Ho voluto fotografare l'opera prima che gli addetti comunali la rimuovessero:

Ovviamente, come compenso, si è trattenuto il resto della bicicletta :-)

Per chi volesse vedere l'originale cliccare su: Ruota di bicicletta, Marcel Duchamp

Brunelleschi l'ho già studiato, ma sono rimasto deluso dal fatto che ci fosse così poco da studiare sulla sua opera, mi aspettavo molto di più.

Maurizio Soffiatti è un artista di Roma essenzialmente autodidatta anche se ha studiato grafica e pubblicità al CIAC di Roma, realizza dipinti figurativi moderni di ispirazione fauve espressionisti, a carattere sociale urbano e popolare, ampie campiture tonalità ricche e aggressive rendono unici molti dipinti di Maurizio Soffiatti. Un altra produzione artistica sono i quadri modernissimi, come la critica si è espressa, dove la ricerca della quotidianità e l'applicazione finale ricalcano i fatti nostrani, anche delle tragedie, i presepi, caratterizzano i lavori del pittore passando dalla pittura di tela alla tridimensionalità portando un'apporto artistico anche nell'arte presepale rendendo il tradizionale lavoro natalizio unico, pittorico, opera fatta con il cuore d'artista, e soprattutto ricerca delle tradizioni e delle situazioni, il Vesuvio non manca mai, ma anche il mare in movimento oltre che alla classicità del presepe partenopeo, il Mistero e il Diversorio, le miniature, oggettini di complemento e da collezione, riproducono mercati, ristoranti, teatrini e situazioni reali della società, diorami animati creativi, perchè ispirati al mondo della soria dei fumetti ecc. questo è il mio mondo, il mondo colorato e fantasioso di Maurizio Soffiatti, il mio sito è:

http://xoomer.alice.it/mauriziosoffiattiarte

http://segnalo.alice.it/mauriziosoffiatti

http://mauriziosoffiatti.beepworld.it

Datada de 19-4-1990, a primeira de não sei quantas anotações relacionadas com Piet Mondrian no meu Diário é esta:

 Na Biblioteca, aprendo a ver com Piet Mondrian. Ele fala do limite da expressão plástica; minha meta é o limite da expressão poética e filosófica. Falar do mais profundo e belo com as palavras e raciocínios mais simples, mais claros; falar como quem pinta com linhas retas e cores primárias.

Motivado por inúmeros acessos a este Trevo do Talvez a partir de buscas relacionadas com ele e sua obra, decidi produzir um post com a transcrição literal das anotações diretamente relacionadas a ele e que vão até 19-7-1990, quando conclui a leitura de uma biografia dele por Frank Elgar.

 Eis:

 20-4 Começa a tarde; volto a Mondrian.

 “Para criar plasticamente a realidade pura, é necessário reduzir as formas naturais aos elementos constantes da forma e a cor natural à cor primária”.

 “Toda arte se converte em decoração quando falta profundidade de expressão”.

 23-4 Na Biblioteca, ainda Mondrian: “Uma maior consciência da expressão das formas naturais produz meios mais puros de expressão”.

 24-4 Continuo aprendendo a ver com Mondrian: “O principal problema das artes plásticas não é evitar a representação dos objetos, mas ser tão objetivo quanto possível”.

 “Se a visão objetiva fosse possível, nos daria uma verdadeira imagem da realidade”.

 “A arte requer o despojamento da forma limitadora porque esta última impede a expressão do ritmo liberado. Longe de ignorar nossa natureza individual, longe de perder “la nota humana” na obra de arte, a arte plástica pura é a união do individual com o universal. O ritmo liberado está composto destes dois aspectos da vida em equivalência”.

 “Na composição plástica pura, a relação constante expressa imutabilidade”.

 “A forma limitadora sempre nos diz algo: é descritiva”.

 E Mondrian aponta a causa do predomínio da “forma limitadora”: “O amor inconsciente pelos sentimentos trágicos”.

 25-4 Na Biblioteca, volto a Mondrian: “Somente por meio do conhecimento técnico se pode obter uma verdadeira compreensão das artes plásticas”.

 “O aspecto técnico consiste no uso dos meios de expressão, volumes, planos, linhas, cores, e no desenvolvimento destes meios de expressão até seu estado puro”.

 “Para gozar da expressão plástica pura de uma obra de arte deve-se ordenar os fatores psicológicos que esta nos desperta”.

 “Toda arte moderna se distingue por uma liberdade maior, ainda que relativa, da opressão do tema”.

