En en el caso de Rambo, ha dado rienda suelta a toda su brutalidad, y el resultado es un divertimento absoluto, con una duración perfecta para un producto de estas características y que cumple con las expectativas. Una de las mejores y más bestias de la saga, apoyada por un montaje de lo más majo y con una dirección del propio Stallone mucho más currada de lo que pueda aparentar.

Os dejo con una de las escenas más brutales de este año. ¡Cuidado que salpica!

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De nombre Enemy at the Gates, es una película de género bélico ambientada en la Segunda Guerra Mundial, concretamente en los hechos que se sucedieron durante la batalla de Stalingrado. Dirigida por Jean-Jacques Annaud, la historia nos cuenta la historia del francotirador ruso Vasily Zaitsev (Jude Law), y de como es llevado a Stalingrado para formar parte del ejército ruso que intenta detener la invasión nazi. Durante su estancia allí, demuestra sus dotes de tirador matando a altos mandos del ejército alemán. Gracias a su amigo Danilov (Joseph Fiennes), las hazañas de Vasily se hacen llegar a todo el mundo, hasta que el enviado de Stalin, Nikita Jrushchov (Bob Hoskins) lo nombra héroe nacional. Pero ante las numerosas muertes, los alemanes envían al francotirador König (Ed Harris) para que liquide a Zaitsev.

Aparte de el elenco protagonista, la película también incorpora a Rachel Weisz (La Momia) en el papel de la soldado rusa Tania, quien se enamora de Vasily, y Ron Perlman (Hellboy) como el francotirador ruso Koulikov. La cinta está basada en la novela de William Craig, que cuenta el enfrentamiento real que hubo entre los dos francotiradores durante la contienda. El objetivo de la película fue describir el papel de la propaganda durante la guerra, utilizando la imagen del francotirador como metáfora de la lucha entre ambos bandos.

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La ONU renuncia a pedir el alto el fuego en Osetia del Sur por falta de consenso

El Consejo de Seguridad de la ONU se declaró el sábado incapaz de actuar en el conflicto del Cáucaso entre Rusia y Georgia ante la negativa de Moscú a votar a favor de un alto el fuego inmediato.

"Lamentablemente, mi conclusión es que va a ser muy difícil, si no imposible, encontrar puntos de coincidencia suficientes para elaborar una declaración conjunta", dijo el presidente de turno del Consejo de Seguridad, el embajador belga Jan Grauls, tras la reunión del Consejo.

Éste era el tercer encuentro en menos de 48 horas entre los 15 miembros del máximo órgano de la ONU para tratar de consensuar una petición común de alto el fuego.

Sin embargo, y como en ocasiones anteriores, la reunión acabó sin acuerdo y, por primera vez, los miembros no fijaron por el momento otra fecha a corto plazo para continuar con las negociaciones.

Extensión del conflicto a otras regiones

A la salida de la reunión tanto Grauls como otros embajadores ante la ONU alertaron de la extensión de las hostilidades fuera de la región separatista de Osetia del Sur hacia otros territorios de Georgia, particularmente Abjasia, la otra región separatista del país.

"Está claro que el conflicto ya se ha extendido a otras áreas de Georgia", lamentó Grauls, quien transmitió también la "preocupación de varios miembros por el progresivo y rápido deterioro de la situación humanitaria, con un creciente número de heridos y refugiados".

Según el embajador, "varios miembros expresaron también su apoyo a la integridad del territorio de Georgia" y pidieron "el cese inmediato de las hostilidades y de los actos de violencia.

"En ese sentido, expresaron su firme apoyo a los esfuerzos de mediación de la Organización para la Seguridad y Cooperación en Europa (OSCE) y la Unión Europea (UE)", afirmó.

El presidente del Consejo también detalló que los efectivos de la Misión de Observadores de la ONU en Georgia (UNOMIG) han sido retirados del Valle de Kodori, zona de conflicto con Rusia, después de que su cuartel general fuera advertido del peligro por parte de las autoridades abjasas.

Kouchner viaja a la región

El ministro del Exterior francés y presidente del Consejo Europeo en funciones, Bernard Kouchner, en tanto, viajará este domingo a la región en conflicto, comunicó el sábado la presidencia del Consejo de la Unión Europea (UE) en París.

Kouchner viajará acompañado del presidente para la Organización para la Seguridad y la Cooperación en Europa (OSCE) y el ministro del Exterior finlandés Alexander Stubb para contribuir a un alto el fuego y a una solución de la crisis. Previamente ya voló a Tbilisi una delegación integrada por Estados Unidos, la UE y la OSCE.

La presidencia francesa del Consejo de la UE subrayó en una declaración que "una continuación de las acciones militares tendrá efectos en las relaciones entre la UE y Rusia". La oferta georgiana de un alto el fuego fue bienvenida y la UE "espera que Rusia acepte de inmediato un alto el fuego de ese tipo", afirmó. Además, se pidió a Rusia "respetar las fronteras de Georgia internacionalmente reconocidas".

Polonia ofrece respaldo más que diplomático

El presidente de Polonia, Lech Kaczynski, afirmó por su parte que estaba dispuesto a brindar un respaldo que fuese más allá de la diplomacia a Georgia, según declaraciones emitidas por la emisora polaca TVP.

Se brindará "cualquier tipo de ayuda realmente posible", afirmó el primer mandatario polaco. Ante la pregunta acerca de si brindaría ayuda militar al país caucásico, Kaczynski respondió: "No tenemos previsto realizar ningún envío de tropas polacas a Georgia. Sin embargo, cualquier tipo de ayuda es posible."

Lo que está ocurriendo en Georgia es un "argumento fuerte" a favor de la instalación del escudo antimisiles en Polonia, destacó el polaco. El sábado por la noche, Kaczynski habló por teléfono con el presidente georgiano, Mijail Saakashvili.

Además, Polonia expidió junto con los Estados bálticos Lituania, Letonia y Estonia una declaración común condenando la intervención del Ejército ruso en el conflicto. La intervención militar rusa es incompatible con el derecho internacional y es un "acto de agresión".

