O espetáculo de Federico Garcia Lorca ganhou sua primeira montagem brasileira. O argentino Gabrieli responde, além da direção, pela cenografia, direção de arte e é co-responsável pela tradução do dificílimo texto de Lorca.

A história trata de uma montagem da famosa peça de Shakespeare, Romeu e Julieta. Desafiador, o diretor substitui a atriz que interpreta Julieta por um jovem de 15 anos. O público descobre, arma um verdadeiro levante no teatro e assassina os atores.

O espetáculo é longo, o texto hérmetico e, por vezes, quase incompreensível. A encenação lembra os espetáculos do Teatro Oficina, com quem Gabrieli trabalhou na recente montagem de Os Sertões. Visceral, este argentino conduz toda a história, interpretando, no início, o diretor do espetáculo, passando pela enigmática e triste Figura de Guizos até o desbunde de sua Guilhermina. Os cenários (são dois palcos, o público é conduzido depois de um certo tempo para um local maior, à uma dezena de degraus abaixo) são funcionais e inteligentes.

Com um elenco inteiramente masculino, mas não por isso, a abordagem e concepção do espetáculo é bastante homoerótica. Com figurinos sensuais, por vezes fetichistas, não poupando o nu de quase todo o elenco, O Público, é sexy, mas se se pretendesse um diálogo maior com seu objeto-título sairia-se muito melhor. Citando uma fala do personagem-diretor, sempre resta-nos o plástico, a purpurina. E ela é tão eficiente neste caso que não há necessidade de assassinarmos o elenco ao final.

Cotação (0 a 5): 3,0 - Arroz com feijão

É praticamente impossível a uma pessoa minimamente informada entrar no cinema para ver Batman – O Cavaleiro das Trevas indiferente a tudo o que já se disse sobre ele: o melhor filme do Morcego, a estréia mais rentável de todos os tempos, o possível Oscar para Heath Ledger – que por sinal já foi eleito um dos maiores vilões do cinema – e, até, um dos maiores filmes de todos os tempos. Pois é. E, sem muito suspense, Batman é quase tudo isso.

O diretor Christopher Nolan já havia assinado outra aventura do sombrio herói em 2005, Batman Begins, que era um flashback em relação às histórias anteriores. E apesar das excelentes direção de arte, trilha sonora e efeitos, um amontoado de cenas deixava-o confuso e insípido. Mas veja bem, insípido já é uma evolução se compararmos com catastrófico, adjetivo adequado aos Batmans de Joel Schumacher na década de 90.

Em O Cavaleiro das Trevas, Nolan mantém a excelência técnica de encher os olhos, só que o conteúdo mudou. Nesta seqüência, Batman, o comissário de Gotham City e um promotor se dedicam a combater o crime organizado. Até que uma mente criminosa acima da média mergulha a cidade no caos e, no combate a ele, o homem-morcego quase ultrapassa a linha que separa o herói do justiceiro, o policial severo e eficiente dos esquadrões da morte.

Sem dúvida, Christian Bale é o Batman mais convincente até agora – chance desperdiçada por Michael Keaton e o inssosso Val Kilmer. Bale é o tipo de ator que não deixa uma cena mal construída. O elenco que o cerca está a altura, com Aaron Eckhart e Maggie Gyllenhaal. E há, claro, Heath Ledger. Confesso que sua primeira cena não me impressionou; a segunda um pouco mais e assim por diante; quando me dei conta, o australiano havia hipnotizado a mim e a sala toda com seu Coringa. Se não fosse por todo o resto, só Ledger já paga o ingresso. Desde Homem Aranha 2 (2004) não se via um blockbuster tentar ir tão além da superfície. Pode não ser o maior filme de todos os tempos, mas é bom cinema.

