La campaña es famosa por el trabajo del grupo (keyword: grupo) del talentoso Erik Vervroegen, mismo que pertenece a las filas de TBWA/France desde hace algunos ayeres al igual que esta cuenta pro-bono.

Este follow up revive la gloria de una campaña que ganó oro en la categoría Film en el Festival de Cannes 2007 bajo el mismo claim.

Remember:

En aquella ocasión –e incluso ésta-, la línea de pensamiento y eje principal del brief era “Tu firma es más poderosa de lo que crees”, y dicha línea no cambia en lo absoluto pero sí el estilo gráfico del comercial, que siendo tan largo para la actualidad no pesa debido a las atinadas "soluciones" que se le dan a los personajes:

En esta ocasión, la versión de Film tiene un muy diferente tratamiento gráfico que se antoja más dinámico que el anterior, sin embargo y sin demeritar la nueva versión (que es magnífica) yo me quedo con la primera.

Adicionalmente pienso que dichos tratamientos gráficos obedecen a que como es una campaña pro-bono y es un gasto que solventa directamente TBWA, tampoco se pueden dar el lujo de hacer una super producción; sin embargo me parece una decisión acertada; siempre será mejor ver torturar a ilustraciones que a gente real, e incluso se le puede acercar bastante al impacto que genera.

Vamos falar do filme. O começo é um pouco devagar, mas já mostra a diferença na mão do diretor, na maneira de como ele conduz o filme, com cortes diferenciados, meio que com sobreposição de imagens. Os atores estão bem entrosados, Jude Law e Norah Jones conseguem passar o que os personagens sentem. A história tem seu contorno definido quando o personagem de Norah Jones aparece em um bar à noite para perguntar sobre um namorado, se ele havia aparecido com outra mulher, como ela era. Após esse detalhe ela deixa a chave da casa do – agora – ex-namorado no bar e o proprietário do estabelecimento – vivido por Jude Law – a guarda em um pote onde ele costuma deixar todas as outras que já foram deixadas ali. A partir daí Norah começa a ir ao bar do “amigo” todas as noites e comer uma torta que sempre sobra ao final do expediente – Blueberry Pie –. Após alguns dias nessa história Norah sai em uma viajem para o outro lado dos Estados Unidos, já que agora está tentando entender o fim do sentimento que ainda tem pelo ex, para se distanciar do sentimento que ela ainda tem pelo seu ex.

Após esses detalhes, ou durante a explanação da idéia do filme, fica perceptível como as mulheres gostam de sofrer. E por que não os homens? Enquanto a personagem de Norah se “castiga” pelo relacionamento que não deu certo, existe outro personagem - vivido por David Strathairn, vocês devem se lembrar dele de Boa Noite e Boa Sorte – que sofre por um amor que, pra ele, ainda não acabou. Na soma de toda a trama, após algumas reviravoltas e alguns momentos sem entender o que realmente o diretor queria dizer, como o período da viagem em que o personagem de Norah fica sem comunicação com Jude Law. Fora esses detalhes esse é um filme que vai adquirindo cores e peças que vão se encaixando bem lentamente. E isso permite várias interpretações, todas interessantes. Creio eu. O elenco é composto por vários atores bons como Natalie Portman – lindíssima e mostrando uma boa interpretação – o que dá ainda mais realidade a história do filme. O diretor abusa de tempos diferentes, de cortes não tradicionais, colagens, cor e imagem. Um filme com cara Cult. Uma produção que aguça as interpretações do espectador.

A película ainda me fez pensar nas interpretações do amor, pois como esse sentimento pode ser tão estranho. Algo que chega ao extremo de fazer com que uma pessoa queira alguém só para ele, a ponto de não aceitar o fato de não conseguir viver sem. Ainda, em certos momentos do filme tensão é a palavra que define o que está acontecendo . E mesmo com esse nome tão – Beijo Roubado – sugestivo, eu acho que esse não é um filme para namorados, pois ele exige conclusões solitárias de alguém pensativo frente à telona.

Com Norah Jones no elenco não poderíamos deixar de comentar também a trilha sonora. Que tem um fator diferencial, ficou a cargo da cantora e agora atriz. Ela conseguiu mostrar que é uma pessoa bem eclética. Norah mesclou jazz, blues e algumas pitadas de pop que são ouvidos em momentos oportunos e dão um toque a mais para as cenas.

Sobre o nome do filme, na tradução para o português, só é possível compreendê-lo de uma maneira mais completa no final da película. Sem contar que em entrevista de Jude Law à revista Elle, o ator contou que Wong Car Wei fez com que a cena fosse repetida mais de 100 vezes até que conseguisse a estética que queria passar para as telas. É um filme interessante e Wong consegue mostrar que – em seu primeiro filme fora da China - também sabe contar histórias para o ocidente. Isso tudo com uma visão mais apurada do que a de muitos diretores já acostumados com a linguagem cinematográfica desse lado do planeta. O que já era de se esperar. E mesmo com esses diferenciais a história consegue passar tudo com uma pegada simples e interessante para o público convencional.

Terminou ontem, 25 de maio, a edição 61 do Festival de Cannes, que ocupava o balneário francês desde o dia 14.