 Na noite que passou tive um sonho fantástico do qual fazia parte um episódio relativo à expressão da realidade em palavras que, no conjunto, conforme foi possível guardar enquanto lembrança mais ou menos vaga do sonho, resultavam num intrigante sem sentido. Era o sentido passível de ser expresso em palavras.

 “A arte é a afirmação estética da vida completa – unidade e equilíbrio – livre de toda opressão. Por esta razão pode revelar o mal da opressão e ensinar a maneira de combatê-la”.

“É importante compreender que as novas construções não devem ser criadas sob influência do passado: não devem ser repetições do que já foi expresso”.

 “A arte moderna rechaça os métodos de expressão usados no passado, mas desenvolve seu verdadeiro conteúdo. Continua aquilo que a arte do passado começou: a transformação da visão natural. Aquilo que a arte do passado levou a cabo de uma maneira mais ou menos invisível devido à opressão da época, a arte moderna realiza de forma mais visível”.

 “La belleza viviente de la naturaleza no puede  copiarse; sólo puede expresarse”.

 udo isso de Piet Mondrian foi recolhido em Arte Plástico y Arte Plástico Puro.

 13/08/2008 Assumo, portanto, a responsabilidade pela tradução.

 26-4 Na Biblioteca, retomo a leitura de Mondrian: “O único problema da arte é alcançar um equilíbrio entre o subjetivo e objetivo”.

 “A arte tem demonstrado que a expressão universal só pode ser criada por uma verdadeira equação do universal e do individual”.

 “Pode-se falar com acerto de uma evolução nas artes plásticas. Este fato merece ser assinalado, pois revela o verdadeiro caminho da arte; o único Sendero pelo qual podemos avançar”.

“O tempo é um processo de intensificação. Por meio da intensificação, se criam sucessivamente sobre planos mais profundos; a extensão permanece sempre no mesmo plano”.

  “Nossa subjetividade entende, mas não cria a obra. Os precursores criam graças à sua reação ao estímulo externo. São guiados, não pela massa, mas pelo que eles sentem e vêem. Descobrem consciente ou inconscientemente, as leis fundamentais ocultas na realidade e aspiram a realizá-las. Deste modo, adiantam o desenvolvimento humano. Sabem que não é possível servir à humanidade fazendo com que a arte seja compreensível para todo mundo; isto seria tentar o impossível. Serve-se a humanidade esclarecendo seu caminho. Aqueles que não vêem se rebelarão, tratarão de compreender e terminarão por ver. Em arte, a busca de um conteúdo compreensível para todos é falsa; o conteúdo será sempre individual”.

 Almejo descobrir formas de revelar em palavras belezas e sutilezas que acordem muitas pessoas. Mondrian adverte no seu estudo que também no campo da arte “é um erro ir muito ligeiro”, fazendo-me lembrar Shakespeare dizendo que “a paciência é tudo”.

“Desequilíbrio significa conflito, desordem”.

 “A vida real é a mútua ação de duas oposições do mesmo valor, mas de diferentes aspectos e natureza. Sua expressão plástica é a beleza universal”.

 “A arte e a vida se esclarecem mais e mais; revelam cada vez mais as leis segundo as quais se cria um equilíbrio real e vital”.

 “A intuição esclarece o pensamento puro, unindo-se assim com ele. Conjuntamente forma uma inteligência que não é simplesmente do cérebro, que não calcula, mas que sente e pensa; que é criativa na arte e na vida. Desta inteligência deve surgir a arte não figurativa, na qual o instinto já não tem uma parte importante. Aqueles que não compreendem esta inteligência consideram a arte não figurativa simplesmente um produto intelectual”.

 “A arte abstrata opõe-se a uma representação natural das coisas. Mas não se opõe à natureza. Opõe-se à animalidade primitiva do homem, mas identifica-se com as leis da cultura das relações puras”.

E segue Mondrian ensinando o fundamental em matéria de arte plástica.

 “Primeiro e antes de mais nada está a lei fundamental do equilíbrio dinâmico, que se opõe ao equilíbrio estático que necessita a forma particular”.

  “Para que uma expressão artística pura desperte emoção há que se abster da figuração e ser neutra”.

 “Cada vez torna-se mais óbvio não só a inutilidade da figuração, mas também os obstáculos que ela cria. A arte não figurativa se desenvolve nesta busca de clareza”.