Cotação (0 a 5): 4,5 - Iguaria fina

A respeito de Uma Garota Dividida em Dois vou usar a frase de uma grande amiga minha, Margarete Pinto, que diz "Claude Chabrol me cansa". Sabemos que ele é um nome importante do cinema francês, responsável por filmes muito bem construídos como Ciúme - O Inferno do Amor Possessivo, Mulheres Diabólicas e Madame Bovary. Pelo menos, assim achava eu quando os vi nos anos 90. Isso sem falar de um passado mais remoto, quando o ex-crítico de cinema virou cineasta e lançou - com Nas Garras do Vício - um dos movimentos mais importantes da cena no século 20, a Nouvelle Vague

No entanto, está difícil se empolgar com algo de Chabrol nesta década. Até agora me pergunto o que fez a crítica receber tão bem A Dama de Honra e Comédias do Poder. Filmes enfadonhos que desperdiçam uma boa premissa e um ótimo elenco. Não é tão diferente de Uma Garota, seu mais recente trabalho.

Não demora muito para que você perceba que o título tampouco faz sentido. Gabrielle (Ludvigne Sagnier, cada vez mais bela) sente-se atraída de imediato pelo escritor décadas mais velho do que ela, Charles St. Denis (François Berléand, com um ar de cinismo imbatível). É dele seu coração, seu corpo, seus sonhos. O bon-vivant Paul Gaudens (Benoit Magimel) é, desde o início, apenas um apêndice em sua história. Um belo e aristocrático apêndice, é verdade. O rapaz tanto insiste que Gabrielle casa-se com ele no velho esquema de esquecer uma paixão com um casamento e uma viagem. Mas os problemas não se resolvem e não é exatamente um 'foram felizes para sempre' o que acontece após o casamento.

Ludvigne Sagnier volta a um papel que oscila de angelical à pura perversão, como em Swimming Pool, de François Ozon. Arrebatadoramente sexy. Todo o elenco funciona, se não fosse o roteiro previsível e a direção sem imaginação, com ares de um noir cínico e decadente, mas sem charme algum. No final, concordo com as idosas ao meu lado (e maioria no cinema) saindo da sala: ele já fez coisas melhores, não é, Ruth? É, elas devem saber do que estão falando.

Cotação (de 0 a 5): 3,0 - Arroz com feijão

Leandra Leal é uma atriz sui generis. De família teatral, estreou na profissão aos sete anos no último capítulo de Pantanal. Depois da novela, a moça fez uma porção de filmes prestigiados, espetáculos, trabalhos na Globo e produziu shows de gente conceituada. Há três anos, Leandra, muito bem estabelecida, deixou o Rio para fazer faculdade em São Paulo. Com esse mesmo desprendimento, ela encarou a protagonista de Nome Próprio, em cartaz nos cinemas.

O filme, dirigido por Murilo Salles, é inspirado nos textos da escritora e blogueira Clarah Averbuck. Na tela, Leandra Leal é Camila, uma brasiliense morando na capital paulista. Blogueira compulsiva, alcoólatra, apaixonada, intensa, indomável, irascível. Camila não mede as conseqüências do que fala, tampouco se arrepende. Se os amigos de Brasília vão ficando pelo caminho, o prazer de escrever ela não perde. É no blog que revela suas contradições e aspirações, onde sua vida faz sentido.

Impossível falar de Nome Próprio sem o monopólio de Camila, pois ela é o filme. Murilo Salles, famoso por Como Nascem os Anjos (1996) revisita a “descolândia paulistana” de Seja o que Deus Quiser (2003), seu último trabalho. A câmera viaja ora em planos abertos, ora na mão, perscrutando os poros de Camila com super closes - não os de estilo televisivo e burocráticos, como em Olga, mas poderosos, que nos tornam cúmplices dela, por mais que isso nos deixe desconfortáveis. A montagem atrapalha a direção segura, deixando o filme arrastado em vários momentos.

Leandra, como se já não soubéssemos, demonstra não ter medo de nada. Defende Camila sem pudores. Neste tipo de (des)construção não há meio termo e ela acerta em cheio. Se em sua estréia na telona (A Ostra e o Vento, 1997) emplacou uma das cenas mais sensíveis do cinema brasileiro, agora ela pega o touro à unha e crava um grande momento de sua carreira.

