie si Megatron si nu neaparat in ordinea asta. Nu m-au dat pe spate, neaparat, dar consider ca merita ambele vazute. Boogie are destul de mult umor incat sa te faca sa te dezlipesti de emisiunea lui Brancu ca sa dai o raita la cinema.

Am bifat Les temps qui changent al lui Andre Techine, cu Deneuve si Depardieu. Catherine a fost in sala de la Republica si a vorbit despre acest film al ei, iar publicul i-a putut admira in voie chilotii ce se vedeau prin rochia transparenta. De remarcat ca nu a fluierat nimeni. Filmul m-a prins, atat pe mine, cat si pe colegii mei, drept pentru care, desi la ora 8 trebuia sa fim la Teatrul National, la Gala, am preferat sa alergam pana acolo, ca sa vedem filmul pana la capat. La gala am ajuns la ora 8 fix, transpirati, obositi, cu sireturile desfacute, gafaind. Dupa care l-am asteptat pe Basescu inca juma de ora.

Pe la jumatatea evenimentului cu pricina, in cardasie cu Elena de la MC si Eliza de la JN, am zbughit-o intr-o cursa nebuna catre Arta, sa vedem Cold Waves. Si l-am vazut, doar ca spre final am adormit. Poate ca de aia mi-a placut mai mult Delta, despre care urmeaza sa povestesc in episodul 3.

When I read the obits and death notices in the paper I notice a lot of "celebrations of life" rather than funerals, as though the sadness and loss can be chased away by some funny anecdotes and a sing along. I think a funeral and all the heaviness that goes with it might have some value. Because let's face it: when you die, you are gone forever and that sucks.

So back to the Yves Saint Laurent funeral. It looked very French and very formal. Mourners lining the road, navy suits and black ties, flag draped coffin, sunglasses, cathedral. As it should be. I think it expressed the importance of the man and the importance of the loss. There is a place for formality, for tradition and for ritual. For me, funerals are one of the last places where I think these traditions actually help people cope. Funerals do not try to put a sunny face on death.

On a fashion note (this was a fashion funeral after all) I think Claudia Schiffer and Catherine Deneuve looked fantastic. France has incredible florists as evidenced by Catherine Deneuve's wheat sheaf. Ines De La Fressange also looked great, but alas, no good photos.

1968 ferve no mundo: é o ano de Barbarella, a heroína intergaláctica e sexy de Roger Vadim, da burguesa Séverine de Bela da Tarde, de One plus One de Godard. O álbum branco dos Beatles é lançado, e é o ano dos hippies, de Hair na Broadway. E, claro, maio de 68 fica marcado como o ano em que os estudantes lutaram por um mundo melhor - ou o que eles consideravam um mundo melhor.
1968 também ferve no Brasil. O AI-5 aperta, a luta armada contra o regime militar encontra seu ápice. Roda Viva é montada no teatro. Beto Rockfeller subverte a linguagem da novela, se afastando totalmente do dramalhão e trazendo o mundo da dramaturgia televisiva para a "vida real", com uma interpretação naturalista, inclusão de cacos e retrato de um mundo jovem e moderno. Além disso, Rockfeller é um protagonista anti-herói - assim como Macunaíma, no filme de Joaquim Pedro de Andrade. E assim como Jorge, o personagem do segundo filme de Rogério Sganzerla.
Um ano depois do Bandido da Luz Vermelha, personagem dos tablóides, ser preso, Sganzerla decide fazer um filme que tem tudo a ver com hoje - até hoje. 68 ainda não terminou, 40 anos depois? Ele incita o pós-dramático, ele traz uma estética que é inserida no Cinema Marginal mas também o ultrapassa. Em um momento de "consciência política" e "batalhas ideológicas", ele grita: "quando a gente não tem mais o que fazer... a gente avacalha!". Ali está o cômico sem ser fácil, e a reflexão sim, sobre jornalismo, sobre o momento histórico, sobre a condição do ser humano, sobre - quem diria - a guerra de classes, oui oui, e sobre... moda!

João Acácio, o verdadeiro Bandido da Luz Vermelha

Rogério Sganzerla tinha apenas 22 anos quando dirigiu Bandido. E ele era bem descoladinho, viu. Tanto que acabou conquistando e amarrando a mais descolada, Helena Ignez, linda, musa, ex de Glauber Rocha. Não é pouco! Esse grau de coolness acabou se transportando para o filme - não apenas na botinha branca Courrèges de Srta. Ignez (vulgo, no filme, Janete Jane), mas no figurino do Bandido.