EL MUNDO.ES

El ministro de Exteriores ruso afirmó el martes, después del acuerdo con la República Checa, que si la situación real del "escudo antimisiles americano estaba cerca de sus fronteras se verían obligados a reaccionar, no por medios diplomáticos, sino con métodos militares".

Fuente: elpais.com

Las películas que componen la colección son las siguientes: Batallón suicida (Suicide Battalion, 1958), de Edward L. Cahn; Cercados (Operation Dames, 1959), de Louis Clyde Stoumen; Comando paracaidista (Paratroop Command, 1959), de William Witney; El escuadrón del infierno (Hell Squad, 1958), de Burt Topper; El halcón marino (Submarine Seahawk, 1958), de Spencer Gordon Bennet; La ley de las armas (Machine-Gun Kelly, 1958), de Roger Corman (sí, este clásico de cine de gángsters lo sacan en una colección de cine bélico: como se ve, se han documentado a fondo); Los leopardos de Churchill/I leopardi di Churchill (1970), de Maurizio Pradeaux (esta es la única fuera de la corriente más arriba comentada, siendo una coproducción hispano-italiana que ya había sido editada anteriormente por la misma compañía, irónicamente, con subtítulos en castellano); y Tank Commando (Tank Commandos, 1959), de Burt Topper. La de Corman, además, rodada en un espléndido formato panorámico 2.35:1, se ofrece amputada a 1.33:1. Para eso, sinceramente, mejor que no editasen nada…

Título original: The Red Baron / Von Richtofen and Brown

Año: 1971 (Estados Unidos)

Director: Roger Corman

Productores: Gene Corman (ejecutivo), Jimmy T. Murakami (asociado)

Guionistas: John William Corrington y Joyce Cooper Corrington

Fotografía: Michael Reed

Música: Hugo Friedhofer

Intérpretes: John Phillip Law (Barón Manfred von Richthofen), Don Stroud (Roy Brown), Barry Primus (Hermann Goering), Corin Redgrave (comandante Lanoe Hawker), Karen Huston [Karen Ericson] (Ilse), Hurd Hatfield (Anthony Fokker), Stephen McHattie (Werner Voss), Brian Foley (Lothar von Richthofen), Robert La Tourneaux (Ernest Udet), Peter Masterson (comandante Oswald Boelke), Clint Kimbrough (comandante von Höppner), Tom Adams (Owen), Ferdy Mayne (padre Richthofen)...

Sinopsis: Es la Primera Guerra Mundial. En los cielos europeos combaten los alemanes junto a los aliados que se enfrentan al rígido ejército prusiano. Entre los primeros destaca Von Richtofen, apodado el Barón Rojo. Entre él y Brown, un aviador canadiense, se empieza a desatar un duelo a mitad de camino entre el desprecio y la admiración.

Dentro del cine norteamericano, el sub-género de la aviación es todo un referente. Máxime el centrado durante la Primera Guerra Mundial; esa época es muy útil para reflejar la sempiterna sinrazón y barbarie de la guerra, pero al tiempo brinda un interesante contrapunto romántico ambientado en una época en la cual se daba la caballerosidad entre los bandos contrincantes. Desde que en 1929 Alas (Wings, 1927) consiguiese el primer Oscar de la historia a la mejor película, esta temática ha tenido una gran tradición, e incluso grandes realizadores, como Howard Hawks o William A. Wellman, se han especializado en la misma.

Desde que en los años 50 Roger Corman debutara en el cine como director, fue escalando, dentro del cine de género, las categorías artísticas que van desde la Z a la B. Sin embargo, siempre tuvo ínfulas artísticas, como demuestran algunas de sus cintas, como la excelente La máscara de la Muerte Roja (The Masque of the Red Death, 1964) o la risible Gas! [tv: Gas, 1971]. A principios de los 70 tenía un cierto prestigio entre la crítica, en especial entre la francesa; además, amén de director era importador de cine europeo, llevando a los Estados Unidos el cine de autores como Bergman o Antonioni. E incluso lo más granado de la industria había contado con él para La matanza del día de San Valentín (The St. Valentin’s Day Massacre, 1967), contratándole la Fox para dirigir el film. Cuando acometió la realización de El Barón Rojo (producida, con un presupuesto holgado, por él mismo junto a su hermano Gene, para lo cual fundan The Corman Company) tenía la esperanza de que esta fuera un peldaño más hacia el escalafón más alto que buscaba. Sin embargo, el film fue un fracaso, tanto comercial como crítico, y frustrado decidió abandonar el cine en el ámbito de director, volcándose sólo a la producción y distribución (años después intentaría un nuevo retorno con Frankenstein Unbound [tv/vd: La resurrección de Frankenstein, 1990], pero un nuevo fracaso le hizo desistir definitivamente).

El problema con El Barón Rojo es que se trata de una película enormemente aburrida; una película sin emoción. Parte de ello está motivado por  el guión, debido a John William Corrington y Joyce Cooper Corrington, un matrimonio más o menos de moda en la época que siempre se creyó por encima del material que manejó; sucedió en la última entrega cinematográfica de El planeta de los simios –Battle for the Planet of the Apes [tv: Batalla por el planeta de los simios; vd/dvd: La conquista del planeta de los simios, 1973] -, sucedió en su prepotente adaptación de Soy leyenda en El último hombre... vivo (The Omega Man, 1971), y también sucede aquí, su debut en la pantalla grande. En todo caso, el defecto que el pomposo matrimonio detenta aquí es un tanto lo que sucedía en el cine americano de la época: tras Vietnam y mayo del 68 el público había oscurecido su mirada, y rechazaba el cine de género que venía de Hollywood, mostrándose más interesado por los nuevos modelos de cine provenientes de Europa, el free cinema inglés, la nouvelle vague francesa o Antonioni en Italia. Los directores y guionistas norteamericanos seguían realizando cine de género, pero al tiempo se afanaban en buscar el enfoque narrativo y estilístico que procedía de Europa. El resultado era un cine indeciso que basculaba entre el cine de evasión y el de mensaje, nadando en una tierra de nadie que a nadie satisfacía.