Cotação (de 0 a 5): 4,0 - Petit four

Este texto bem que poderia estar no blog de comidas deliciosas de Rebeca Ukstin, o Tempero. Afinal, é em torno de um prato, o cuscuz, que se desenrola toda a trama de O Segredo do Grão, de Abdellaltif Kechiche, em cartaz em São Paulo.

Vencedor do Grande Prêmio do Júri no último Festival de Veneza e de quatro César - incluindo melhor filme - O Segredo do Grão é uma intensa e longa incursão no universo de uma família. Ou melhor, de duas. Em Séte, no litoral francês, às margens do Mediterrâneo, Slimane Beiji é um operário de 61 anos que perde o emprego após mais de 30 anos na mesma empresa. Ele, assim como muitos de seus vizinhos, imigrou para a França, décadas antes, em busca de melhores oportunidades.

Slimane possui a família "oficial", que corresponde a sua ex-mulher, filhos, genros, noras e netos e a "extra-oficial", composta por Karima, a dona do hotel onde ele mora, e a filha dela, Rym. Sem nunca ter assumido uma relação com a segunda, as mulheres de ambas as famílias se detestam. Sem emprego e sem perspectivas, é Rym que o ajudará a ter um novo objetivo na vida: montar um restaurante dentro de um barco e que servirá apenas um prato: o cuscuz.

Não faltam obstáculos em seu caminho. A prefeitura só libera o alvará com o empréstimo aceito pelo banco e o banco só o levará a sério com todos os documentos expedidos pela prefeitura. Apostando tudo em uma última cartada, Slimane recebe ajuda de toda a família, reforma o barco e prepara um banquete para 100 convidados ilustres com a intenção de que eles vejam o potencial de sua idéia e invistam no projeto.

Por duas horas e meia entramos no mundo das famílias de Slimane e nos tornamos íntimos de seus dramas, suas frustrações e suas esperanças. Durasse mais duas ou três horas e a sensação prazeirosa de convivermos com todas as personagens, por certo, ainda seria a mesma. Kechiche acerta nos ângulos, na direção de atores - a maior parte, amadores -, na trilha sonora, na tradução certeira da cultura árabe hoje tão presente em toda a Europa, em particular a França. Tivesse o neo-realismo um nome nos dias de hoje e ele seria Abdellatif Kechiche.

Cotação (0 a 5): 5,0 - Manjar dos Deuses

Bild: Olympus 725SW

2008-07-17 @ HEMMA

Em cartaz nos cinemas, O Escafandro e a Borboleta, não é um filme fácil de digerir, se me permitem o trocadilho. O longa, do diretor americano Julian Schnabel (de "Basquiat" e "Antes do Anoitecer"), não teme a narrativa lenta ou a fotografia que alterna diversas imagens desfocadas. Pelo contrário, elas são co-responsáveis pelo desenvolvimento e qualidade do filme.

De início bastante claustrofóbico, conhecemos a história através do olho de Jean-Dominique Bauby (Mathieu Amalric), um editor da revista Elle. Neste caso, não é mera figura de linguagem. Vítima de um acidente vascular cerebral aos 42 anos, ele acorda num hospital do litoral francês com esta assustadora notícia: seu olho esquerdo é a única parte do corpo em que restou movimento.

Ao longo da narrativa, o desespero natural de Jean-Do vai sendo amenizado pela dedicação da fisioterapeuta Henriette (Marie-Josée Croze, premiada em Cannes por As Invasões Bárbaras) e da ex-mulher Céline (Emmanuelle Seigner, ainda mais bela do que em Place Vendôme). É através de um método que Henriette o apresenta que fará com que o editor se comunique com o resto do mundo. Com piscadas para cada letra do alfabeto, ele escreve um livro, no qual foi baseado o filme.