Ninguém sabe quem é Jorge - e ele também não. Nos seus assaltos, ele não só usa a mulher (não perdoa a família), a cozinha e tudo o que existe na casa do assaltado, mas principalmente vai até o armário. A roupa é uma forma de adquirir uma identidade que ele não tem - a toda hora ele sofre de crises existenciais engraçadíssimas (mas não menos profundas). Ele se veste de maneira bem ousada - à moda da época - e, quando o filme termina (não vou contar o fim, mas é um momento crucial)... repare: ele está inteiro de branco! Identidade perdida - ou encontrada? Acredito que, por todos esses fatores, Bandido é um dos filmes mais importantes no que diz respeito a figurino masculino.

Isaura S/A se inspirou e usou, em seu processo, diversos filmes. Um deles é O bandido da Luz Vermelha. Quem quiser ir: esgotou as quintas, mas agora tem apresentações nas quartas do mês de junho, sem lista. Aparece que vale a pena.
Quem ainda não assistiu ao filme pode alugá-lo ou ver no cinema, hoje, às 17h.

Janeteeee!

Curiosidades:
. Segundo o livro Bordado da fama: uma biografia de Dener, Lenny Dale - homossexual militante que adorava um basfond feito de extravagâncias e frases polêmicas - era amante de ninguém menos que... o Bandido da Luz Vermelha, João Acácio Pereira da Costa.
. O filme participou do quarto Festival de Brasília, em 68. Ganhou prêmio de melhor diretor, montagem, filme... e figurino! No ano seguinte, quem ganhou na categoria Melhor Figurino foi Macunaíma.
. Ivi diz que aquele lenço na cara é Justin e caubói. Pois pra mim é super Bandido da Luz Vermelha. Eu adoro. Originalmente, João Acácio realmente usava um lenço amarrado no rosto e uma lanterna com bocal vermelho - assim como outros bandidos. Cinema marginal rules!
. Diz que João Acácio, assim que foi solto em 1997 (e antes de morrer assassinado, em 98), tinha fixação por usar roupa vermelha. Quando pediam autógrafo para ele, o cara assinava "Autógrafo" no papel. Fala se você não achou mais cool que a Mallory Knox!
. Além de participar de Profissão: Repórter, da Globo, Felipe Gutierrez faz o papel do jornalista que enche o saco de J. B. da Silva, o Rei da Boca. OK, brincadeira, não é o Gutierrez, mas o cara é superparecido, até no jeito de falar! Repara! E sabe quem é o cara? Por essa o nosso Guti não esperava... Ezequiel Neves, aquele do Cazuza. RISOS.

Fotos: as duas primeiras, de João Acácio, são da exposição Imagens de fato: 80 anos da Folha.

Yves Saint Laurent Photo by: Eliot Press / Bauer-Griffin

Mourners from fashion, politics and show business including French President Nicolas Sarkozy, his wife former Saint Laurent model Carla Bruni Sarkozy and actress Catherine Deneuve showed up to pay their respects.

Other designers, including Hubert de Givenchy, Karl Lagerfeld, Jean-Paul Gaultier, Christian Lacroix, and Sonia Rykiel, were also there to remember their colleague. Throngs of people in the street followed the funeral and a tribute to the designer himself on a giant television screen.

Pressed against the barricades outside the Église St. Roch on the rue de Faubourg Saint Honoré, a church located just around the corner from where Saint Laurent began his Paris career in the early '50s, the crowd applauded when screens showed his 2002 farewell fashion collection. Shortly afterward, they hushed when the designer's oak casket was carried up the church steps.

In a ceremony orchestrated by Saint Laurent's longtime partner Pierre Berge, a string quartet played while guests took their seats in the church decorated with jasmine and white lilies. The 800 invitation-only attendees included former Saint Laurent models Ines de la Fressange and Jodie Kidd. The designer's own 94-year old mother and his sister were seated alongside France’s former first lady Bernadette Chirac and Paris Mayor Bertrand Delanoe.

The funeral included a eulogy from Berge and a reading of a Walt Whitman poem by Deneuve.