El Barón Rojo es un ejemplo de eso. Es una película demasiado cerebral para un tipo de cine que ha de ser emocional. Las batallas aéreas son pesadas y plúmbeas, muy mal rodadas, a tal punto que no sabemos a quién pertenece cada uno de los aviones, que vemos revolotear incesantemente ante la cámara. Cuando los personajes se posan en tierra se ven forzados a declamar unos diálogos que buscan a la desesperada soltar frases solemnes, demostrar que estamos ante un cine de mensaje. Y este es un tipo de película cuyo mensaje ha de devenir de la acción, no de la palabrería. Cintas de treinta y cinco años atrás, como The Dawn Patrol [tv: La patrulla del amanecer, 1938], de Edmund Goulding, por poner un ejemplo, demostraron cuál era el camino. El Barón Rojo es un pálido reflejo de aquel tipo de cine, una película indecisa que buscaba como fuera contentar a todo el mundo, y finalmente a nadie contentó.

Protagoniza un John Philip Law que buscaba las altas cimas del éxito, y para ello aprovechó su don de lenguas y formación europea para concebir un Von Richtofen solemne y germánico, con un sutil acento que, sin embargo, no logra esquivar lo ampuloso de la escritura de los textos que ha de declamar. Una lástima, porque de haber sido el film un éxito, quizás Law se hubiera convertido en una gran estrella.

Carlos Díaz Maroto

No puedo hablar de la Segunda Guerra Mundial sin relatar una de las historias más terribles que he conocido. Llevaba menos de un año en el municipio de Sumida-Ku, al este de Tokio. La situación entonces no era fácil, el número de muertos como consecuencia de la guerra seguía en aumento y cada vez era más difícil conseguir algo de alimento para subsistir.

Recuerdo con mucho cariño nuestra casa de papel, aquel atardecer era de una belleza descomunal, la luz se filtraba creando en la casa un extraño romanticismo, pero la magia no estaba en la casa sino en los ojos de NA, una niña de 8 años que tuvo la desgracia de haber nacido en una época difícil. Solo contaba con el apoyo de su madre, Kaede, que vivía desbordaba y cada vez más enloquecida por la crisis, pero eso no le impedía tener una de las sonrisas más bonitas que jamás he visto en una niña. NA siempre me contaba todo, no paraba de hablarme, porque creía que yo era la reencarnación de su padre. Tenía sentido teniendo en cuenta que me encontró en un callejón el mismo día que este, combatiente nipón, falleció ejerciendo de kamikaze durante un combate por lealtad al emperador. Yo no podía entender porqué era considerado un héroe en aquel barrio si aquel hombre había destrozado la vida de su familia, matando a su vez a miles de personas que todos consideraban enemigos.

La noche del 3 de Marzo de 1945 dormía en los brazos de NA cuando un ruido ensordecedor hizo temblar toda la ciudad, en el cielo los bombarderos estadounidenses dibujaban la palabra "venganza". Kaede entro a la habitación, cogió a su niña mientras esta me agarraba con fuerza y con lo puesto salimos a la calle y comenzó nuestra huída... ¿hacia donde? no lo sé, probablemente ni la madre de NA lo sabía, pero la mayoria de gente hizo lo mismo. Estuvimos corriendo durante 15 minutos, dudo que era más terrible si las explosiones que se sucedían de manera continua o el desesperado llanto de toda esa gente. NA lloraba amargamente, cerraba los ojos y con la voz entrecortaba presa del pánico me gritaba: - ¡papá ayúdame!. Si existe el infierno debe ser muy parecido al panorama que pude ver aquella fatídica noche.

El cielo primero era rojo del color de las llamas y de la sangre; pronto ni siquiera había cielo, el aire se fue cargando hasta que llegó un momento que todo era del color del humo y de la ceniza. Todo sucedía rápido aunque si los supervivientes rompieran la ley del silencio dirían que duró una eternidad. Cada vez había menos gente corriendo y menos gritos, cada vez más cuerpos en el suelo y calcinados.

De pronto, cuando el aire era prácticamente irespirable sucedió el peor de nuestros presagios. Una nueva explosión cayó muy cerca de nosotros tres e hizo que saltáramos por los aires. Caí boca arriba, sentí algo parecido a lo que llamáis impotencia, en ese momento hubiera dado cualquier cosa por no ser un muñeco de trapo y poder levantarme para ayudar a mi pequeña NA. Ser quien soy me condenó a contemplar el bombardeo durante las dos horas que duró y me castigó a no volver a acurrucarme en los brazos de aquella niña de ojitos rasgados...

Evidentemente, no he vuelto a saber nada de ellas. Durante mucho tiempo estuve pensando que lo mejor era que madre e hija hubieran fallecido después de aquel impacto antes de haberlo hecho por asfixia. La probabilidad de supervivencia era muy baja, pero en alguna parte de mi ser queda la esperanza de que se hubiera producido un milagro, y hoy, NA sea una mujer madura que ha tenido la posibilidad de disfrutar de todas aquellas cosas que le arrabataron durante su infancia, como consecuencia de una guerra que no era suya.

Tokio quedo sumida en el caos, aquellas dos horas de infierno Dantesco mató 83.783 personas más miles de desaparecidos según la policía metropolitana de Japón; dato superior al de la bomba atómica que aniquiló Nagasaki. En muchos países se hablaba de "éxito rotundo", "victoria", "motivo de celebración"... no entiendo como con algo tan terrible se puede hablar de éxito... lo peor de todo es que han pasado los años y si preguntamos a los libros de textos ¿quien ganó la segunda guerra mundial? te dan una respuesta cerrada. Supongo que tendría que dejar de ser un muñeco de trapo para entenderlo, mientras eso no ocurra seguiré pensando que el único perdedor fue el ser humano independientemente de su país, sexo, raza o religión y lo que perdió es lo único que le hace diferente de los animales: su condición de humano. Ante tanta frivolidad he llegado a pensar que las personas son asesinas por naturaleza, lo único que necesitan son motivos.