Entre os vencedores, selecionados pelo júri presidido por Sean Penn, está a brasileira Sandra Corveloni, pelo novo filme Linha de Passe, de Walter Salles e Daniela Thomas.

O filme marca a estréia da atriz em longa-metragem, depois de atuações no teatro e em curtas. Ela interpreta Cleuza, empregada doméstica que criou sozinha os quatro filhos e está grávida novamente de mais um pai desconhecido.

“Para nós, foi uma surpresa maravilhosa. Linha de passe é um filme coral, mas Cleuza, o personagem de Sandra sempre foi o pilar da história, o ponto de intercessão de cada um dos destinos do filme. Sandra trouxe ao mesmo tempo uma densidade e uma luminosidade ao Linha de Passe que acabou irradiando por todo o filme. É muito importante ressaltar a importância de Fátima Toledo, que fez um trabalho de preparação tão extraordinário quanto incansável. Linha de passe, assim como seus personagens, teve que ser reinventado, Fátima sempre esteve ao nosso lado e nunca deixou de acreditar no filme – como Sandra”, comentarem, de Cannes, Walter Salles e Daniela Thomas.

Conheça abaixo todos os vencedores.

Prêmios principais

· Palma de Ouro: Entre les Murs, de Laurent Cantet.

· Grand Prix: Gomorra, de Matteo Garrone.

· Prêmio do 61° Festival de Cannes: Catherine Deneuve, por Um Conto de Natal (Un Conte de Noël), e Clint Eastwood, por The Exchange (Ex-Changeling).

· Melhor direção: Üç Maymun ("Os Três Macacos"), de Nuri Bilge Ceylan.

· Prêmio do Júri: Il Divo, de Paolo Sorrentino.

· Melhor Ator: Benicio del Toro, Che.

· Melhor Atriz: Sandra Corveloni, Linha de Passe.

· Melhor Roteiro: Le Silence de Lorna, de Jean-Pierre e Luc Dardenne.

Um Certo Olhar

· Un Certain Regard Prize: Tulpan, de Sergey Dvortsevoy

· Jury Prize: Tokyo Sonata, de Kiyoshi Kurosawa

· Heart Throb Jury Prize: Wolke 9, de Andreas Drese

· The Knockout of Un Certain Regard: Tyson, de James Toback

· Prize of Hope: Johnny Mad Dog, de Jean-Stéphane SAUVAIRE

Curtas

· Palma de Ouro para curta-metragem: Megatron, de Marian Crisan.

· Prêmio do Júri: Jerrycan, de Julius Avery.

Camera D´Or

· Câmera d’Or: Hunger, de Steve McQueen.

· Menção Especial: Ils Mourront Tous Sauf Moi de Valeria Gaï Guermanika.

Crimes contra crianças, diz Eastwood, "nos fazem questionar a humanidade". Nesse caso, a mãe da vítima "fazia parte de uma minoria, já que a voz de uma mulher não era muito ouvida naquela época", nota o cineasta. E o fato de ser "mãe solteira talvez não pegasse bem".

No longa, quando o filho questiona Christine (Angelina Jolie) sobre o pai, ela explica o desaparecimento dele como uma fuga da responsabilidade, "a coisa mais assustadora do mundo para algumas pessoas".

Jolie contou que, para interpretar "essa mulher moderna dos anos 20", ela se inspirou na própria mãe, que morrera meses antes das filmagens.

Casada com Brad Pitt e grávida de gêmeos (o casal teve a menina Shiloh e adotou o garoto vietnamita Pax), a atriz comentou que o fato de ser mãe a ajuda a imaginar o sofrimento da personagem, mas não era o bastante para compor o perfil.

Supervisora de uma companhia telefônica, Christine é chamada excepcionalmente ao trabalho, um sábado. Quando volta, o filho não está em casa.

A busca pelo garoto leva a mãe a desafiar a polícia de Los Angeles, num tempo em que "era particularmente corrupta", afirma Eastwood, acrescentando que "a história se repete de tempos em tempos".
Jolie também associa o passado aos dias de hoje nesse tema: "É encorajador ver uma história sobre alguém lutando contra a corrupção", disse.

Em "Changeling", uma voz contra a corrupção policial é a do reverendo Gustav Briegleb (John Malkovich), insistente na constatação de que "aqueles que deveriam nos proteger são os que nos brutalizam".

Para proporcionar um "final feliz" ao episódio e reabilitar a imagem, a polícia anuncia que encontrou Walter e entrega a Christine um garoto da mesma idade. Mas não é seu filho.

A "tenacidade" da mãe para comprovar o erro e conseguir que a polícia retome as buscas, "lutando sozinha contra a cidade toda", como cita Eastwood, completa a história.

Christine Collins faz em sete anos -a trama se encerra em 1935- o percurso de mulher comum à heroína estóica. "Falar a verdade é a maior virtude no planeta", diz Eastwood.

Nesse aspecto, "Changeling" dialoga com o concorrente belga "Le Silence de Lorna", dos irmãos Luc e Jean-Pierre Dardenne, exibido anteontem. A protagonista Lorna também vive um dilema moral envolvendo um crime. Ao denunciá-lo, ela arrisca colocar a própria vida em perigo. No caso de Christine, a vulnerabilidade é o preço de suas denúncias contra os abusos e a inépcia da polícia.