Ao requinte estético da fotografia, que praticamente reinventa a forma de contar visualmente uma história, soma-se o roteiro bem cuidado e belas atuações - Max Von Sydow, como o pai, só precisa de duas cenas para nos lembrar de sua magnitude. Se Jean-Do está encarcerado em seu próprio corpo, sua memória e sua imaginação estão livres e é através delas que o personagem irá celebrar a vida.

Cotação (0 a 5): 4,5 - Iguaria fina

"Meu maior desejo seria o de que o filme fosse visto por um espectador que passou recentemente pela dor da morte de uma pessoa próxima e que se sentisse consolado." Esta é uma das frases ditas pelo diretor alemão, de ascendência turca, Fatih Akin, quando do lançamento do seu filme Do Outro Lado, no Festival de Cannes em 2007.

Na segunda parte de sua trilogia chamada de "Amor, Morte, Diabo", Akin não economizou no luto. O filme, dividido em três blocos bem definidos, mas que se entrelaçam antes mesmo de você se dar conta, não poupa ninguém da dor e faz da perda um recomeço.

Com muito de sua própria história, Do Outro Lado cruza as vidas de seis personagens: Nejat é um professor de origem turca que leciona numa universidade alemã, cujo pai, Ali, um aposentado bastante boêmio e que teme a velhice, resolve pedir a prostituta Yeter em casamento. Yeter, sofre por não ver a filha Ayten há muito tempo. O professor partirá então para Istambul à procura de Ayten que, hoje, é uma ativista política. Perseguida pela polícia, a moça chega à Alemanha e encontra ajuda em Lotte, mesmo contra a vontade de sua mãe, Susanne.

Não se trata de nenhum spoiler adiantar que duas das seis personagens irão morrer. E o reagrupamento dos que ficam é o que faz o filme ser tão especial. Não espere nada sombrio. Como disse Hanna Schygulla, intérprete de Susanne, "Akin se diferencia de outros jovens diretores por ter coragem de falar da morte como algo que faz parte da vida."

Com a primeira parte da trilogia, Contra a Parede (2004), Akin levou o Urso de Ouro em Berlim, no que foi, para este blogueiro, o filme do ano em 2005. Agora, com a segunda parte, premiada com o melhor roteiro em Cannes 2007, o cineasta não faz por menos: no vai-e-vem dos personagens entre Turquia e Alemanha, ele faz mais um filme irretocável, relevante e inesquecível. Aonde eu passo para fazer a carteirinha mesmo?

Cotação (de 0 a 5): 5,0 - Manjar dos Deuses

Você entra na escola de teatro e o nome de Peter Brook ecoa pelos corredores e aulas de história: o homem que dirigiu Marabharata no cinema e responsável por algumas das encenações mais perfeitas das peças de Shakespeare. Enfim, uma lenda.

Fragments, que ele trouxe a São Paulo e fica em cartaz até hoje (com ingressos esgotados), no Sesc Santana, mostra que o homem sabe o que faz.

São quatro esquetes, daí o título do espetáculo, de Samuel Beckett. "Rough For Theatre I" mostra dois párias da sociedade numa inter-relação de solidão e esperança. O público ri nos momentos cômicos, mas engasga quando um deles, o cego, diz para o outro, o aleijado, o por quê de não ter dado cabo de sua vida até então, "I'm not unhappy enough."

O segundo, "Rockaby", é um monólogo em que a atriz repete o mesmo texto, com apenas a variação de suas entonações que são, gradativamente, cada vez mais angustiadas. A solidão é a tônica dominante mais uma vez. Você se lembrou de Brenda Blethyn em Segredos e Mentiras com seu suburbano e melancólico dia-a-dia? À cena técnica e milimetricamente construída fundem-se a vigorosidade e a intensidade da atriz tornando-a a mais difícil, mas a mais bela do espetáculo.