Título original: De Dunquerque a la victoria / Contro 4 bandiere / De l’enfer à la victoire

Año: 1979 (Italia, España, Francia)

Director: Umberto Lenzi

Productores: Edmondo Amati y José Frade

Guionistas: Anthony Fritz, José Luis Martínez Molla y Gianfranco Clerici [sin acreditar] sobre un argumento de Umberto Lenzi y Gianfranco Clerici [sin acreditar]

Fotografía: José Luis Alcaine

Música: Riz Ortolani

Intérpretes: George Peppard (Brett Rosson), George Hamilton (Maurice Bernard), Horst Bucholz (Jürgen Dietrich), Anny Duperey (Fabienne), Jean-Pierre Cassel (Dick Sanders), Capucine (Nicole Levine), Sam Wanamaker (Ray MacDonald), Ray Lovelock (Jim Rosson), Georges Claisse (Karl Wessel), May Heatherly (Mary Jennings), Howard Vernom (Karl, Mayor de las SS) Ritza Brown (Novia de Jim), Franco Fantasia (Capitán Venderkreut), André Lawrence (Jean), Michel Voletti (Pierre), Fortunato Arena (soldado anciano), Pierangelo Civera (Jefe de la escuadra anti-tanques), Paul Mercey (Barman), Antonio Mayans, Ángel Aranda, Lambert Wilson...

Sinopsis: París, agosto de 1939. Un grupo de seis amigos se fotografía tras pasar una agradable tarde en un café al lado del Sena y prometen volver allí cada año en la misma fecha. Naturalmente, el estallido de la guerra hará que sus destinos se separen y no puedan cumplir su promesa. El norteamericano Brett vuelve a su país y comienza a trabajar para la inteligencia militar. Maurice, tras ser evacuado de Dunkerke, ingresa en el ejército británico; el alemán Jürgen se alista en la Werhmacht; mientras que la mujer del grupo, Fabienne, es captada por la resistencia. Finalmente, Rick se une a la RAF y Ray se hace corresponsal de guerra. Las historias de estos seis personajes se irán entrecruzando hasta la liberación de París en 1944.

Rodada de forma casi correlativa a Los jóvenes leones (Il grande attaco, 1978), cinta con la que guarda grandes similitudes, tanto argumentales, siendo la historia de ambas muy parecida, de premisas, como el hecho de que el reparto de los dos títulos esté repleto de actores internacionales, en este caso George Peppard, George Hamilton, Jean-Pierre Cassel, Howard Vernon, Horst Bucholz, Capucine, Sam Wanamaker o Ray Lovelock, copiando así los moldes de La batalla de Midway (Midway, 1976) de Jack Smight, cinta bélica de moda del momento, supuso uno de los más ambiciosos proyectos en los que se vio metido el director italiano Umberto Lenzi, y su retorno a un género, el bélico, en el que ya había hecho sus incursiones una década antes con títulos como La brigada de los condenados (La legione dei dannati, 1969) o Attento ai tre grande (1967).

Y es quizás la pretenciosidad de esta coproducción hispano-italo-francesa la que acaba por arruinar la película, merced a un guión deslavazado y totalmente descompensado, que trata de abarcar mucho, dando de esta manera vida a un ingente número de personajes que son abandonados a su suerte en medio del metraje, sin siquiera procurarles un mínimo de desarrollo.

La dirección de Lenzi tampoco es que mejore el asunto, a pesar de mostrarse algo más contenido de lo que en él era habitual, aunque no por ello renuncie a la utilización de sus queridos zooms, no sabiendo muy bien por dónde tirar en esta curiosa mixtura entre cine bélico y drama, dando una primera parte centrada en la historia del grupo de amigos protagonistas, todos ellos de diferente nacionalidad, a los que el estallido de la II Guerra Mundial separará, mostrándonos las peripecias de cada uno, para a continuación pasar a una segunda parte donde la acción y las escenas de lucha se suceden casi sin descanso y en las que Lenzi tampoco parece encontrarse muy a gusto, a pesar del aparente derroche de medios con el que contó. Y digo aparente, pues si bien es cierto que la mayoría de las secuencias de combate están bien conjuntadas, una gran parte de sus planos proceden de documentales de la época en la que está ambientada, así como de otras cintas bélicas trasalpinas como El largo día del águila (La battaglia d’Inghilterra, 1969) de Enzo G. Castellari, o de Dalle Ardene all’inferno (1967) de Alberto de Martino.

En definitiva, se trata de un pastiche con no pocos momentos forzados, caso de la ejecución del personaje interpretado por Capucine, y repleto de momentos sentimentaloides, como la escena final, lastrado ya desde las mismas perspectivas con las que fue creado, que quizás con un guión más conciso y menos pretencioso, hubiera dado, al menos, una cinta más digna.

José Luis Salvador Estébenez

LA VERSION QUE SE VENDE EN LA CALLE ESTA CENSURADA Y DURA 89 MINUTOS-NO SE SABE QUIEN ES QUIEN..???
SIN NOVEDAD EN EL ALCAZAR

1940: Drama: BLANCO Y NEGRO : 120 min.
Productora: UFISA,  Film Basoli.
Director: Augusto Genina.
Guión: Augusto Genina,  A. de Estefani,  Pietro Caporilli,
Fernando Fernández de Córdoba.
Fotografía: Francesco Izzarelli,  Vincenzo Seratrice.
Música: Antonio Beretti.
Decorados: Gastone Medin.
Intérpretes: Fosco Giachetti,  Mireille Balin,  María Denis,
Rafael Calvo,  Andrea Cecchi,  Aldo Fiorelli,  Silvio
Bagolini,  Carlo Tamberlani,  Carlos Muñoz.
Rodaje: Coproducción hispano-italiana.

Sinopsis:
Exaltación de la heroica resistencia del Alcazar de
Toledo durante la guerra civil española, defendido por
militares franquistas, al mando del coronel Moscardo,
frente al asedio de las milicias republicanas. Con las
incidencias bélicas - los sucesivos ataques de los
sitiadores, los bombarderos de la artillería y aviación,
la explosión de una mina - se detalla también la vida
cotidiana de la población civil, con nacimientos
muertes y amores, refugiada en la fortaleza. Las
fuerzas del general Varela liberan al fin a los
supervivientes del asedio.