 “Por purificada ou deformada que seja, a figuração empana a plástica pura. É óbvio que se evoca no espectador a sensação da luz do sol ou da lua, por exemplo, de alegria ou tristeza, ou qualquer ou sensação determinada, não se conseguiu estabelecer beleza universal, não se é puramente abstrato”.

 “Quanto mais perto de ser arte mais difícil”.

 27-4 Retomo a leitura de Mondrian: “A execução e a técnica jogam um papel muito importante na tentativa de estabelecer a visão mais ou menos objetiva que exige a essência da obra não-figurativa”.

 “Quanto menos óbvio for o trabalho do artista, mais objetiva será a obra”.

 “A execução da obra de arte deve contribuir para a revelação dos fatores subjetivos e objetivos em um equilíbrio mútuo. Guiando-se pela intuição é possível obter este resultado. A execução é sumamente importante na obra de arte; é através dela, em grande parte, que a intuição se manifesta e cria a essência da obra”.

 “O que distingue o artista não-figurativo do figurativo é o fato de que em suas criações se libera de sentimentos individuais e particulares que recebe do exterior, e de que se dissocia do domínio da inclinação individual”.

 16-7 Na Biblioteca, tarde, me interesso por uma biografia do Mondrian; começo a ler.

Paro um pouco; cansado da leitura e das reflexões que suscita.

 17-7 Na Biblioteca, continuo a conhecer Mondrian; a tarde mal começa.

 19-7 Estou na Biblioteca; influenciado pela leitura das memórias do Jung, decidi levar emprestado o Livro de Jô. Agora concluo a leitura da biografia do Mondrian por Frank Elgar: “Tudo indica que Mondrian não foi um artista pela Graça de Deus, mas que conquistou o seu gênio através da inamovível força de vontade, perseverança e trabalho árduo e que nada, nem o prazer, nem as mulheres, as honras ou o bem-estar, o afastou do seu desígnio – transcender o individual para atingir o universal e aproximar-se tanto quanto possível da perfeição, descobrindo por entre a exuberância da vida o caminho da projeção e afirmação da essência do Ser e, a partir de um estado de eterno movimento, extrair a verdade pura e original. Era esta a paixão de um homem isento de paixões. Era este o ideal de um pintor cuja extraordinária lucidez o iria isolar do comum dos homens”.

Concebida como uma parceria entre a instituição brasileira e a Fundação Proa, de Buenos Aires - para onde segue em novembro -, a mostra procura encontrar um equilíbrio entre a difícil tarefa de introduzir o pensamento de Duchamp (1887-1968) a um público amplo e a busca de uma visão capaz de elucidar o caráter muitas vezes contraditório e provocativo de seu trabalho. Lançando mão de uma certa organização cronológica e de uma cenografia curvilínea, que procura simular espacialmente o caráter cíclico de sua produção, estão dispostos ao longo da grande sala do museu aproximadamente 120 itens, que vão desde pequenos objetos até aqueles trabalhos considerados suas grandes obras-primas.

"Não vamos rebaixá-lo a uma versão light, mas também não desejamos uma opacidade total, compreensível apenas para um pequeno grupo de iniciados", explica a curadora Elena Filipovic. Especialista em Duchamp, ela procurou colocar em destaque alguns aspectos importantes em sua trajetória, que ficam ricocheteando ao longo de sua trajetória. São como nichos ou constelações de idéias, entre as quais é possível citar a questão da perspectiva, a transparência, o erotismo, o consumismo, a reprodutibilidade, etc...

Transversalmente a todos esses fios condutores destaca-se o caráter bastante paradoxal dessa obra, que não raro espantou e afastou inclusive admiradores. Duchamp era alguém capaz de jogar por terra a noção de obra de arte (ao assinar objetos prontos, industriais; criando os readymades - objetos ?prontos para usar?; elevando reproduções ao status de objeto de arte ou subvertendo acidamente ícones como a Mona Lisa, a quem adiciona bigodes) e que ao mesmo tempo passou os últimos 20 anos de sua vida construindo escondido de todos, a "pintura viva" Etant Donnés: 1.º La Chute d''Eau; 2.º Le Gaz d?Eclairage, (Sendo Dados: 1.º A Cascata; 2.º O Gás de Iluminação). Definida pela curadora como "uma das obras de arte mais inusitadas e enigmáticas do século 20", a instalação explora de maneira surpreendente as convenções da perspectiva ótica que ele tanto atacou.