Competição

Dono de uma carreira extensa e sólida, o diretor poderia ter optado por exibir "Changeling" fora de competição. Mas foi o próprio Eastwood quem sugeriu ao festival incluí-lo (pela quinta vez) na disputa pela Palma de Ouro. "Já que Cannes tem uma competição, parece-me natural mostrar o filme nela. Se você vai ganhar ou não, é outra coisa", disse, acrescentando que a condição "hors concours" não deixa nenhum filme a salvo de uma reação negativa. Além da boa recepção na sessão para a imprensa, o filme foi muito elogiado nas versões online da "Variety" e da "Hollywood Reporter".

Eastwood, 77, fez piada com a própria idade diversas vezes durante a sua coletiva de imprensa, ontem. Quando seu aniversário (31/5) foi mencionado, ele disse: "Falta pelo menos uma semana. Me deixe em paz!". A auto-ironia de Eastwood contrastou com os derretidos elogios de Jolie ao diretor. Ela contou ter ficado "nervosa" no primeiro dia de trabalho com Eastwood e classificou-o como o mais atencioso dos cineastas.

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Cannes aplaude filme de Fernando Meirelles por cinco minutos.

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Fernando Meirelles (centro), com os atores Don McKellar, Alice Braga, Julianne Moore, e Gael García Bernal.

Eles posam na estréia do filme "Ensaio sobre a Cegueira", que abriu o 61º Festival de Cannes.

Poucas horas antes da sessão de gala de seu "Ensaio sobre a Cegueira", que inaugurou ontem o 61º Festival de Cannes, em competição pela Palma de Ouro, o cineasta brasileiro Fernando Meirelles dizia: "Ainda acho que esse não é um bom filme para abrir o festival", dada sua história pesadamente dramática.

O tempo provou que Meirelles não tinha razão. Quando terminou a projeção de "Ensaio..." no Palácio dos Festivais, às 22h11 (17h11, no horário de Brasília), a platéia toda se pôs de pé e, nos cinco minutos seguintes, aplaudiu, voltada para Meirelles e sua equipe.

Foi a segunda vez na noite que o diretor recebeu aplausos de pé dos convidados internacionais do festival, como as atrizes Cate Blanchett, Faye Dunaway e Eva Longoria, que dividiam a platéia com boa parte do quem é quem do cinema francês.

A primeira ovação ocorreu quando o diretor chegou para a cerimônia de abertura, e sua presença foi anunciada pelo cerimonial, com a frase: "Senhoras e senhores, Fernando Meirelles". Entre uma e outra salva de palmas ao brasileiro, viu-se uma celebração ao cinema, em tom favorável aos autores que mantêm suas carreiras distantes do epicentro mercadológico da indústria (Hollywood), e seus filmes livres de ditames estéticos.

"Cartas de amor"

"O Festival de Cannes sempre seleciona grandes filmes. Vamos mandar cartas de amor a alguns deles, com o aviso aos distribuidores de que não são confidenciais", disse o ator e diretor norte-americano Sean Penn, que preside o júri desta edição. Em entrevista pela manhã, Penn ressaltara a pretensão de fazer com que os prêmios a serem concedidos por seu júri, no próximo dia 25, ajudem os filmes a "encontrar o seu público".

O ator francês Édouard Baer, mestre de cerimônias, citou a aparência de superficialidade que certos comportamentos em Cannes evocam -"os arrogantes, os que têm dentes sem sorrisos e sorrisos sem dentes"-, antes de enumerar filmes -como o vencedor de 2007, "4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias", do romeno Cristian Mungiu- e encerrar com um "obrigado ao Festival de Cannes por haver seqüestrado as maiores brutalidades do mundo, em benefício da mais singular beleza".

Quem declarou oficialmente aberto o festival foi o cineasta francês Claude Lanzmann, 82, que disse ter descoberto recentemente pontos de contato entre suas idéias de cinema e as do diretor americano Quentin Tarantino, cuja obra é antípoda da sua. "Assim como a humanidade é uma só, o cinema é um só."

Pela manhã, após a primeira projeção para a imprensa de "Ensaio sobre a Cegueira", que terminou sem reações de aplauso ou vaias, Meirelles e elenco falaram aos jornalistas.

Imaginação

O diretor citou o escritor português José Saramago, autor do livro no qual o filme se baseia. "Saramago disse que o cinema destrói a imaginação e [por isso] não queria vender os direitos do livro [para a adaptação]."

Na versão de Meirelles para a trama sobre epidemia de cegueira que atinge toda uma população, exceto uma mulher (vivida pela norte-americana Julianne Moore), há momentos de breu e outros de branco total na tela, deixando a imaginação do espectador livre para preencher as cenas.

O público conta, porém, durante todo o filme com o auxílio de um som límpido e audível até os detalhes, um recurso do diretor para mostrar como se aguçam os demais sentidos dos personagens recém-cegos.

O roteirista e ator (no papel do ladrão) canadense Don McKellar disse que era também preocupação de Saramago que o filme mantivesse "o caráter alegórico" do livro, "um verdadeiro sumário do milênio", na opinião de McKellar.