Cita:
" Augusto Genina expuso la razón que le había llevado
a realizar "Sin novedad en el Alcázar": su película sería
una respuesta a "El acorazado Potemkin" soviético,
"film de la revolución desdructora", pues mostraba en
el episodio del Alcázar una "revolución constructiva".
Con un rodaje en Cinecitta con asesores militares
españoles y precedido por seis meses de
preparativos, "Sin novedad en el Alcázar" se convirtió
en uno de los títulos más ejemplares de la épica
franquista, virtud reconocida por la Copa Mussolini
concedida al film en la Mostra de Venecia de 11940.
(...)
"El anti-Potemkin de Genina proporcionó a los fascistas
una de las epopeyas más presentables de toda su
producción. En ella se reviviría la gesta del general
Moscardó sacrificando a su hijo por su causa política,
gesta que los niños españoles parangonaron durante
años el sacrificio de Guzmán el Bueno en el sitio de
Tarifa. (...). Cuando se presentó en Venecia... sedujo
incluso a los críticos más exigentes. Michelangelo
Antonioni, por ejemplo, escribió: "es un film rugoso, un
film de guerra que tiene sus raices escrupulosamente
hundidas en la historia y en la historia reciente (...) Lo
que ocurre en el interior del Alcázar un poco la vida de
un pueblecito, con sus nacimientos, sus muertes y
sus historias de amor. Se ha hablado de "Alcázar"
como de un film coral, un film de masas: es verdad en
parte. Porque el sentido épico de la obra, en nuestra
opinión, se desprende también del sacrificio y del
drama singular: ahí reside el mayor valor del trabajo".
De hecho la astucia del film, que quiere ser una
reconstrucción dramática de acontecimientos
históricos reside en su estructura narrativa fundada en
fórmulas dramaticas y comercialmente sólidas. La
primera procede del maniqueismo del western y, más
precisamente, del western basado sobre el modelo
de "fuerte asedio", lo que permite a Genina desarrollar
la bipolaridad soldados-indios según un nuevo
registro político" (Román Gubern en "1936-1939: la
guerra de España en la pantalla". Filmoteca Española.
Madrid, 1986.)

1937: Drama: BLANCO Y NEGRO : 60 min.
Productora: SIE Films.
Director: Antonio Sau Olite.
Guión: Antonio Sau Olite.
Fotografía: Adrien Porchet.
Música: Jaime Pahissa.
Decorados: Antonio Burgos.
Montaje: Juan Pallejá.
Intérpretes: Félix de Pomés,  Enriqueta Soler,  Román
González "Chispita",  Ana María Campoy,  Pilar Torres,
Modesto Cid,  Juana Mansó.

Sinopsis:
Al regreso de vacaciones con su familia, un obrero se
queda en paro. Tras una denodada búsqueda de
trabajo, Juan se siente decepcionado y cobra cierta
inquietud social. Su mujer, Marta, se ve obligada a
tomar un trabajo humillante para poder dar de comer
a sus hijos. Juan reacciona enviando a su esposa y
pequeños al pueblo, mientras él vagabundea por la
ciudad. Indignado por el conformismo de la gente,
monta un mitín, a la vez que organiza una Marcha de
Hambre entre los parados. Cuando se dirige con sus
compañeros a protestar ante las autoridades, y
precisamente cuando pasa por el pueblo donde está
su familia, estalla la revolución. Juan toma las armas
junto a los demás y marchan todos al frente, con la
esperanza de que amanezca una aurora mejor. (Del
libro "Arte y política en el cine de la República.
1931-1932, de José María Caparrós Lera).

Cita:
"En parte para llenar un vacío y en parte también para
dar ejemplo estimulante a los productores, el
Sindicato de la C.N.T. se lanzó en el otoño de 1936 a
elaborar, paralelamente a sus películas de
propaganda revolucionaria y de guerra, otras de índole
comercial sin relación con lo esencial que estaba
ocurriendo. El primero de esos films, "Aurora de
esperanza", tiene un acusado carácter social dentro
de las concepciones anarquistas y con claras
influencias del cine soviético". (Carlos Fernández
Cuenca en "La Guerra de España y el cine". Editora
Nacional. Madrid, 1972.).
"Esta primera producción sindical entraba de lleno en
las aspiraciones anarcosindicalistas de ofrecer una
alternativa al exponente de un cine "burgués" que, aún
después de la sublevación militar del 18 de julio,
continuaba presentando batalla en las pantallas
españolas. (...) La alternativa se encarnaría en un film
"social", un film en que "las masas" fueran
protagonistas". (Ramón Sala Noguer en "El cine en la
España republicana durante la guerra civil
1936-1939". Editorial Mensajero. Bilbao, 1993.)
"Antonio Sau nos dio el primer retrato auténtico del
mundo proletario catalán -centrado en el obrero
anónomo de una gran urbe- con el problema del paro
en el fondo y la vida familiar cotidiana como línea
argumental" (J. M. Caparrós Lera en "Arte y política en
el cine de la República (1931-1939)". Ediciones
Universidad de Barcelona, 1981).

1937: Drama: BLANCO Y NEGRO : 93 min.
Productora: SIE Films.
Director: Pedro Puche.
Guión: Federico Elías,  Pedro Puche.
Basado en: "BARRIOS BAJOS" autor adaptado  Luis Elías.
Fotografía: José María Beltrán.
Música: Juan Dotrás Vila.
Decorados: Antonio Burgos.
Montaje: Juan Pallejá.
Intérpretes: José Telmo,  Rosita de Cabo,  José Baviera,
Rafael Navarro,  Pilar Torres,  Matías Morro,  Matilde
Artero,  Modesto Cid.

Sinopsis:
Un joven abogado se ve obligado a matar a una
persona, y en la huida encuentra refugio en los
muelles, donde se esconde en casa de un
descargador. Así conoce a una muchacha, acosada
por su tremendo atractivo físico, y de la cual está
perdidamente enamorado el descargador.