Uma reconstrução aproximada da obra pode ser vista na exposição. Não se trata de uma réplica (como no caso dos readymades e de outras obras destruídas e recriadas por Duchamp), mas de uma reprodução virtual que recria a obra mas não a ilusão de que estamos diante dela. Etant Donnés, obra que se tornou conhecida apenas após a morte do artista, em 1967, encerra a mostra do MAM.

A exposição também tem um início preciso: o ano de 1913. É nessa data que Duchamp torna-se uma celebridade nos EUA, quando sua pintura Nu Descendo a Escada é exposta, com grande escândalo. Datam também desse período seus primeiros readymades - nome que adota apenas em 1915, quando muda-se para a América. Também são deste ano os primeiros estudos de La Mariée mise à nu par ses Célibataires, même (A Noiva despida por seus Celibatários, mesmo), também conhecida como O Grande Vidro.

Ponto de inflexão maior, mas não o único de uma carreira plena de avanços e retomadas. "Ele era um homem de ruptura, que mudaria a história da arte e sua própria arte, mas que vai sempre caminhar em círculos, numa espécie de turbilhão", procura sintetizar Elena. O tempo todo, os limites são esfacelados. Duchamp ressignifica a noção de autoria ao dar a objetos banais o status de obra de arte; critica acidamente as instituições mas se envolve ativamente em importantes projetos curatoriais; ignora a importância da obra original ao reproduzir novamente seus próprios trabalhos e ao mesmo tempo dá a eles um estatuto novo ao criar suas célebres caixas, que ?repertoriam? todo o universo duchampiano. Numa espécie de síntese entre contrários, Duchamp constrói com uma mão o que destrói com a outra, questionando na prática as definições e limites da arte.

A polícia de São Paulo acredita que o roubo ocorrido na quinta-feira, 12, de quatro obras de arte do acervo da Fundação José e Paulina Nemirovsky, expostas na Estação Pinacoteca, na Luz, tenha sido encomendado. O delegado Youssef Abou Chahin, diretor do Departamento de Investigações Sobre o Crime Organizado (Deic), afirmou que os criminosos sabiam nominalmente que obras levariam. A polícia avisou o Centro de Operações da Polícia Civil (Cepol) e os aeroportos e portos sobre o crime, com a finalidade de fechar o cerco contra os bandidos.  

"Ao lado das telas que eles levaram havia obras mais caras", disse Chahin. "Não sabemos se as obras irão ficar no Brasil". A funcionária Wenna Moura disse que os criminosos perguntaram nominalmente pelas obras. Nesta sexta-feira, 13, as imagens de um segundo vídeo deverão ser divulgadas. As fitas mostram os criminosos desparafusando os quadros. Os funcionários da fundação que foram rendidos devem ajudar na identificação dos criminosos, segundo informações policiais.

Os assaltantes gastaram R$ 12 em ingressos para cometer o crime. Três criminosos entraram no museu (foram R$ 4 para cada entrada) enquanto um quarto teria ficado no lado de fora. O assalto aconteceu às 12h30 de quinta-feira, num dos quarteirões mais policiados da Capital. A ação durou 10 minutos e os criminosos saíram pela porta principal, no Largo General Osório. Foi o primeiro roubo registrado em um museu estadual paulista.

As imagens do trio foram gravadas pelo circuito interno do museu e analisadas pela Polícia Civil na quinta-feira. Dois retratos falados dos suspeitos foram divulgados. Um deles é mulato, e tem 1,70 m e aparenta 25 anos. O outro é negro, de 1,60 m. O terceiro deve ser concluído hoje. As mesmas pessoas tinham sido filmadas na semana passada observando as obras da Estação Pinacoteca , antigo prédio do Departamento de Ordem Polícia e Social (Dops), órgão da Ditadura Militar. O local fica a poucos quarteirões do Quartel General da PM, do Palácio da Polícia Civil e da base da Rota.

As fitas entregues à polícia mostram dois assaltantes caminhando com as telas em duas sacolas brancas de pano. O crime aconteceu seis meses após o furto de dois quadros no Museu de Arte de São Paulo (Masp), na Avenida Paulista. Chahin contou que os ladrões, um deles armado com uma pistola, subiram de elevador direto para o segundo andar. Lá, renderam três funcionários - dois eram vigias desarmados. Em seguida, fizeram uma atendente deitar no chão e a ameaçaram com a arma. Enquanto um criminoso ficou com a atendente e os vigias, os outros desparafusaram as obras da parede com chaves de fenda. Não havia visitantes na sala.