A Meirelles interessava abordar "a fragilidade da nossa civilização". Para o diretor, o livro de Saramago mostra que "nós nos consideramos tão sólidos, mas, quando uma coisa desaparece [a visão], tudo colapsa".

O ator norte-americano Danny Glover, intérprete do velho com a venda, foi o mais enfático ao associar a ficção à realidade, tomando como exemplo o furacão Katrina, ocorrido em 2005 nos Estados Unidos.

"O negócio com o Katrina não é o que o governo fez ou deixou de fazer. É que aquelas pessoas [atingidas pela devastação] eram invisíveis para nós, assim como são no Iraque ou em Darfur. Nós vivemos num mundo em que não vemos pessoas", afirmou Glover.

Regia: Wong Kar Wai                                                                                                                                                                  

Sceneggiatura: Wong Kar Wai & Lawrence Block

Soggetto Originale: Wong Kar Wai

Cast: Norah Jones, Jude Law, David Strathairn,
Natalie Portman, Hector A. Leguillow, Rachel Weisz

Carinissimo, non avevo mai visto niente del regista cinese Wong kar Wai, leggendo su internet ho scoperto che è il suo primo film diretto in occidente. Mi  ha entusiasmata molto la storia, l'ho trovata vera nella sua semplicità come semplice, quasi minimale ho trovato lo stile di Wong Kar Wai: l'uso dei ralenty e i lunghi momenti di silenzio, le immagini sfocate, l'uso quasi sempre di un ostacolo tra la macchina da presa e la scena (grandi finestroni, vetrine) rendono meravigliosamente l'atmosfera triste del film e lo stato d'animo dei personaggi, molto meglio di come avrebbero potuto fare, a parer mio, mille parole. Spettacolare!!! Un regista che approfondirò di sicuro.

Una piccola nota, oltre allo stupore di aver visto Norah Jones recitare che ho trovata deliziosa, un'interpretazione giustissima, va al Soundtrack di cui fanno parte due pezzi di Cat Power (che mi sembra di aver riconosciuto in una piccola parte del film ma non vorei dire sciocchezze) che sono assolutamente da ascoltare: The Greatest e Living Proof .

In corsa come miglior film all'ultimo festival di Cannes non si aggiudica la Palma d'Oro che va al rumeno "Quattro mesi , tre settimane e due giorni" di Cristian Mungiu ma di sicuro un film che farà emozionare parecchie persone!!

Io e la moneta siamo arrivati allo stesso punto”. Se questa frase, detta così, vi sembra incomprensibile, la capirete meglio dopo la visione del film premio Oscar 2008, Non è un paese per vecchi, che ha fruttato ai fratelli Coen anche la statuetta per la miglior regia. Cosa succede in un mondo in cui la vita e la morte possono essere decisi da un semplice testa o croce? Un mondo in cui la più spietata avidità prosciuga la coscienza? Ovviamente niente di buono. Come del resto, niente di buono viene fuori dall’inseguimento nel Texas meridionale di Lliewylin Moss (l’ottimo Josh Brolin), colpevole di aver trovato una valigetta piena piena piena di dollari. Roba che scotta. E che non è il solo a volere. Sulle sue tracce si metterà la furia di Chigurh - killer psicopatico incarnato splendidamente da Javier Bardem, anche lui fresco di Academy Award - ma anche una manica di messicani per niente convinti di lasciare il malloppo al tenace Lliewylin. Soldi, soldi, soldi. Soldi sporchi, per citare il titolo di un altro film (di Sam Raimi) in cui il denaro diventa motore di tragedia ineluttabile.

Pensando ai Coen, il riferimento più prossimo è ovviamente Fargo. E anche qui, come nel capolavoro che fruttò la seconda Palma d’Oro ai nostri eroi, da contraltare a un mondo senza pietà c’è la figura del vecchio sceriffo Ed Tom Bell (quanto è bravo, e sempre, Tommy Lee Jones!), così come in Fargo c’era la stupenda Francis McDormand, poliziotta incinta. Che alla fine faceva la domanda più bella e morale al povero killer superstite: “ne valeva la pena?”. Anche l’anziano Tommy Lee si fa molte domande. Solo che la fine del suo mondo è ormai cosa certa, non ha figli da destinare al futuro, e il suo pensiero è rivolto al passato o ai sogni cui ormai appartengono le sue idee di lotta e giustizia. Altra dissonanza parallela con Fargo è quella del paesaggio. Se lì la neve che tutto ricopre era metafora dell’avidità e della corruzione nascoste nel mondo domestico, qui il selvaggio paesaggio del Texas è aperta citazione della violenza maschile più “pura”, alla Peckinpah per intenderci. Il paesaggio fa riferimento al western individualista, senza più eroi o ideali, in cui ciò che conta sono solo la sopravvivenza e molti dollari in più.