1939: Histórica: BLANCO Y NEGRO : 88 min.
Productora: Subsecretaría de propaganda del ministerio,
Productions Corlignion - Molinier.
Productor: Edouard Corlignion - Molinier.
Director: André Malraux.
Guión: André Malraux,  Denis Marion,  Antonio del Amo,
Boris Peskine,  Max Aub.
Basado en: "L´ESPOIR" autor adaptado  André Malraux.
Fotografía: Louis Page.
Música: Darius Milhaud.
Decorados: Vicente Petit.
Montaje: André Malraux,  George Grace.
Intérpretes: Andrés Mejuto,  Julio Peña,  Pedro Codina,
José María Lado,  Nicolás Rodríguez,  Serafín Ferro,
Miguel del Castillo,  José Santpere.
Recaudación: 9.144.820 Ptas.
Espectadores: 66.234
Rodaje: Coproducción hispano-francesa. Título francés:
"Espoir".

Sinopsis:
Una serie de combatientes extranjeros coinciden en
una escuadrilla aérea perteneciente al ejército
republicano durante la guerra civil española.
Superando a base de entusiasmo la pobreza de
medios bélicos, destacan Attignies, de origen belga,
Saidi, un árabe harto de que se piense que sus
paisanos sólo luchan en el bando franquista, y el
alemán Schneider, gloria de la aviación durante la
primera guerra mundial.

Comentario:
Uno de los grandes clásicos del cine español de los
años treinta, puesto en marcha en plena guerra civil
por una serie de intelectuales franceses
antifranquistas. 

Cita:
"Sierra de Teruel" es la obra cinematográfica singular y
atípica de uno de los escritores más importantes de
nuestro siglo, realizada además en cincunstancias
históricas excepcionales. Esta excepcionalidad de
"Sierra de Teruel" la ha convertido en un film mítico,
desaparecido durante bastantes años de la
circulación pública, extraño y de difícil clasificación.
Malraux organizó la escuadrilla de aviación "España",
formada por pilotos extranjeros pertenecientes a las
Brigadas Internacionales. Como piloto de guerra
participó la oportunidad de realizar un gran film de
propaganda de cara al mercado internacional, para
ayudar a romper el bloqueo de la No-Intervención. Las
dificultades derivadas de la guerra hicieron que el
rodaje de "Sierra de Teruel" fuera sumamente
accidentado y lleno de contratiempos (...) Todos los
factores históricos y políticos que determinaron la
producción de "Sierra de Teruel" explican las
características de la película. Sus dos ejes centrales
fueron, por lo tanto, el mostrar la penuria material y
militar del bando republicano, y el de invocar la
solidaridad internacional para luchar contra el
fascismo (...) La solidaridad de los voluntarios
extranjeros se funde con la solidaridad campesina en
la espléndida escena final del cortejo que desciende
la montaña transportando a las víctimas del accidente
aéreo republicano. Esta escena justamente famosa y
estructurada en un serpenteante cortejo tienen
algunos antecedentes plásticos ilustres en la historia
del cine. Todas estas referencias plásticas no
disminuyen el vigor ni la invención cinematográfica de
esta secuencia, que en la historia del cine épico
soviético y el neorrealismo italiano que en 1939
estaba a punto de nacer". (Román Gubern en
"1936-1939: La guerra de España en la pantalla".
Filmoteca Española. Madrid, 1986).

Secreta invasión (The secret invasion)

Año:1964
Duración: 95 min.
Género: Bélico y Drama
Director: Roger Corman
Actores: Stewart Granger, Raf Vallone, Mickey Rooney, Edd Byrnes, etc.
Más datos en la IMDB

Minisinopsis: Los nazis recluyen a un general italiano que planea cambiarse de lado y combatir contra ellos. Por su parte, los aliados planean enviar a un pequeño grupo de convictos en una misión suicida para liberarlo.

Si ya has visto la película, puedes seguir leyendo.

El otro día estaba viendo uno de esos canales de películas de las plataformas digitales que te venden como si fueses a poder ver buen cine todo el día, no sé si era la MGM, la TCM, el PCP o el USB, y vi dos nombres juntos que me chocaron: Roger Corman y Stewart Granger. El caso es que seguí viendo la película y, oye, tiene su punto. Pero hoy me voy a aprovechar de tener un abuelo que luchó en la Segunda Guerra Mundial, casualmente en Dubrovnik, donde se desarrolla la película, para que la comente él, así que os dejo con mi abuelo:

- ¡Qué curvas tenían las italianas! ¡Ay, madre mía, y unas tetas más redondas que las albóndigas de los espaguetis que nos hacían!

Bueno, será mejor que comente yo la película, que el viejo chochea y dejarlo seguir sería malo -si puede ser peor- para mi re-puta-ción, además, le digas lo que le digas, siempre acaba hablando de las italianas, el puñetero.
Vamos a centrarnos en el tema, que desvarío más que el vaquilla en una tienda de bolsos. Si alguien ha visto Doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967), lo primero que piensa es que Corman ha vuelto a hacer de las suyas, pero ¡no!, ¡vaya sorpresa! Si acaso Aldrich hizo de las suyas -y lo hizo infinitamente mejor que Corman-, así que descartado el plagio barato por dinero al que nos acostumbra Corman, podemos seguir sorprendiéndonos viendo que la película no está mal rodada y que mantiene una calidad, en cuanto a lo técnico, fácilmente aceptable.
Los actores, dejando al oficioso Stewart Granger (Mayor Richard Mace) a parte, podrían ser lo más reseñable de la película: Raf Vallone (Roberto Rocca), Mickey Rooney (Terence Scanlon), Edd Byrnes (Simon Fell), Henry Silva (John Durrell) y William Campbell (Jean Saval) son los cinco componentes del grupo y cada cual tiene lo suyo.
Vallone, que era un actor italiano muy curtido, interpreta a un tipo con dos carreras, filósofo y una especie de mente criminal o Miniyo. El problema es que Vallone tiene una pinta de bestia que no puede con ella y no hace nada, salvo llevarse la mano a la boca a modo de reflexión, para intentar parecer lo contrario.
Rooney es uno de esos actores con los que no puedo, perteneciente al grupo de bajitos que tienen que hacerse los graciosos. Nunca lo he aguantado y después de ver su papel en esta película lo aguanto menos. Yo voy con alguien que hace chistes mientras los nazis te disparan y en lugar de lanzarles una granada les tiro al gracioso.