"Act Without Words II" não tem palavras, apenas esboço de algumas. Um teatro físico, com referências a Grotowski, toma conta da cena. Um exemplar exercício de atores, ela ganha a cumplicidade do público, logo de início, encantado com a precisão dos gestos e a comicidade da situação.

Com "Come and Go", a mais curta delas, fecha-se o ciclo, evocando a repetição do texto, como na segunda, e o jogo com a platéia, como na anterior. Os três atores do espetáculo agora estão juntos e, se um ou dois são bons, o trio, unido, é melhor ainda.

O teatro de Peter Brook encanta sem precisar de grandes cenários, adereços ou trilha sonora elaborada. E eu, que achava que só bons efeitos de "peças cinematográficas" faziam valer o valor do ingresso hoje em dia, deixo-me seduzir por uma das mais ancestrais maneiras de se fazer teatro: bem feito.

Cotação (0 a 5): 4,0 - Petit four

Foto: Olympus 725SW

2008-06-21 @ HEMMA

Immediately that made me think of the Anglican Communion. We don't need a Covenant - we need an Anglican Communion a la carte. We need to read from the same menu but have our own choices. We do that already with issues such as the ordination of women so why not with everything?

And on the subject of women... go over to Fr Simon's blog for an excellent and heartfelt article on the upcoming vote for women bishops in the Church of England.

Em cartaz há três semanas em São Paulo, só agora pude ver Longe Dela, de Sarah Polley.

O longa foi arrebatando todos os prêmios dos críticos de melhor atriz para Julie Christie, passou pela Mostra Internacional de São Paulo e eu já havia lido uma boa resenha no blog bacana e divertido do meu amigo Heitor Jr, Não Me Mandem Cores.

A história fala de uma mulher, Fiona, que mantém um casamento baseado em respeito, cumplicidade e amor com o marido há quase 45 anos. Não é pouca coisa. Não mesmo. Mas Fiona começa a ter lapsos de memória, que vão aumentando gradativamente, o que faz com que ela e o marido, sempre unidos, procurem ajuda médica. Diagnóstico: Alzheimer.

É com extrema sensibilidade que a diretora Polley conduz esta história que não se precisa de muito QI para adivinhar o triste final. São os diálogos, a delicada trilha sonora e as interpretações primorosas que costuram um roteiro (indicado ao Oscar) bem amarrado e sem concessões.

Em sua estréia na direção, Polley, que ainda mantém sua carreira de atriz (O Doce Amanhã, EXistenZ, Minha Vida sem Mim) e assina a adaptação do roteiro, faz lembrar outro ator/diretor com um filme tão intenso e nostálgico do qual é diíficil sair ileso. Estamos falando de Clint Eastwood e As Pontes de Madison (1995).

Julie Christie, que já tem uma estatueta dourada em sua estante, perdeu o Oscar deste ano para a excelente Marion Cotillard. Não à toa, porém, ela havia levado antes muitos dos prêmios a que concorreu (inclui-se o Screen Actor's e o Globo de Ouro). Seria fácil para uma atriz com este papel cair numa interpretação exagerada para nos fazer debulhar em lágrimas. Uma vez que a própria situação já é dramática o suficiente, atriz e diretora escolheram representar Fiona de uma maneira suave, porém não menos intensa. Irônica, mas não menos apaixonada.

Gordon Pinsent e Olympia Dukakis (ela também com um Oscar na estante) completam o time no mesmo tom de todo o filme: quando o menos é mais. Como não se emocionar com os olhos de Grant (Pinsent) vendo a mulher que ama e amou por toda a vida esquecendo-se dele e, pior, interessada em outra pessoa? Sabendo que o passado que têm em comum será lembrado apenas por ele? Carregando uma dor advinda do mais puro e nobre sentimento que já teve por alguém que é o amor verdadeiro?

Difícil conseguir filosofar ou explicar o que é o amor, mas Sarah Polley chega muito perto disso.

Cotação (0 a 5): 4,5 - Iguaria fina