In accordance with his wishes, Saint Laurent will be cremated and his ashes placed to rest in Morocco's Majorelle Gardens. The garden borders a property in Marrakesh, which Saint Laurent (who was born in Algeria) and Berge bought in 1980. Berge told reporters on Monday that Saint Laurent "spent a great part of his life in Morocco. He will finish there, in a country which greatly influenced him, marked him very much. He'll wind up in the North Africa where he was born."

From People

From European Pressphoto Agency

La instantánea, que muestra al director sentado con un guión en sus manos mientras conversa con su hija Sofia, ha sido realizada a las afueras de Buenos Aires, donde el cineasta se encuentra rodando 'Tetro', su nueva y esperada película y según sus propias palabras, una película semiautobiográfica. En Tetro, Coppola contará los días de una familia de artistas italianos, inmigrantes en Argentina.

Catherine Deneuve

Keith Richards

André Agassi y Stefi Graf

Mijail Gorbachov El ex presidente soviético posa delante del Muro de Berlín para una campaña de Louis Vuitton

Catherine Deneuve, Keith Richards, André Agassi, Stefi Graf y Mijail Gorbachev son los grandes nombres provenientes del cine, la música, el deporte y la política que han sido fotografiados por Annie Leibovitz para Louis Vuitton han engrosado sus filas con una magnífica pareja de cineastas.

The Whiz Kids Scorcese, Lucas, Spielberg, Coppola, 1996

En esta fotografía os muestro otra obra de Leivobitz reuniendo a lo mejor de lo mejor de Hollywood aunque nada tiene que ver con la campaña de Vuitton, sólo mencionar que Leivobitz y Coppola no es la primera vez que están detrás y delante de la cámara, respectivamente.

Alfred Hitchcock, el auténtico Sir Alfred, no sólo es un cineasta capital para la Historia del cine y del arte del siglo XX por la inmensa calidad de su trabajo, sino también por lo que su figura supuso para la industria del cine como creador capaz de cubrir todos los aspectos de la producción cinematográfica, desde la técnica a la escritura de guiones, desde la publicidad al control financiero, llegando a ser uno de los primeros directores capaces de convertirse en productor de sus propias obras, e incluso, cosa realmente insólita, en constituirse en propietario del negativo de sus propios films. Sin embargo, su audacia, su enorme capacidad, su talento, no estuvieron libres de fracasos, de proyectos que nunca vieron la luz, de frustraciones y derrotas creativas al intentar llevar a la pantalla historias que nunca salieron adelante. Repasamos las más importantes:

Number thirteen: en 1922 Hitchcock se encontraba dando los primeros pasos para superar su condición de rotulista y responsable de dibujos de los estudios filiales de la Paramount en Londres y poco a poco intentaba convencer a los productores de que era capaz de escribir guiones y además de dirigirlos. Su primera película, Woman to woman, vino precedida de un fracaso al rodar una historia escrita por una empleada de los estudios antigua colaboradora de Chaplin que no pasó de dos rollos de filmación ante el abandono del inversor norteamericano de los estudios. La película, inacabada, durmió para siempre el sueño de los justos.

Titanic: en 1939 los últimos éxitos de Hitchcock en el cine británico y su proyección internacional le habían asegurado un contrato con el magnate David O. Selznick, productor de Lo que el viento se llevó, para su desembarco en Hollywood y el rodaje de una película sobre el hundimiento del famoso transatlántico. Hitchcock, nunca convencido del todo de lo ajustado de ese proyecto a sus intereses y métodos de trabajo, era más partidario de rodar Rebeca, sobre la novela de Daphne du Maurier cuyos derechos ya habían sido adquiridos. Durante el año que faltaba para su incorporación efectiva a Selznick International, Hitchcock, mientras rodaba Posada Jamaica para matar el tiempo, intercambió frecuentes comunicaciones con Selznick, y tras varios tiras y aflojas y un complicado intercambio de impresiones con un hombre tan controlador y temperamental como Selznick, con el que Hitchcock nunca se entendió, el Titanic se hundió. Hitchcock debutó en Hollywood con la más inglesa de sus películas americanas.