Non è un paese per vecchi ha battuto, alla prova degli Oscar, il titanico P.T. Anderson de Il petroliere. Non deve sorprendere affatto, perché quello dei Coen è un film perfetto, compatto nella sua misura monolitica, perseguita senza remore dall’inizio alla fine, degna dell’oppressione sonora dei primi dischi dei Napalm Death. È un film capace di creare tensione perenne, da cardiopalma, fondato com’è su un gigantesco inseguimento tra motel, stazioni di servizio, cittadine anonime e vie silenziose. Quella terra di nessuno tra Stati Uniti e Messico in cui tutto è possibile, e la metamorfosi dell’uomo in animale cosa prossima. Nel film primeggiano alcune sequenze eccezionali, come quella della valigetta nel condotto d’areazione, incentrata sui due punti di vista “paralleli” di Bardem e Brolin. Tremenda, poi, la scena finale con la povera moglie di Lliewylin, e geniale la figura di Chigurh, un Terminator senza nessuna emozione, suprema incarnazione dell’inumano, incapace di sentire persino il dolore fisico. Con il suo caschetto sorprendente, le sue armi incredibili - ci metterete dei giorni a guardare una serratura come se nulla fosse - le sue battute fulminanti, Chigurh è il cuore (nero) del film, un personaggio veramente “alla Coen”. Estremo e ironico, capace anche di farci sorridere... ma a denti molto stretti. Insomma, film perfetto e di perfetta “tenuta” per due tiratissime ore. Il petroliere in questo proprio non riusciva, ma nel film di Anderson ci sono vette di cinema che rimangono impresse negli occhi, ed emozioni complesse che galleggiano nell’anima per giorni. Qui forse meno, ma l’armonia realizzata tra progetto e risultato è cosa preziosa, virtù essenziale, grazia raggiunta. Bisogna tenerne conto.

Non è un paese per vecchi (No Country for Old Men), di Ethan Coen e Joel Coen, USA, 2007, 122 minuti

Cast: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Woody Harrelson, Kelly MacDonald, Garret Dillahunt, Tess Harper, Stephen Root.

Distribuzione: Universal Pictures

Uscita: Cannes 2007, 22 febbraio 2008 (cinema)

"'XXY' cuenta el momento brutal y transformador en el que una adolescente se encuentra con su identidad", según Lucía Puenzo, que con el filme pone el foco en el "miedo a la ambigüedad genital", que no es más que "el miedo a lo diferente". El filme está basado un libro escrito por Sergio Bizzio, esposo de Lucía Puenzo, quien es a su vez hija de Luis Puenzo, el célebre director de 'La historia oficial'. Puenzo dio las gracias al recoger el premio a Sergio Bizzio y a su padre.

Se trata de la primera obra de Puenzo, de 31 años, que también es escritora y guionista y ha publicado 'El niño pez' y escrito 'La puta y la ballena'.

Protagonizada por los jóvenes Inés Efron y Martín Piroyansky y por Ricardo Darín, Valeria Bertuccelli y Germán Palacios, la película también ha sido premiada por la academia argentina de cine y en los festivales de Montreal, Valladolid, Bangkok, Edimburgo y Atenas.

web oficial de XXY

I picked up an older Creativy mag off my desk this past weekend and I was flipping through and found the ad above for BBC World. The ad is part of a series run in the United States to pitch BBC World as a news source. I just love these creatives, they are so poignant yet they don't offend but they do polarize and engage. I'm sure this is why they won a Cannes Lion 2007 Outdoor Gold.

Below is a list of links for the others in the campaign.

Check them out, which is your favorite?

bbc_world_citizens/criminals

bbc_world_befriend/beware

bbc_world_imminent/preventable

bbc_world_occupier/liberator

«Mi sento come se ci fosse qualcosa che non c’entra con la scuola, i genitori, o mollare una ragazza. Qualcosa di sospeso a metà», dice Alex all’amica Macy. E in fondo il film è il tentativo di afferrarlo, questo “qualcosa”. Di dirlo a qualcuno, visto che Paranoid Park è la scrittura di una lettera. Che si pensava indirizzata a un altro (Macy), ma che in realtà è indirizzata solo a se stessi. Il regista di Belli e dannati realizza con il suo ultimo lavoro il film più lontano che potessimo immaginare da quella meritatissima Palma d’Oro che è Elephant. Là il gelo dell’animo, raccontato con lunghi piani sequenza, privilegiando il piano americano e la figura intera, a modo suo corale ma soprattutto privo di adesione emotiva con chicchessia, con un sonoro del tutto alieno… e Beethoven che, con la Sonata al Chiaro di Luna e la celebre Per Elisa, sembra guardare gli uomini da distanza siderale. Il monolitico Elephant è l’anteprima di una strage assurda, consumata con freddezza, senza soggettive (se non quella sublime del primo colpo di fucile), senza movente e commozione. È vero: anche in Paranoid Park le cose non hanno una motivazione. E, ugualmente, il punto di vista di Alex non si afferma tramite l’utilizzo della classica soggettiva (mai). Ma le analogie finiscono qui, perché il film scava nell’animo di questo adolescente complesso con tutti i mezzi che un cineasta ha a disposizione. C’è da rimanere incantati pensando alla maestria raggiunta da Van Sant. Che maneggia come pochi sonoro (eccezionale), montaggio (dello stesso Van Sant), fotografia (di Chris Doyle) e tutta la sintassi che è possibile mettere assieme con una macchina da presa. Nel film prevalgono i piani medi, primi e primissimi piani, e il forte utilizzo del fuori fuoco (o degli adulti inquadrati senza volto) serve solo a illuminare il centro narrativo: Alex. Da notare poi le scene danzanti che ritraggono gli skaters: da elemento “sociologico” – come accade quasi sempre al cinema – in Paranoid Park diventano ritornello onirico e interiore. Così la musica, per qualsiasi adolescente compagna naturale d’esistenza, è usata senza ritrosie. Spiccano il canto di Elliot Smith, nei momenti più intensi e Nino Rota che dall’inconscio di Giulietta degli Spiriti balza direttamente in quello di Alex.