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Duas obras do pintor espanhol Pablo Picasso (1881 - 1973), uma gravura do lituano naturalizado brasileiro Lasar Segall (1891-1957) e outro quadro do brasileiro Di Cavalcanti (1897 - 1976) foram roubados, nesta quinta-feira, 12, na sede da Estação Pinacoteca, onde acontecem exposições do acervo da Pinacoteca de São Paulo. Segundo as primeiras informações, a ação foi cometida por três homens, um deles armado, que entraram sem máscara. As imagens foram gravadas pelo circuito interno de TV e a polícia pretende fazer um retrato falado dos homens.

'Mulheres na Janela', pintura de 40X49, de Di Cavalcanti, 1926

Três delegados e dez equipes da Polícia Civil acompanham as investigações no local. O Departamento de Investigações sobre o Crime Organizado (Deic) deve realizar uma entrevista coletiva no final da tarde desta quinta-feira, para dar mais informações sobre o roubo. Segundo estimativa de policiais, o roubo deve ter durado aproximadamente 10 minutos, por volta das 11h30. Três funcionários foram rendidos pelos homens. Os criminosos estavam com uma sacola, onde armazenaram as obras de arte. Depois disso, saíram. A polícia suspeita que pelo menos um terceiro comparsa tenha dado cobertura aos outros dois, na saída do local.

Segundo a polícia, as obras levadas foram: Mulheres na Janela (1929), o óleo sobre cartão de Di Cavalcanti, O Pintor e seu Modelo (1963), gravura de Picasso; Minotauro, Bebedouro e Mulheres (1933), gravura de Picasso e Casal (1919), guache sobre cartão de Lasar Segall. A Estação Pinacoteca é um local de exposições da cidade de São Paulo, mantida pelo Governo do Estado de São Paulo. Fica localizada no centro da cidade, no Largo General Osório, no bairro da Luz, ao lado da Sala São Paulo e da Estação Júlio Prestes.

Casal, de Lasar Segall, guache de 1919

Segundo nota oficial da Secretaria Estadual de Cultura, as obras foram levadas por três homens armados que renderam os atendentes. Os quatro trabalhos têm um valor aproximado de R$ 1 milhão. A secretaria deve se pronunciar após a conclusão das primeiras investigações. O edifício da Estação Pinacoteca permanecerá fechado no resto do dia desta quinta e reabrirá na sexta-feira.

O prédio foi inaugurado em 1914. Antes de se tornar esse espaço cultural, o prédio pertenceu à administração da Estrada de Ferro Sorocabana. Durante o período da ditadura militar, o local se tornou sede do Departamento de Ordem Política e Social (Dops), para onde eram mandados os presos políticos. Em dezembro do ano passado, três quadros foram levados do Museu de Arte de São Paulo (Masp). As obras levadas foram O Lavrador de Café, de Cândido Portinari, e O Retrato de Suzanne Bloch, de Pablo Picasso. Na ocasião, quatro homens foram presos e chegaram a acusar o presidente do museu, Júlio Neves, de participar da ação. A polícia alegou que a afirmação dos suspeitos era para despistar as investigações.

 Minotauro, bebedor e mulheres, de 1933, de Picasso

O Pintor e sua Modelo, de 1963, Picasso

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Baudelaire, no século XIX, para dotar seus contemporâneos de uma consciência de si mesmos enquanto modernos (modernidade, vida moderna, arte moderna), assinala, em sua obra, que o sentido da modernidade é vago e difícil de determinar.

“Não é apenas no uso de imagens da vida comum, não apenas nas imagens da vida sórdida de uma grande metrópole, mas na elevação dessas imagens a uma alta intensidade - apresentando-a como ela é, e não obstante, fazendo que ela represente alguma coisa além de si mesma - que Baudelaire criou uma forma de alívio e expressão para outros homens”. - T.S. Eliot

 “A originalidade de Baudelaire está em pintar, com vigor e novidade, o homem moderno (…) como resultante dos refinamentos de uma civilização excessiva, com seus sentidos aguçados e vibrantes, seu espírito dolorosamente sutil, seu cérebro saturado de tabaco, seu sangue a queimar pelo álcool.” - Paul Verlaine

“Baudelaire aceitou o homem moderno em sua plenitude, com suas fraquezas, suas aspirações e seu desespero. Foi, assim, capaz de conferir beleza a visões que não possuíam beleza em si, não por fazê-las romanticamente pitorescas, mas por trazer à luz a porção de alma humana ali escondida; ele pode revelar, assim, o coração triste e muitas vezes trágico da cidade moderna. É por isso que assombrou, e continuará a assombrar, a mente do homem moderno, comovendo-o, enquanto outros artistas o deixam frio.” - Theodore de Banville