Byrnes tiene un aire a David Bowie de joven, no puedo decir más.
Lo de Silva es un caso muy extraño. No se sabe si es que es ironman, ceraman o que se ha pasado con el botox porque semejante rostro no es de este Mundo. Amén de ésto, su expresividad es la misma que tiene Swachwarzenegger: tiene la cara normal y la de estreñido; la de estreñido la utiliza cuando le hieren o está muy cabreado y la otra para cuando tiene un hijo, le hacen Gobernador de California, etc. Bien pensado, Silva sólo tiene una cara, así que me decanto por el botox.
Y Campbell, ¡oh, Campbell! Campbell es el responsable de ese hermoso papel de mafioso en El día del fin del Mundo (1951 y también de Corman, así que deduzco que eran primos o algo) y sobra decir que su afinidad interpretativa no mejoró con el tiempo.

=

La aproximación de Antoniosan quizá sea mejor: "Pues a mi que el Byrnes este se me parece mas con Rutger Hauer… con un toque de Christopher Walken, quizas?"

= +

El guión, malintencionadamente analizado, es una mezcla curiosa: podría ser un cruce entre El equipo A (1983), McGyver (1985) y la mencionada Doce del patíbulo pero, como todos son posteriores, hay que reconocer la originalidad de la trama, lo que no le excluye de poseer más de una escena sobre la que podría haberse parado un poco más el guionista y escritor, R. Wright Campbell, coautor del magnífico biopic El hombre de los mil rostros (Joseph Pevney, 1957), basado en la vida de Lon Chaney.
Sobre todas las escenas de la película destaca una aberración sin igual que se produce en el cementerio, con Durell sosteniendo en sus manos al hijo de Mila (Spela Rozin) y cortándole la respiración hasta la muerte para que no llore. Digo que me parece algo aberrante porque, que yo sepa, los críos no lloran por la nariz, sólo por la boca -fijo que habría menos críos si llorasen por los dos sitios-, lo que hace que la escena entera siente como cuando te pegan una bofetada sin haber hecho absolutamente nada, que en lugar de devolverla tu cerebro se queda pensando: ¿pero qué he hecho? ¿qué ha pasado?

Pero antes ya había habido otra escena destacable: cuando los mismos protagonistas se dirigen hacia Dubrovnik en carro y Durell se queda mirándole con ojos lascivos la teta a Mila mientras amamanta a su hijo... ¿qué tipo de persona -he dicho persona, adolescente menor de 18 años con hormonas en rebelión no cuenta- se puede relamer ante semejante imagen y asociarla a algo sexual? Luego que nadie se extrañe de que las madres pidan lugares para amamantar en todos los sitios porque estoy convencido de que tipos como Fell hay a patadas...

- ¡Pues se les ponen bien grandes, como botijos, ay que mamellas!
- Abuelo, ¡a callar! - En buena hora se me ocurrió llamarle para que comentase la película...

El tema de la fuga de la prisión también tiene tela porque es la parte que recuerda a El equipo A y McGyver a partes iguales. Para empezar, hacen un sello con una patata. Hasta ahí bien, si no fuese porque la patata está cocida y es imposible hacer un sello con una patata cocida, coñe, que a mi me van a hablar de hacer sellos con patatas, que anda que no me mandaron hacer tampones de crío en el colegio, que íbamos todo el día con las patatas, el cuchillo y la tinta Pelikán de aquí para allá. De hecho, tanta gaita con las patatas, que un día le clavé un cuchillo en la mano a un compañero de forma totalmente involuntaria -lo juro, estaba a mi espalda y ni lo vi-. Pero no acaba ahí la cosa, porque con un plato de metal construyen una herramienta para el cerrajero, una pluma para escribir y un puñal para cortarse las venas; ¡olé!. McGyver era un mierdas.

Orto, digo otra cosa de la fuga que tiene tela es el tema de la coordinación. Rocca se empeña en que todos chasquéen los dedos cada segundo para hacer una especie de reloj interno. El caso es que cada cual lleva el ritmo como le da la gana y la coordinación es nula, así que, considerando que basan su fuga en que todos hagan lo que deben cuando deben, es un milagro que lo logren.

Y por último hay tres escenas en el clímax de la película que merecen una mención rápida: El tema del herido que se queda para retrasar a los perseguidores está muy visto y se repite dos veces en la película; lo de que se pongan a trepar la pared vertical de una montaña cuando tienen a 100 soldados con fusiles persiguiéndoles no es que demuestre mucha inteligencia por su parte, pero ver a Saval haciendo de catcher o como se diga con una granada alemana para salvar al resto es un poco de risa; y por último, la carga en plan banzai de los milicianos -la mitad de ellos sin armas- es de lo más caótico e inverosímil que he visto en tiempos.

Del aspecto visual de la película hay unas pocas cosas que comentar:
Siempre que los seis se tiran al agua, luego aparecen completamente secos y con las gorras puestas, con lo que deducimos que por el 43 ó 44, cuando sea, ya existían las secadoras portátiles; o éso o llevaban minisubmarinos hinchables o algo.

Los uniformes de nazi que les ponen a los extras les van, por lo general, 2 tallas por encima de la suya.
Y la enfermería de la cárcel es una farmacia en toda regla. Cualquiera que haya visto una farmacia en 1960 se daría cuenta, ¿a que sí, abuelo?
- ¡Como albóndigas y qué prietas, madre santísima!

Comentarios del salido de mi abuelo a parte, Secreta invasión es una película que se deja ver con facilidad, con algunos fallos -la elección de los actores y el guión lateral, sobre todo- asumibles hasta cierto punto y que te reconcilia un poco con Corman.

El Killer Bee reemplazará al actual vehículo aéreo sin tripulación (UAV por sus siglas en inglés) ScanEagle que es utilizado por el Cuerpo de Marinos y Fuerza Naval de los Estados Unidos. El Killer Bee ofrece tiempo y distancia de vuelo más amplio - capaz de alcanzar más de 100 millas y capaz de llevar más cargas explosivas para desatar un mayor poder destructivo contra el enemigo. De manera interesante, la punta de las alas le proporcionan mayor estabilidad durante las vueltas cerradas mientras que resuelve el problema del posicionamiento de la antena. Utiliza sensores infrarrojos y un sistema de video en vivo para rastrear objetos, sea de día o de noche, mientras que un láser integrado lo hace capaz de disparar precisas municiones guiadas con impunidad. Lo bueno es que aún habrá guerras en el 2011 cuando sea lanzado el Killer Bee.