Il film è bellissimo e struggente. Un “racconto di formazione” insensato e tragico (forse l’unico possibile oggi), che osserva – facendo soffrire non poco lo spettatore – l’ingresso nella vita adulta di un ragazzino. Certo, l’episodio scatenante è eccezionale e clamoroso. Ma mette in moto quei sentimenti che segnano qualsiasi fine obbligata dell’onnipotenza infantile. Quando ci poniamo problemi che hanno a che fare con la responsabilità, la colpa, il senso delle azioni. Le due cose non sono scindibili e sono ugualmente importanti: Paranoid Park si sviluppa all’interno di un’assenza logica, perché la causa scatenante è un incidente che poteva non capitare, e non coinvolge alcuna intenzionalità. Alex, più che il suo omonimo di Arancia meccanica, sembra Edipo: colpevole e innocente a un tempo. Nonostante tutto questo, la nascita di un soggetto adulto, l’aurora dell’autocoscienza, è una possibilità data in Paranoid Park. Che è infatti il più bel ritratto di adolescenza che si sia visto in giro da anni. E Gus Van Sant (premiato ancora a Cannes con il premio speciale del sessantesimo) si sta guadagnando un posto di primo piano nel paradiso del cinema.

Paranoid Park, di Gus Van Sant, USA/Francia, 2007, 90 minuti

Cast: Gabe Nevins, Dan Liu, Jake Miller, Taylor Momsen, Lauren Mc Kinney, Olivier Garnier, Scott Green.

Distribuzione: Lucky Red

Uscita: Cannes 2007, 7 dicembre 2007 (cinema)

la prima am ras cu lacrimi cand am vazut-o primele 30 de ori. si a doua e surpriza. unu la mana pentru ca e in norvegiana, al doilea la mana pentru ca e superjmechera. pay off-ul la final zice ceva de genul: " exista tineri ingineri peste tot. abia asteptam sa se faca mari.

Innanzitutto, la storia, le emozioni, la tensione. Quando si ha qualcosa da dire, aiuta. E cosa c’è di più interessante di vedere le vite “degli altri”, di quelli che stavano dall’altra parte della Cortina di Ferro? Alla fine dei conti, ne sappiamo davvero poco ed è una vera fortuna che inizi ad esserci un cinema dell’est Europa. Mungiu ha voglia di raccontare le vicende del suo paese e con questo grande film mette la prima pietra angolare ad un progetto complesso intitolato “Storie dell’età dell’oro – una storia soggettiva del comunismo in Romania”. Ed è proprio la parola “soggettiva” ad essere al centro del progetto e di questo film. Ad essere la forza di 4 mesi, 3 settimane e 2 giorni. È l’accento sui personaggi (in particolare la protagonista Otilia) a determinare la cifra stilistica e l’impianto narrativo. Quel che Mungiu mette in scena e rende vive sono proprio le emozioni di Otilia e Gabita nella giornata più orribile della loro vita. Il loro disagio, la loro paura, sono il cuore del racconto, messo in scena con puri meccanismi di suspance, come se fossimo di fronte a un giallo. Il film è, così, tensione pura e basta vedere la camminata di Otilia nella notte ostile di Bucarest per capirlo. Sfondi perennemente fuori fuoco, azioni che si svolgono fuori campo, insistenza sui particolari per raccontare il tutto, uso encomiabile del sonoro, soffocamento dato da una fotografia su toni sommessi e grigi, capacità di comporre l’inquadratura in perfetta risonanza con la sensazioni di Otilia (non c’è niente di più claustrofobico della camera immobile durante la cena di Otilia con i genitori del fidanzato). Tutti strumenti di regia per metterci nei panni delle povere ragazze, per farci soffrire con loro.

Giocato sullo sfasamento e, addirittura, su alcuni momenti di humor nerissimo e dissonante, 4 mesi, 3 settimane e 2 giorni è un lavoro eccezionale, e fa venire in mente – non per stile, ma per l’urgenza del racconto e la capacità di dare densità sociale al privato – il cinema neorealista italiano. Non era forse una storia soggettiva del dopo guerra in Italia, quella dell’operaio Antonio Ricci di Ladri di biciclette? Fossimo in altri tempi, il film di Mungiu potrebbe elevarsi a classico. Speriamo insomma che il suo progetto prosegua, perché il primo film giustamente ha vinto il premio più prestigioso. Piccola nota polemica: il film è stato stroncato dall’Osservatore romano, come se l’aborto fosse il tema vero della vicenda. Ma, incomprensione per incomprensione, dell’ottimo lavoro di Mungiu va consigliata la visione a chi ha dei dubbi sulla legge 194.