El naufragio del Mary Deare: en 1958, entre Vértigo y Con la muerte en los talones, Hitchcock coescribió con Ernest Lehman una historia sobre un carguero que es descubierto con un solo tripulante a bordo en medio del Canal de la Mancha. La historia, inspirada en el hecho real de un yate encontrado en pleno Atlántico sin un solo pasajero pero con señales evidentes de estar tripulado e incluso con comida humeante recién servida en los platos nunca fue rodada por el recelo de Hitchcock ante la idea de empezar un film con una intriga en un punto tan álgido que el resto del metraje no pudiera estar a la altura.

La pluma del flamenco: delirante intriga sobre un grupo de indígenas adiestrados por agentes rusos con fines indescriptibles, Hitchcock abandonó la idea de rodarla justo después de haber cancelado El naufragio del Mary Deare cabreado ante la serie de contingencias que le impedían realizar sus propósitos: la falta de población indígena para sumar un número importante de figurantes, la falta de vestuario adecuado (curioso que la vestimenta tribal "típica" de los indígenas sudafricanos hubiera de ser transportada desde Estados Unidos), los exteriores similares a los californianos que le evitaban rodar en África...

Los tres rehenes: primero de los proyectos tras Marnie, la ladrona (1964), se basaba en otra obra de John Buchan, el autor de 39 escalones, llevada al cine por Hitchock en 1935 y tenía que ver con el mundo de la hipnosis. La trama enfrentaba al gobierno británico con un grupo de espías que secuestraba a los hijos de varios mandatarios para chantajear al Estado. Richard Hannay, el personaje protagonista de 39 escalones que encarnó Robert Donat, sería de nuevo quien hubiera de salvar la situación junto a Medina, un tipo sombrío que en realidad sería un doble agente y estaría tratando de hipnotizar a Hannay, quien, dándose cuenta de la argucia, se haría el hipnotizado incluso imitando a perritos en situaciones cómicas. La trama llevaría a Hannay desde los barrios pobres de Londres a los fiordos noruegos. El proyecto nunca salió a flote por la dificultad de mostrar la hipnosis en la pantalla. Según Hitchcock, no era posible separar visualmente lo que era una hipnosis cierta de una fingida, y por tanto sentía que el público creería que se le tomaba el pelo. Hoy en día se echa mucho en falta este grado de respeto al público.

María Rosa: segundo proyecto tras Marnie, era una historia sobrenatural sobre un soldado que descubre, gracias a los padres de su prometida, que ésta desapareció de niña por unos días en una isla de Escocia, que no recuerda nada de su experiencia, pero que nadie supo qué pasó ni dónde estuvo. Cuando una vez casados, ella le sugiere ir a esa misma isla de vacaciones, él cede por temor a refrescarle un recuerdo traumático olvidado, y ella vuelve a desaparecer, y su familia, tras años de búsqueda y de espera, termina por olvidarla. Años más tarde, aparece de nuevo en la isla sin que el tiempo haya pasado por ella. Cuando regresa a casa, su marido es un anciano y sus hijos son mayores. Fallecida, su fantasma habitará la casa familiar. Es el componente sobrenatural lo que hizo a Hitchcock desestimar el rodaje de la historia.

R.R.R.R.: tercer proyecto tras Marnie, escrito en colaboración con los guionistas italianos Age y Scarpelli, trataba de un emigrante italiano a Estados Unidos que, empleado como ascensorista de un hotel, lograba llevar con él a su familia siciliana. Compuesta ésta por ladrones, él intentaba evitar que su propia familia desvalijara el hotel y a sus huéspedes. Hitchcock abandonó la idea por la negligencia de los italianos en cuanto a la estructura cinematográfica. Un poco severo, Sir Alfred, más si cabe viendo los grandes genios que el cine italiano ha dado al cine.

Frenesí; primera versión de 1967: aunque luego titularía de este modo su película londinense de 1972, seis años antes concibió Hitchcock una modernísima y revolucionaria película sobre un estrangulador de rubias en Nueva York que, de haberse rodado, hubiera sido sin duda otra de las grandes obras maestras del mago del suspense. Hitchock la dejó de lado porque contenía ciertos puntos de conexión con Psicosis: joven traumatizado por su difícil relación con su madre estrangula chicas; una de ellas es una mujer policía utilizada como cebo para capturarlo. Sin embargo, los fotogramas descubiertos hace algunos años y sobre todo, algunos metros de película rodados por Hitchock nos revelan lo grande que pudo ser este proyecto: inteligente uso del color, escenas de sexo y desnudos integrales ¡¡¡¡en cine comercial de 1967!!!! Su posterior tratamiento en 1972 no lo desmereció en absoluto, pero siempre quedará la duda de en qué hubiera quedado tan excelente material.