“Por modernidade, eu entendo o efêmero, o contingente, a metade da arte cuja outra metade é eterna e imutável. O pintor (ou romancista, ou filósofo) da vida moderna é aquele que concentra sua visão e energia na sua moda, sua moral, suas emoções, no instante que passa e em todas as sugestões de eternidade que ele contém” - Baudelaire

Para Baudelaire, a beleza é algo estático, imutável, inteiramente externo ao indivíduo, a exigir rígida obediência e a impor castigos sobre seus recalcitrantes súditos modernos, extinguindo-se todas as formas de Iluminismo, funcionando como um espécie de polícia espiritual, a serviço de uma Igreja e um Estado contra-revolucionários.

Baudelaire se queixa de que, com o advento da fotografia, “o gosto exclusivo do verdadeiro, oprime o gosto do belo”. A verdade é essencial, desde que não asfixie o desejo de beleza. “Onde não se devia ver nada além de beleza (uma bela pintura), o público procura apenas a verdade”. Como a fotografia é capaz de reproduzir a realidade com mais precisão do que nunca - para mostrar a verdade -, esse novo meio é, para Baudelaire, “o inimigo mortal da arte”. E, na medida em que o desenvolvimento da fotografia é produto do progresso tecnológico, “poesia e progresso são como dois homens ambiciosos que se odeiam. Quando seus caminhos se cruzam, um deles deve dar passagem ao outro.” Ainda piores que os fotógrafos, diz Baudelaire, são os modernos pintores, influenciados pela fotografia: cada vez mais, o pintor moderno “é dado a pintar não o que ele sonha, mas o que vê”.

Baudelaire se queixa de que os novos pintores estão desatentos ao presente: “o heroísmo da vida moderna nos rodeia e nos pressiona. Não faltam assuntos, nem cores, para fazer epopéias. O pintor que procurarmos será aquele capaz de extrair da vida de hoje sua qualidade épica, fazendo-nos sentir como somos grandiosos e poéticos (…) esperemos que os verdadeiros pesquisadores, nos contemplem com a extraordinária delícia de celebrar o advento do novo”.

O poema a seguir, assume a forma da queixa do apaixonado: o narrador explica à mulher que ama, por que ele se sente distante e amargo em relação a ela. Lembra-lhe a experiência que ambos há pouco partilharam.

OS OLHOS DOS POBRES

Quer saber por que a odeio hoje? Sem dúvida, lhe será menos fácil comprendê-lo, do que a mim, explicá-lo; pois acho que você é o mais belo exemplo da impermeabilidade feminina que se possa encontrar.

Tínhamos passado juntos um longo dia, que a mim me pareceu curto. Tínhamos nos prometido que todos os nossos pensamentos seriam comuns, que nossas almas, daqui por diante, seriam uma só; sonho que nada tem de original, no fim das contas, salvo o fato de que, se os homens o sonharam, nenhum o realizou.

O que torna esse encontro, particularmente moderno? O que o distingue de uma vasta quantidade de outras cenas parisienses, que também falam de amor e luta de classes? A diferença está no espaço urbano onde acontece nossa cena. A diferença é o boulevard: a mais espetacular inovação urbana do século XIX, decisivo ponto de partida para a modernização da cidade tradicional. Para os amantes, os boulevares criaram uma nova cena primordial: um espaço privado, em público, onde eles podiam dedicar-se à própria intimidade, sem estar fisicamente sós. Movendo-se ao longo do boulevard, capturados no seu imenso e inteminável fluxo, podiam sentir seu amor mais intenso do que nunca, como ponto de referência de um mundo em transformação. Poderiam exibir seu amor diante do interminável desfile de pessoas - numa espécie de exibicionismo amoroso - haurindo delas, diferentes formas de alegria. Quanto mais observavam os outros e quanto mais se deixavam observar, mais rica se tornava sua visão de si mesmos. O boulevard será tão importante, como a alcova, na consecução do amor moderno.