1949: Histórica: BLANCO Y NEGRO : 102 min.
Productora: Valencia Films,  Centro Film.
Director: Arturo Ruiz-Castillo.
Guión: Arturo Ruiz-Castillo.
Fotografía: Juan Mariné,  Alfonso Nieva.
Música: Jesús García Leoz.
Decorados: Francisco R. Asensio,  Arturo Ruiz-Castillo.
Montaje: Sara Ontañón.
Intérpretes: Alfredo Mayo,  Beatriz de Añara,  Tomás
Blanco,  Mary Lamar,  Carlos Muñoz,  Fernando
Fernández de Córdoba,  José María Lado,  Eduardo
Fajardo,  Antonio Casas,  Angel de Andrés,  Arturo Marín,
Rafael Bardem.
Vestuario: Humberto Cornejo.

Sinopsis:
Marisa Fuenterreal recuerda los días de la resistencia
en el santuario de la Virgen de la Cabeza. Allí caminó
durante varios días con Aracil, un hombre de ideas
extremistas que la salvó de las tropas enemigas, y
luego con el capitán Cortés, que muere en la batalla
final junto a la mayoría de los defensores. Trás la
batalla, María sufre un ataque de amnesia y Aracíl
consigue escapar.

Cita:
"Es en 1949, en un contexto de victoria política
franquista, cuando aparece la primera cinta que
reanuda en rigor el "cine de Cruzada", interrumpido en
1942. Se trata de una película que obstenta además
el simbólico título de "El Santuario no se rinde". La ha
dirigido con grandes dificultades e interrupciones del
rodaje el ex-cineasta republicano Arturo Ruiz Castillo,
inspirándose en la defensa militar del Santuario de
Nuestra Señora de la Cabeza, asediado durante
nueve meses y cuyas tropas defensoras mandó el
capitán de la Guardia Civil, Santiago Cortés, quien
falleció en este combate en mayo de 1937. En la
tradición del cerco militar a ultranza que se hace
remontar a Sagunto y a Numancia y que tuvo su
episodio bélico más divulgado en el Alcázar de
Toledo, "El Santuario no se rinde" se alzó como una
neta alegoría de la resistencia del franquismo ante el
cerco político de las democracias occidentales,
cuando tal reto beligerante no resultaba ya peligroso.
Se rescata a Alfredo Mayo de la vieja galería de
héroes para darle esta vez un perfil más complejo de
republicano converso al franquismo y recurriendo al
armazón de una trama sentimental, tejida en esta
ocasión por una residente del Santuario y un
republicano del cerco, que sellarán su unión en la
postguerra, en el escenario de la vieja fortaleza. De
este modo, la película se ofrecía como un puente
entre la exaltación épica del viejo cine "de Cruzada" y
la nueva consigna de apaciguamiento y reconciliación
entre vencedores y vencidos, que sería el leit-motiv
propagandístico de los años cincuenta". (Román
Gubern en "1936-1939: La Guerra de España en la
pantalla". Filmoteca Española. Madrid, 1986).

Premios:
1949; Círculo de Escritores Cinematográficos,  Mejor
Actor de Reparto, Tomás Blanco.
1949; Sindicato Nacional del Espectáculo, Segundo
Premio, Mejor Película, Arturo Ruiz-Castillo

Assistam e entendam o porque!

OK...

São 00:27 e já estava com o post esperando para ser postado(brilhante frase)... Sim, terminei de ver a primeira temporada de JERICHO. Porra, é uma segunda-feira... digo, terça... mas e daí, como eu disso no post anterior sobre a série... eu tava louco pra terminar de ver.

Eu disse no post anterior também que o tema de JERICHO me inspirava... tudo bem... mas quando o tema mudou... esqueceram-se as bombas nucleares como peça-chave da trama, o negócio ficou ainda melhor.... Lembrem-se também que falei sobre o mesmo problema de LOST, "lerdeza dos fatos"! Tudo mudou. Do capitulo 13 ao 22 a série se tornou insensa com muitas armas, tiros e guerra, muita guerra!!! HAHAHAHA Eu estava supitando de emoção... Será o efeito de 7 latinhas de SKOL??? Não sei... mas eu estava xingando personagens e mandanto eles irem a m***... até os diretores eu mandei se F***... Tem uns Flashbacks ridículos (lembram também que falei que tinha LOST no meio?)

Bem... enquanto assistia o episodio 2o começei a providenciar o primeiro da segunda temporada (também xinguei o meu provedor por não ter baixado até o fim do capítulo 22)

No final das contas JERICHO não passa de mais um enlatado americano (isso eu tive a idéia sozinho) mas apos ver um pouco vais sobre a série no google, achei isso, que é justamento o que eu pensava: "Jericho começou com o que poderia ser uma idéia espetacular, e acabou focando muito em um personagem, destruindo o imaginário e por isso tornou-se mais uma qualquer. Contudo, valeu a pena." Sim, valeu... quem disse que eu não gosto de enlatados?

Mais ainda quando tem equipamentos bélicos como tanques, avioes, navios, etc... Não, não sou terrorista... rs, apenas adoro equipamentos bélicos. (Um dia vou ter uma AK47, não precisa de munição... só quero poder ter uma na parede do meu quarto. Oh shit... bastards, os americanos vao ler esse post e virão atras de mim... antes de chegarem aqui, quero que saibam que gostei muito sa série, mesmo com os "mocinhos" botando pra fuder, digo quebrar) GO US ARMY, GO

HAHAHAHA

OPS, já são 01:05 e estou edintando o post... esqueci de colocar os TAGS...

Cinco minutos sin corte alguno, recorriendo la playa, siguiendo al protagonista (aunque también dejándolo por momentos fuera de plano) y confirmando su calidad como realizador con tan magno plano. Quizás no aporte excesivamente a la trama este alarde, pero técnicamente, reconozcan que es colosal!.

Una maravilla de secuencia, adornada con el fenomenal score de Marianelli, disfrútenlo.

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