The short night: Catherine Denevue y Walter Matthau primero, y Liv Ullman y Sean Connery después, sonaron para interpretar la que hubiera sido última película de Alfred Hitchcock en 1978 si su salud se lo hubiera permitido. Basado en un hecho real muy próximo a la historia que narra la hitchcockiana El hombre de Mackintosh (John Huston, 1975), la historia, que se habría situado en Finlandia, trataría de un espía inglés al servicio de los soviéticos que huiría de su prisión en Londres y se encaminaría a Moscú tras recoger a su familia en una isla del Báltico. Un espía norteamericano, enviado allí para capturar al doble agente, se enamoraría de su mujer y el drama giraría en torno al amor y el sentido del deber que culminaría en una persecución en un tren en la frontera de la URSS. La película nunca pasó de la pre-producción. Alma Reville, esposa de Hitchcock, había quedado impedida tras el rodaje de Frenesí seis años antes. Hitchcock apenas podía moverse ya por sí mismo, y aunque había hecho un viaje a Finlandia para rodar exteriores y una segunda unidad rodó varias escenas y planos por la costa, la película se perdió en los despachos, en la burocracia y en la eterna reescritura de un guión, de nuevo con Ernest Lehman, y nunca salió a flote.

Anna Karina, atriz estabelecida na França

Coco Chanel, estilista

Jean Seberg, atriz americana que passou um bom tempo na França e atuando em filmes franceses

Catherine Deneuve, atriz

Carole Bouquet, atriz

Brigitte Bardot, atriz e sexy simbol

Lou Doillon, atriz, filha de Jane Birkin

2007.  Rated PG-13.  France.  Out on DVD.  Written and Directed by Marjane Satrapi & Vicent Paronnaud.  Based on the graphic novels by Satrapi.  With the voices of Chiara Mastroianni, Catherine Deneuve, Danielle Darrieux, Simon Abkarian, Gabrielle Lopes & Francois Jerosme.

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Persepolis, which scored an Oscar nomination last year for Best Animated Feature, is a French film about an Iranian girl, Marjane Satrapi and her life growing up in Tehran, and later Vienna.  It stirred some controversy when the current Iranian government protested its showing at the Cannes film festival, but the furor died down a bit, I think, when people realized it's not a particularly controversial film.  Sure, it criticizes some past governmental actions and shows the downsides of a repressive society, but it's more a film about the character and her experiences.

The story, told in a series of vignettes, is essentially broken into three parts, beginning with Marjane's childhood, the second her adolescence and the third her young adulthood.  The first, covers her childhood during the revolution and then the Iran/Iraq war, is a lot more plot-driven and although it's fairly interesting from a historical point of view, Marjane is just so brutally annoying as a child.  Kudos to her for showing herself in an unflattering light, but it was definitely a distraction to an otherwise strong segment.

The second focuses on a more universal theme of Marjane going through adolescence not knowing where exactly she fit in.  It focuses on her relationships, both with her friends and her first loves, and this was when I found her most interesting as a character.  The third segment covers her young adulthood, and was probably the weakest of the three.  A sequence set to "eye of the tiger" absolutely did not work, and none of the film's strongest vignettes were featured in this time period, which kind of led the story to go out with a whimper.

As far as the look goes, my first thought about the animation style was, "this is like a graphic novel come to life," and then, of course, after watching it and reading about it, I realized it was indeed based on a series of graphic novels by Satrapi.  The majority of the film is in black and white,  with small snippets in color and the visuals, though simple by Pixar standards, are definitely nice to look at.

There are some strong moments, and it's certainly an interesting and unique film, especially to an American audience, but parts of it just did not hold my attention well.  Yes, I know it's a memoir, and ostensibly it is staying true to her life and not making it a Hollywood version, but I did not find her character very compelling nor did she show much development.  I realize not every movie needs to involve the main character learning or growing, but the nature of a movie made up of vignettes without a really strong arc is that some will be hits and some will be misses.

It is worth seeing, if only because it tells a story pretty foreign to most people and does so with nice visuals in a mostly interesting way.  It also gives an authentic look into a country whose relations with ours will only grow more important, and humanizes its people - for that alone, it is a worthwhile endeavor.

Grade: B

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