4 mesi, 3 settimane e 2 giorni (4 luni, 3 saptamini si 2 zile), di Cristian Mungiu, Romania, 2007, 113 minuti

Cast: Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov, Alex Potocean, Luminita Gheorghiu, Adi Carauleanu.

Distribuzione: Lucky Red

Uscita: Cannes 2007, 24 agosto 2007 (cinema)

Agency: Wieden+Kennedy, Portland, USA
Executive Creative Director: Steve Luker
Creative Director: Steve Luker
Art Director: Mira Kaddoura
Copywriter: Alberto Ponte / Sheena Brady
Agency Producer: Robyn Boardman
Account Supervisor: Teri Fildey
Advertiser’s Supervisor: Adam Roth
Production Company: Smuggler, New York
Director: Ivan Zacharias
Producer: EP: Patrick Milling Smith/Brian Carmody/Producer: Nick Landon
D.O.P/Lighting Cameraman: Bob Raggozine
Editor: Filip Malasek
Post Production: Robota

Via

Category: Public Awareness Messages
Title: CHILDREN SEE, CHILDREN DO
Advertiser/Client: NAPCAN
Product/Service: CHILD FRIENDLY AUSTRALIA
Entrant Company: DDB SYDNEY
Country: AUSTRALIA
Advertising Agency: DDB SYDNEY
Country: AUSTRALIA
Executive Creative Director: Matt Eastwood
Creative Director: Steve Back
Copywriter: Charlie Cook
Art Director: Simon Johnson
Agency Producer: Sean Ashcroft
Account Supervisor: Shelley Marie-Sainte
Production Company, City: SOMA FILMS, Sydney
Country: AUSTRALIA
Director: Sean Meehan
Producer: Sam McGarry
Music - Artist/Title: Hilton Mowday
Sound Design/Arrangement: Speed Of Sound
Other Credits: Planner: Vanessa Graham

Category: Public Awareness Messages
Title: EXECUTIVE COW
Advertiser/Client: ZIJKANT
Product/Service: EQUAL PAYDAY
Entrant Company, City: MORTIERBRIGADE, Brussels
Country: BELGIUM
Advertising Agency, City: MORTIERBRIGADE, Brussels
Country: BELGIUM
Executive Creative Director: jens mortier/joost berends/philippe deceuster
Copywriter: antoine wellens
Art Director: mehdi dewalle
Production Company, City: CCCP, Brussels
Country: BELGIUM
Director: fien troch

Category: Fundraising & Appeals
Title: HOSTEL
Advertiser/Client: EYE BANK ASSOCIATION OF INDIA
Product/Service: BLIND WELFARE ORGANISATION
Entrant Company, City: CODE RED FILMS, Mumbai
Country: INDIA
Advertising Agency:
Country:
Executive Creative Director: Raghu Bhat/Manish Bhatt
Creative Director: Raghu Bhat/Manish Bhatt
Copywriter: Manish Bhatt/Raghu Bhat/Gajraj Rao
Art Director: Manish Bhatt/Raghu Bhat/Gajraj Rao
Agency Producer: Subrat Ray
Production Company, City: CODE RED FILMS, Mumbai
Country: INDIA
Director: Gajraj Rao
Producer: Subrat Ray
D.O.P/Lighting Cameraman: Amitabha Singh
Music - Artist/Title: Rajat Dholakia
Other Credits: Lyrics: Gopal Datt

Type Of Entry: Product and Service
Category: Charities, Public Health & Safety, Public Awareness Messages
Title: 1 IN 8 WOMEN
Advertiser/Client: AVON COSMETICS ROMANIA
Product/Service: BREAST CANCER AWARENESS
Entrant Company, City: STARCOM MEDIA, Bucharest
Country: ROMANIA
Media/Advertising Agency, City: STARCOM MEDIA, Bucharest
Country: ROMANIA

Innovative Media Strategy:

One in eight women will get breast cancer. As a statistic on a page, it is one that women can too often ignore. We needed to make it real. We found that the softly, softly approach hadn't worked. Even Avon Romania hadn't been promoting breast cancer awareness successfully, with previous campaigns we failed to shake women's view that "It won't happen to me". We shook that view. Everywhere that women went, we bought up every eighth chair, turned it bright pink and forced women to see the danger and to consider the likelihood of them suffering from the disease.

Creative Execution:

We bought up one in eight seats at popular hairdressing salons, at cinemas, on the subway and on the trolley car. They were all branded with our blunt "1in8 women" message, which read: "Undetected in time, breast cancer can kill. Go to the doctor now." We reinforced the impact of the campaign with testimonials from women who have survived breast cancer, using women's magazines and television slots, and we also placed online commercials featuring local celebrities.

Target Audience:

Our aim was to reach women going about their daily lives, surprising them with an important message that they might otherwise choose to avoid. We also knew that our audience, once engaged, could be persuaded to support breast cancer awareness campaigns, and to take the message to their friends. Some 10,000 clicked through cybermercial to register their support.

Effectiveness:

Women were clearly uncomfortable and self-conscious sitting in the 1in8 seats, and they were often left empty - showing how this vital message was finally getting under women's skin. Campaign awareness (including of the need for regular medical check-ups) rose to 87% from 57% after previous campaigns.