De noite, um pouco cansada, você quis se sentar num café novo na esquina de um boulevard novo, todo sujo ainda de entulho e já mostrando gloriosamente seus esplendores inacabados. O café resplandecia. O próprio gás disseminava ali todo o ardor de uma estréia e iluminava com todas as suas forças as paredes ofuscantes de brancura, as superfícies faiscantes dos espelhos, os ouros das madeiras e cornijas, os pajens de caras rechonchudas puxados por coleiras de cães, as damas rindo para o falcão em suas mãos, as ninfas e deusas portando frutos na cabeça, os patês e a caça, as Hebes e os Ganimedes estendendo a pequena ânfora de bavarezas, o obelisco bicolor dos sorvetes matizados; toda a história e toda a mitologia a serviço da comilança.
Plantado diante de nós, na calçada, um bravo homem dos seus quarenta anos, de rosto cansado, barba grisalha, trazia pela mão um menino e no outro braço um pequeno ser ainda muito frágil para andar. Ele desempenhava o ofício de empregada e levava as crianças para tomarem o ar da tarde. Todos em farrapos. Estes três rostos eram extraordinariamente sérios e os seis olhos contemplavam fixamente o novo café com idêntica admiração, mas diversamente nuançada pela idade.
Os olhos do pai diziam: “Como é bonito! Como é bonito! Parece que todo o ouro do pobre mundo veio parar nessas paredes.” Os olhos do menino: “Como é bonito, como é bonito, mas é uma casa onde só entra gente que não é como nós.” Quanto aos olhos do menor, estavam fascinados demais para exprimir outra coisa que não uma alegria estúpida e profunda.

Esta cena primordial revela algumas das mais profundas ironias e contradições na vida da cidade moderna. O empreendimento que torna toda essa humanidade urbana, uma grande “família de olhos”, em expansão, também põe à mostra, as crianças enjeitadas dessa família. As transformações físicas e sociais que haviam tirado os pobres do alcance da visão, agora os trazem de volta, diretamente à vista de cada um. Pondo abaixo as velhas e miseráveis habitações medievais, de maneira involuntária, foi rompida a crosta do mundo, até então, hermeticamente selado da tradicional pobreza urbana. Os boulevares permitiram aos pobres, caminhar, afastando-se de suas vizinhanças arruinadas, para descobrir, pela primeira vez em suas vidas, como era o resto da cidade e como era a outra espécie de vida que aí existia. E, à medida que vêem, eles também são vistos: visão e epifania nos dois sentidos. Não há como desviar os olhos.

Dizem os cancionistas que o prazer torna a alma boa e amolece o coração. Não somente essa família de olhos me enternecia, mas ainda me sentia um tanto envergonhado de nossas garrafas e copos, maiores que nossa sede. Voltei os olhos para os seus, querido amor, para ler neles meu pensamento; mergulhava em seus olhos tão belos e tão estranhamente doces, nos seus olhos verdes habitados pelo capricho e inspirados pela lua, quando você me disse: “Essa gente é insuportável, com seus olhos abertos como portas de cocheira! Não poderia pedir ao maître para os tirar daqui?”
Como é difícil nos entendermos, querido anjo, e o quanto o pensamento é incomunicável, mesmo entre pessoas que se amam!

Como poderiam os amantes olhar os pobres em farrapos, de súbito surgidos entre eles? Nesse ponto, o amor moderno perde sua inocência. A presença dos pobres lança uma sombra inexorável sobre a cidade iluminada. Sob essa nova luz, sua felicidade pessoal aparece como privilégio de classe. O boulevard os força a reagir politicamente.

O homem se sente culpado, em meio à felicidade, irmanado àqueles que a podem ver, porém não podem dela desfrutar.

A mulher se afina com a “ordem”: nós temos algo que eles querem; logo, o melhor é chamar alguém que tenha o poder de nos tornar livres deles.

A distância entre os amantes não é uma radical oposição ideológica e política. Um par amoroso dividido, é razão suficiente de desgosto. Talvez o homem odeie essa mulher porque os olhos dela lhe revelaram uma parte de si mesmo que ele se recusa a enfrentar - a maior divisão, ocorrendo dentro do próprio homem.

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O que você achou desse texto de Baudelaire?  Concorda com os conceitos de modernidade por ele defendidos?

La mostra, organizzata dall'associazione culturale Casa Arte Scuola Civica di Musica di Latina, e curata da Leonardo Faccioli e Massimo Pompeo, è inserita nell'ambito della rassegna Arte a scuola: nata nel 1998, tale rassegna si occupa di realizzare esposizioni di arte contemporanea all'interno delle istituzioni scolastiche al fine di far conoscere e avvicinare gli alunni alle arti visive.