Title: SMS FOR LUNCH
Advertiser/Client: MEIR PANIM SOUP KITCHEN
Product/Service: CHILDREN'S CHARITY
Entrant Company, City: SHIMONI FINKELSTEIN DRAFT FCB, Tel Aviv
Country: ISRAEL
Sales Promotion/Advertising Agency, City: SHIMONI FINKELSTEIN DRAFT FCB, Tel Aviv
Country: ISRAEL

Objective:

'Meals for Children', a part of MEIR PANIM charity organization, delivers hot lunches to 10,000 needy children, daily. The brief was to carry their message to broader audience, encourage people to an immediate action and cover the cost of at least one meal.

Development:

We chose a pragmatic approach: illustrate what it feels like to give one child, one meal. The idea was to set up a 'meeting' with one child, and provide an immediate feedback to the action (your donation). A unique platform, integrating web and mobile technologies, enabled such meeting: A boy is seen, facing an empty plate, looking like waiting for something to happen. The copy invites you to donate, through SMS. The moment the system receives your SMS - the banner changes immediately: the plate fills and the boy smiles. Each sms covers the cost of one meal.

Relevance:

Watching the boy's face and plate, change before your eyes, and realizing your SMS has actually done it, makes the difference. Providing an immediate reward, plus imitating a web game feel, contributed to the motivation to act. Furthermore, this idea has successfully removed a classic obstacle from the way: the confirmation SMS, along with the full plate and the boys' smile is somewhat reassuring, as for where your money really goes.

Outcome/Results:

The idea was a success even before the launch. Major websites agreed to host our banner for free and all cellular operators provided their service pro bono. Early results have exceeded client's expectation. (campaign launched in April) The client, still adapting to the new techy flavor of his campaign, is overwhelmed by the opportunity to utilize digital media for raising funds.

Type Of Entry: PRODUCT & SERVICE
Category: Fundraising & Appeals
Title: CHOPPER
Advertiser/Client: SALVATION ARMY
Product/Service: CHARITY
Entrant Company, City: McCANN ERICKSON BRASIL, Sao Paulo
Country: BRAZIL
Advertising Agency, City: McCANN ERICKSON BRASIL, Sao Paulo
Country: BRAZIL
Executive Creative Director: Adriana Cury
Creative Director: Adriana Cury/Milton Mastrocessario/Ana Clélia Quarto/Danilo Janjacomo
Copywriter: Marcelo Padoca
Art Director: Fernando Reis
Photographer: Zarella Neto
Producer: Jorge Gaglioni/Marcelo Pinto
Account Supervisor: Fernanda Costa
Advertiser's Supervisor: Dirceu Lemos

Type Of Entry: PRODUCT & SERVICE
Category: Fundraising & Appeals
Title: DOLPHIN & SHARK
Advertiser/Client: NOAH MENSCHEN FUER TIERE
Product/Service: PEOPLE FOR ANIMAL RIGHTS ASSOCIATION
Entrant Company, City: JUNG von MATT, Hamburg
Country: GERMANY
Advertising Agency, City: JUNG von MATT, Hamburg
Country: GERMANY
Creative Director: Doerte Spengler-Ahrens/Jan Rexhausen
Copywriter: Erik Dagnell/Jens Petter Waernes
Art Director: Jens Petter Waernes/Erik Dagnell
Account Supervisor: Robert Pauly
Advertiser's Supervisor: Christina Kunze
Other Credits: art buying: Katja Sluyter/preprint: Malte Rehde/Frank Kirchhoff

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Type Of Entry: PRODUCT & SERVICE
Category: Public Awareness Messages
Title: HIDING PLACE
Advertiser/Client: GREENPEACE SCHWEIZ
Product/Service: ENVIRONMENTAL ORGANISATION
Entrant Company, City: DRAFTFCB/LOWE GROUP, Zurich
Country: SWITZERLAND
Advertising Agency, City: DRAFTFCB/LOWE GROUP, Zurich
Country: SWITZERLAND
Creative Director: Valentina Herrmann/Beat Egger
Copywriter: Beat Egger/Keith Loell
Art Director: Fernando Perez/Valentina Herrmann
Account Supervisor: Rolf Jeger
Advertiser's Supervisor: Urs Schäfer
Other Credits: Tanja Caduff/Designer

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Copy: una singola latta di solvente, può inquinare milioni di litri d'acqua 

copy: una singola latta di vernice può inquinare milioni di litri d'acqua

Type Of Entry: PRODUCT & SERVICE
Category: Public Awareness Messages
Advertiser/Client: WWF/ADENA
Product/Service: RIVER POLLUTION MESSAGE
Entrant Company, City: CONTRAPUNTO, Madrid
Country: SPAIN
Advertising Agency, City: CONTRAPUNTO, Madrid
Country: SPAIN
Executive Creative Director: Antonio Montero
Creative Director: Jaime Chavarri/Ivan de Dios
Copywriter: Jaime Chavarri
Art Director: Ivan de Dios
Account Supervisor: Eva Alvarez
Advertiser's Supervisor: Mª Angeles de Pablo

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