Lettera al mondo

di Tommaso Binga

Come già il titolo lascia supporre, la mostra è spiccatamente dedicata all'universo femminile di artiste note e emergenti (tra cui alcune allieve del Liceo Artistico di Latina). Una delle riflessioni proposteè che si potrebbe anche affermare che tutta l’arte, degli uomini e delle donne, rappresenta un’azione femminile: il prodotto artistico, in fin dei conti, è il risultato di quell’attitudine ad accompagnare un seme, un’idea, un’emozione, dalla consistenza potenziale alla luce concreta.

Nel corso dell'inaugurazione della mostra verranno eseguiti brani per pianoforte a sei mani eseguiti da un trio, sempre femminile: Rossana Carturan, Marianna lanza, Maria Grazia Maretto.

Gli orari di visita sono:

per le scuole: orari antimeridiani con visita guidata (previa prenotazione al 328.42108258 ) o anche nel pomeriggio.

pubblico non scolastico: pomeriggio dalle 16.00 alle 20.00 nei giorni lunedì, mercoledì, giovedì, venerdì.

Le opere esposte sono di Paola Abbondi, Annastella Alviti, Anna Annunziata, Alba Balestra, Luisa Bergamini, Tomaso Binga, Ornella Boccuzzi, Elena Bordacconi, Graziella Bottaro, Donata Buccioli, Enrica Celli, Maria Paola Cerasani, Isabella Ciaffi, Anna Maria Corsaro, Irma Costa, Ioana Craciun Dobrescu, Veronica D’Angelo, Fiorella Diamantini, Cornelia Farcas, Colleen Fernandez, Venera Finocchiaro, Rosa Gabriel, Ada Impallara, Beatrice Mastrodonato, Anna Aloisa Mileto, Elisa Montessori, Andra Panduru, Anna Maria Pistilli, Francesca Piva, Giustina Prestento, Maria Luisa Ricciuti, Grazia Sernia, Michela Torelli.

Composta por objetos pessoais, quadros e registros históricos do desenvolvimento de sua obra, a mostra expõe correspondências que o escritor manteve com artistas como Cândido Portinari, Heitor Villa-Lobos e Carlos Drummond de Andrade.

"Intérprete do Brasil" também reúne material de pesquisa usado por Freyre para escrever "Casa Grande e Senzala, livro que retrata a formação do Brasil com base na miscigenação dos povos.

 "Gilberto Freyre - Intérprete do Brasil"
Quando: Até 18 de maio de 2008, de terça a domingo, das 10h às 18h
Onde: Museu da Língua Portuguesa, Praça da Luz, s/nº, Centro - São Paulo - SP
Tel.: (0/xx/11) 3326-0775
Quanto: R$ 4,00

André Breton em sua juventude

PARIS (Reuters) - O único original conhecido do "Manifeste du Surréalisme" escrito por André Breton será colocado à venda neste mês, disse a casa de leilões Sotheby's nesta terça-feira (6).O movimento surrealista -- que gerou, por exemplo, os famosos relógios moles de Salvador Dalí -- teve uma profunda influência sobre a arte do século 20, envolvendo artistas como Marcel Duchamp e René Magritte.

O manifesto surrealista foi redigido como prefácio a uma coleção da "escrita automática", uma técnica em que o escritor deveria colocar na página tudo o que lhe vinha à cabeça, sem se importar com a forma ou o sentido. Mas o texto acabou sendo um dos escritores que definiram o movimento que veio a ser conhecido como surrealista.

A Sotheby's disse que se trata "sem contestação do documento mais pródigo" dentro de uma coleção de nove manuscritos de Breton (1896-1966) que serão leiloados. Os escritos faziam parte da coleção de Simone Collinet, primeira esposa do escritor.

A casa pretende vender os textos num só bloco, mas só o manifesto deve valer entre 300 mil e 500 mil euros (US$ 464,6 mil a 774,4 mil).

O leilão também vai oferecer outros manuscritos importantes, como um conjunto de obras inéditas da escritora feminista Simone de Beauvoir -- o que inclui seu primeiro romance, inacabado. O leilão está marcado para o dia 21 de maio, em Paris. (Reportagem de James Mackenzie)

Salvador Dali

 Duchamp

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Nato alla Spezia nel 1970, si diploma nel 1992 all’Istituto d’arte di Palazzo Spinelli a Firenze. Intraprende nel 1993 un viaggio che lo porta a diretto contatto con le arti visive centro-americane e, in seguito, si stabilisce a Città del Messico, dove lavora come illustratore in una nota rivista. Nel 1994 ritorna in Italia. A oggi egli ha al suo attivo numerose mostre personali in Italia e all’estero.

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